Vue l’importance prise par le mouvement « me too » et plus largement par la prise de conscience du poids du harcèlement sexuel dans de nombreux secteurs d’activité, il n’est pas étonnant de voir Hollywood s’emparer déjà du sujet. On aurait pu plutôt s’attendre à un film sur l’affaire Weinstein, mais sans doute le procès en cours pousse les scénaristes à attendre son dénouement pour proposer une histoire dont elle sera le sujet central. C’est donc à travers une affaire moins connue de ce côté-ci de l’Atlantique que la thématique surgit. En effet, Scandale nous relate la chute du créateur et directeur de la rédaction de Fox News en 2016.
Scandale est un film parfaitement hollywoodien en terme d’efficacité scénaristique et artistique. Un produit un rien formaté donc, mais qui fonctionne à la perfection. On ne se plaindra pas que pour une fois, tout cela soit mis au service d’une grande et belle cause. La dénonciation est salutaire, surtout qu’elle ne porte pas uniquement sur le harcèlement sexuel qui sévissait chez Fox News. Leur ligne éditoriale et l’éthique journalistique et intellectuelle dont ils usent sont largement éreintées également. Evidemment, quand le propos prêche un convaincu, comme moi, cela ne peut que provoquer une adhésion enthousiaste et immédiate. Mais les qualités du film sont suffisantes pour gagner celle d’un public un peu moins conquis d’avance.
Scandale bénéficie d’un casting prestigieux. En particulier son casting féminin avec Charlize Theron, Nicole Kidman et Margot Robbie, excusez du peu ! Elles livrent toutes les trois une prestation brillante, à la hauteur de leur réputation. On sent un réel investissement dans leur rôle et le spectateur apprécie l’effort à sa juste valeur. Le film est aussi l’occasion de voir Jonh Lithgow dans un rôle nettement plus marquant qu’à son habitude, lui qui figure parmi les éternels seconds rôles du cinéma hollywoodien. Une récompense méritée pour cet acteur qui aura incarné des personnages extrêmement variés durant sa longue carrière, passée dans l’ombre. Tout cela contribue à la réussite de ce film qui atteint pleinement son but.
LA NOTE : 13/20
Fiche technique :
Production : Denver et Delilah productions, Lighthouse Media, Lionsgate
Distribution : Metropolitan FilmExport
Réalisation : Jay Roach
Scénario : Charles Randolph
Montage : Jon Poll
Photo : Barry Ackroyd
Décors : Mark Ricker
Musique : Theodore Shapiro
Durée : 109 min
Casting :
Charlize Theron : Megyn Kelly
Nicole Kidman : Gretchen Carlson
Margot Robbie : Kayla Posisil
John Lithgow : Roger Ailes
Allisson Janney : Susan Estrich
Malcolm McDowell : Rupert Murdoch
Kate McKinnon : Jess Carr
Mark Duplass : Doug Brunt
Au Panthéon des réalisateurs, certains occupent une place que personne ne contestera et que personne n’oubliera de leur accorder : Orson Wells, Akira Kurosawa, Stanley Kubrick, Steven Spielberg… Mais d’autres seront éventuellement injustement oublié. Non que leur talent soit moindre, mais pas forcément reconnu. Sam Mendes fait partie de ces immenses cinéastes dont la renommé n’est pas la hauteur de la qualité de leur œuvre. On connaît ses films, mais sans forcément se rappeler que c’était lui qui se trouvait derrière la caméra. Peut-être que 1917 contribuera à réparer cette injustice. Même si Sam Mendes est sans doute passé à côté de quelque chose d’encore plus grand.
Mais 1917 se heurte tout de même à ses limites. Même si le scénario n’est pas dénué de fond, le film ressemble au final quelque peu à un exercice de style. L’histoire est forte, mais ce n’est pas une grande histoire, à la hauteur de la magnificence de la réalisation. Certains éléments paraissent même un peu artificiels pour souligner l’horreur de la guerre et rendre le tout un peu plus spectaculaire. Cela ne gâche en rien le plaisir d’assister à un tel moment de bravoure cinématographique. Mais avec le recul, cela fait naître un tout petit peu de frustration. C’est toujours injuste de reprocher à quelque chose de grand de ne pas l’être encore plus. Décidément, même moi, je finis par me montrer injuste envers Sam Mendes.
Deux adolescents, un amour (passionnément platonique ou platoniquement passionné, comme on veut) et une bonne dose de fantastique. Voici la recette habituelle de beaucoup de longs métrages d’animation japonais. En particulier ceux de Makoto Shinkai, que l’on avait découvert avec le très beau Your Name. Le revoici avec les Enfants du Temps. Un film qui nous permet de retrouver tout ce qui peut nous séduire dans ce genre de film. Mais de manière peut-être un peu trop exhaustif pour se montrer pleinement enthousiaste.
Graphiquement, les deux films se ressemblent aussi beaucoup. Cela est relativement logique, le style de Makoto Shinkai n’allant pas se transformer profondément entre deux films. Mais comme les deux films comptent beaucoup de décors en commun, cet aspect aussi renforce la tentation de la comparaison. Les Enfants du Temps ne constitue certainement pas le film d’animation le plus beau qui soit. Le style est sans audace. On appréciera tout de même la manière dont sont représentées les émotions des personnages. Au final, ce sont vraiment ces derniers qui confèrent son âme à ce film et font que l’on passe tout de même un beau moment. A défaut d’enthousiasme, on est tout de même touché par cette histoire. Sûrement le pouvoir de l’amour.
Le cinéma n’a pas de frontière et il n’y a pas beaucoup de pays au monde dont on n’a pas l’occasion de découvrir un bon film de temps à autres. Certains nous en proposent cependant plus fréquemment que d’autres et pas toujours ceux auxquels on s’attend. La Roumanie par exemple s’impose peu à peu comme une place forte du cinéma européen. On imagine facilement ce pays nous proposer des films sombres, voire sinistres. Cela a parfois été le cas, mais pas toujours. La preuve avec les Siffleurs, un vrai bon polar aux multiples qualités.
Qui dit film de personnages, dit évidemment des acteurs et des actrices (ok je dis ça à chaque fois que je qualifie un long métrage de films de personnages). On découvre ici un duo étonnant, mais surtout particulièrement brillant. Vlad Ivanov et Catrinel Marlon parviennent à donner assez d’épaisseur, de charisme et de crédibilité à leurs personnages pour qu’on soit définitivement convaincu par cette histoire. Si on ajoute à cela une réalisation parfaitement maîtrisé, cela nous offre un très bon film qui mérite bien les bons échos qu’il a reçu au dernier Festival de Cannes. Vive le cinéma sans frontières !
Il existe deux types de films générationnels. D’une part, ceux qui auront marqué une génération et que celles qui suivent regardent d’un air un peu étonné, ne partageant pas du tout l’enthousiasme de leurs aînés. D’autre part, il y a les films qui « racontent » une génération, essayant de récréer l’ambiance, l’univers, la culture dans lesquels elle a baigné et s’est construite. Play est définitivement à ranger dans cette deuxième catégorie puisque c’est même clairement le but de cette histoire. Une belle histoire en tout cas, qui vaut bien plus que la simple nostalgie qu’elle véhicule. Nostalgie qui touchera le cœur de tous ceux nés comme moi autour de l’entrée des années 80.
Play bénéficie d’une forme quelque peu originale. En effet, ce film est supposé avoir été fait en montant des passages de la vie des personnages tournées au caméscope. Un choix qui aurait pu rendre le film absolument insupportable, mais qui fonctionne finalement parfaitement. Cela renforce le sentiment d’intimité très fort qui naît avec le spectateur. Cela est renforcé par un casting qui fonctionne très bien rendant totalement crédible la progression en âge des spectateurs. Max Boubil confirme qu’il est un acteur à part entière, qui mériterait des rôles encore plus intéressants. La vraie star du film reste cependant Alice Isaaz, absolument éblouissante. Les deux comédiens entrent vraiment en synergie pour faire de ce film une réussite étonnante de 7 à 77 ans… mais encore plus à 40 ans !
Il n’est jamais trop tard pour boucher les trous béants dans sa culture. Il existe encore beaucoup d’histoire, d’artistes, d’œuvres que je connais de nom, sans vraiment savoir ce qu’il y a derrière. J’ai toujours pris les 4 Filles du Docteur March pour une histoire cucul pour jeunes filles prépubères. Il faut dire que la traduction française du titre original (Little Women) du roman de Louisa May Alcott s’avère particulièrement mauvaise et trahit totalement son esprit. Heureusement, Greta Gerwing m’a permis de découvrir enfin ce qu’il en était vraiment grâce à une excellente adaptation. De plus, le film bénéficie d’une nouvelle traduction du titre, particulièrement recherchée… les Filles du Docteur March (sic!).
Tous ces commentaires pourraient tout aussi bien porter sur le roman. Or les Filles du Docteur March est bien un film, brillamment réalisé par Greta Gerwing. Elle parvient à insuffler beaucoup d’énergie dans sa narration. Elle met en valeur de manière particulièrement brillante ses personnages. Il faut dire qu’elle bénéficie d’un casting réellement impeccable où Saoirse Ronan brille vraiment de mille feux. On est heureux également de voir Emma Watson dans un très beau rôle et on espère que plus de réalisateurs penseront à elle dans les années à venir. En tout cas, le film est une réussite pleine et entière, qui me donne très envie de combler définitivement mes lacunes en lisant enfin le roman.
Parfois le plus grand des hasards donne à un film une saveur supplémentaire non prévue à l’origine. Y compris un hasard quelque peu tragique. Valérie Donzelli n’a pas écrit Notre-Dame pour rendre hommage à ce monument suite à l’incendie de l’année dernière, mais sa sortie quelque mois après ce dernier procure à ce film un relief supplémentaire. Cependant, même sans cette concordance des temps involontaire, il serait resté cette comédie pleine d’imagination, de fantaisie et d’humour (ce qui est quand même bienvenu pour une comédie) qui nous aura ravi et permis de passer de 2019 à 2020 dans la joie et la bonne humeur !
Valérie Donzelli parvient se mettre elle-même en scène avec beaucoup de talent et sans complaisance. Certes, elle a écrit ce rôle pour elle-même, mais elle incarne avec un talent qui va plus loin que cela. A ses côtés, Pierre Deladonchamps roule un peu plus à l’ordinaire, mais apporte sa dose de charme. On est très heureux de retrouver Virginie Ledoyen qui ne fréquente plus trop nos écrans. On peut également souligner une nouvelle fois l’immense talent de Bouli Lanners dans un nouveau second rôle absolument parfait. Tout ce joli petit monde fait de Notre Dame une jolie réussite. A la hauteur, de la grande dame dont il porte le nom.
Monstres sacrés, voici une expression un peu étrange. Mais elle convient relativement bien pour parler de la place qu’occupent Catherine Deneuve et Juliette Binoche dans le cinéma français. Les voir réunies à l’écran à de quoi réjouir tous les cinéphiles. Malheureusement, les meilleures actrices du monde ne peuvent pas donner à elles seules de l’intérêt à un film. La preuve avec la Vérité qui livre une réflexion bancale et sans grand intérêt sur la famille et en particulier les relations mère-fille. Mais faute de crédibilité, on s’ennuie ferme.
Catherine Deneuve et Juliette Binoche livre une prestation à la hauteur de leur talent, mais sans vraiment non plus sublimer leurs personnages respectifs. La tâche s’avérait ardue de toute façon, mais on les sent mollement motivées pour réellement essayer. Au final, c’est la jeune Manon Clavel et la très jeune Clémentine Grenier qui nous ravissent vraiment et apportent une vraie touche de sincérité dans la Vérité. La réalisation de Kore-Eda Hirokazu n’est pas dénuée d’élégance et aurait pu vraiment séduire, si elle avait été au service d’un propos réellement intéressant. En tout cas, ce qui est sûr, c’est que ce dernier est loin d’être à la hauteur de son casting.
Il avait été annoncé bien à l’avance comme un chef d’œuvre, de manière un peu suspecte. La bande annonce avait fait naître beaucoup d’espoirs. Du coup, on pouvait facilement craindre que tout cela n’aboutisse à une amère déception. Il n’en a rien été. Joker est bien le meilleur film de cette année 2019, qui nous a réservé quelques autre beaux moments de cinéma par ailleurs. Une année marquée par la prédominance du cinéma américain, même si le cinéma hexagonal parvient tout de même à placer deux représentants dans un classement relativement resserré.
Pour finir, voici un tour d’horizon des films qui ont marqué cette année 2019.
6–Once Upon a Time… in Hollywood
Le polar noir chinois a fait sa place dans le paysage cinématographique français. Diao Yinan s’était déjà fait remarquer sur nos écrans avec Black Coal. Le revoici distribué chez nous avec le Lac aux Oies Sauvages. Une nouvelle plongée dans une Chine loin du miracle économique, où se côtoient misère et violence. Si le film n’échappe pas à tous les stéréotypes du genre, il nous livre un scénario assez original et inattendu pour réellement nous tenir en haleine tout du long.
La réalisation de Diao Yinan est typiquement chinoise, sans excès. Bref, le Lac aux Oies Sauvages est assez lent et un rien contemplatif, mais sans jamais faire perdre à l’histoire sa densité et plonger le spectateur dans l’ennui. La photographie est de toute beauté. Elle contribue à créer une ambiance fascinante qui sublime l’histoire. Enfin, le film est l’occasion de découvrir ou redécouvrir le talent de Gwei Lun Mei qui irradie réellement à l’écran, avec un jeu plein de sensibilité. Elle contribue à la belle réussite de ce film. Incontournable pour les amateurs du genre.
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