Beaucoup de films américains se caractérisent par de bonnes intentions un rien lourdingues, mais que l’on pardonne aisément car le reste est généralement assez bien foutu pour nous faire passer un excellent moment. Mais parfois le premier aspect l’emporte un peu trop sur l’autre pour que se montrer totalement magnanime. Late Night n’est pas foncièrement un mauvais film. Il comporte même pas mal de bonnes idées et des personnages plutôt réussis. Malheureusement, certaines ficelles sont bien trop grosses pour être honnêtes. Quand bien même les intentions étaient les meilleures du monde.
Late Night est un film féministe et souligne la richesse que procure la diversité culturelle. Dit comme cela, on ne peut évidemment qu’adhérer. Mais quand cela est mis en avant sans aucune subtilité, rendant une bonne partie de l’histoire cousue de fil blanc, on déchante quelque peu. Tout cela pour nous amener à un épilogue de quelques secondes tellement risible qu’il enlève la dernière couche de crédibilité que le propos pouvait encore garder. C’est dommage, parce qu’avant cela, on a parfois bien ri, on a fini par aimer tous ces personnages. Bref, on a été diverti comme le film nous le promettait. Mais l’indulgence du spectateur a ses limites.
Late Night met côte à côte un monstre sacré du cinéma avec une quasi-débutante (enfin de 40 ans quand même). Et force est de constater que les deux rivalisent en termes de talent et d’aura. Ce n’est certainement pas par l’interprétation que ce film pêche. Emma Thompson et Mindy Kaling apportent chacun leur pierre à l’édifice, si différentes, mais si complémentaires. Dommage que le film ne sache pas mieux exploiter la vraie synergie qui naît entre elles et qui aurait pu donner quelque chose d’une toute autre ampleur avec un scénario plus intéressant et mieux écrit. Reste au final un film oubliable et qui sera certainement vite oublié.
LA NOTE : 10/20
Fiche technique :
Production : 3 Arts Entertainment, 30West, FilmNation Entertainment, Imperative, Kaling International, Stage 6 Films
Distribution : ARP Sélection
Réalisation : Nisha Ganatra
Scénario : Mindy Kaling
Montage : Eleanor Infante, David Rogers
Photo : Matthew Clark
Décors : Elizabeth J. Jones
Musique : Lesley Barber
Emma Thompson : Katherine Newbury
Mindy Kaling : Molly Patel
John Lithgow : Walter Lovell
Hugh Dancy : Charlie Fain
Reid Scottt : Tom Campbell
Amy Ryan : Caroline Morton
Grand Corps Malade fait partie de ses gens horripilants qui font preuve d’un talent fou dans tout ce qu’ils touchent. A l’image de Orelsan avec Comme c’est Loin, il avait parfaitement réussi son passage sur grand écran avec Patients. Dans les deux cas, ces artistes nous avaient livré des œuvres très personnelles racontant en grande partie leur propre histoire. Avec la Vie Scolaire, il nous offre une œuvre plus distanciée, nous plongeant dans le quotidien d’un collège des nos jours et non à l’époque de sa propre adolescence. Il s’agit d’un exercice très différent et a priori plus difficile (même si parler de soi ne l’est pas toujours). Mais force est de constater qu’il continue de s’en sortir avec beaucoup de brio.
La distribution de la Vie Scolaire offre à Zita Hanrot le grand rôle auquel son talent la destinait. Elle irradie à chaque fois qu’elle apparaît à l’écran et donne à son personnage profondeur et crédibilité, alors que cela n’avait rien de forcément évident. La vraie star du film reste néanmoins le casting adolescent qui nous offre une formidable galerie de personnages. Le jeune Liam Pierron livre une prestation remarquable qui sera, n’en doutons pas, remarqué (futur Oscar du Meilleur Espoir Masculin ?). Une réalisation subtile et maîtrisée finit de donner à ce film assez de qualités pour valoir un petit détour, mais peut-être pas le voyage. Mais à la fois, la Seine-Saint-Denis, ce n’est pas très loin !
Jusqu’à présent, aucun des films d’Arnaud Depleschin ne m’avait pleinement convaincu. Je continue à aller voir néanmoins sans aucune hésitation chacune de ses œuvres, car je reconnais à chacune d’elles un réel intérêt, mais gâché par un caractère inabouti et une forme qui pousse souvent le spectateur vers l’ennui. Je suis donc très heureux de dire que je suis enfin pleinement enthousiaste devant un long métrage de ce réalisateur majeur du cinéma hexagonal. En effet, Roubaix, une Lumière est un film remarquable à bien des points de vue.
Roubaix, une Lumière bénéficie de la présence à l’écran de Roschdy Zem. Etre dythirambique sur sa prestation semble inutile, tant il est couvert d’éloges à chacun de ses films. Ici, il prend ce pendant une dimension supplémentaire, celle d’un immense acteur qui rencontre un des quelques rôles qu’il parvient à habiter de tout son être. Grandiose, magnifique, incroyable, il n’y a guère de mots pour définir à quel point il irradie de talent. Léa Seydoux et Sara Forestier ont d’autant plus de mérite à occuper elles aussi une grande place à l’écran, dans des rôles qui les poussent, avec beaucoup de bonheur, en dehors de leur registre habituel. Tout cela concourt à la réussite de ce film qui marque un sommet dans la carrière d’Arnaud Depleschin.
Des quelques réalisateurs dont le seul nom suffit à faire de la sortie de leur film un événement, Quentin Tarantino occupe une place à part. Peut-être parce que certains considèrent qu’il est le plus grand d’entre eux, mais surtout parce qu’il se fait assez rare sur les écrans pour renforcer le caractère événementiel de chacun de ses longs métrages. Son style si caractéristique continue de diviser, créant ainsi des débats sans fin et acharnés dès qu’il nous propose une nouvelle œuvre. Tout était donc réuni pour que Once Upon a Time… in Hollywood constitue l’événement cinématographique majeur de cet été, voire de l’année (enfin face à Avengers et Star Wars, c’est compliqué…). Effectivement, sa sortie alimente les discussions de tous les amateurs du 7ème art. Mais ce 9ème film de Tarantino (en comptant Kill Bill pour un seul) ne parviendra certainement pas à trancher définitivement la question.
Once Upon a Time… in Hollywood s’avère une bouffée de plaisir cinématographique absolu, également grâce à son duo d’acteurs. Evidemment, rassembler Leonardo Di Caprio et Brad Pitt à l’écran ne constitue pas une grande prise de risque. Leur seule présence à l’écran suffit à faire saliver les amateurs du 7ème art. Quentin Tarantino confirme son extraordinaire talent dans la direction des comédiens. Une scène en particulier constitue un moment de pure extase. Un moment qui ne paraît rien, mais qui en termes de performance dramatique pure représente un exercice particulièrement périlleux. Qui a déjà mieux que Leonardo Di Caprio dans ce film incarné un acteur médiocre ? Pas un mauvais acteur, ça c’est facile ! Mais un acteur banalement moyen, avec le parfait dosage pour que la piètre qualité du jeu saute aux yeux, sans qu’on ne sache vraiment pourquoi, sans en faire trop. Un vrai grand moment de cinéma !
L’avantage du cinéma coréen est qu’il nous déçoit rarement. On peut facilement imaginer qu’il génère lui aussi régulièrement des navets, mais le filtre des distributeurs hexagonaux fait que, dans notre pays, ce sont les meilleurs films du pays du matin calme qui arrivent sur nos écrans. Une nouvelle preuve avec le Gangster, le Flic et l’Assassin, qui confirme à quel point ce pays excelle dans l’art du polar, même si celui-ci échappe à quelques attributs qui font d’habitude la particularité des polars coréens. Ce film ne comptera pas parmi les plus grands chefs d’oeuvre en provenance de Séoul, mais compte parmi les meilleurs films de cet été cinématographique.
La Corée compte un nombre d’acteurs incroyables toujours aussi impressionnant. Le plus cinéphiles reconnaîtront Ma Dong-seok, que l’on avait découvert dans le Bon, la Brute et le Cinglé et dans Dernier Train pour Busan. Mais ses deux compères sont des nouveaux venus et ils font eux aussi preuve d’un incroyable talent. Le Gangster, le Flic et l’Assassin montre à quel point un film coréen ordinaire ne l’est jamais tout à fait. La réalisation de Lee Won-Ta est quant à elle typique des polars coréens, avec la scène de nuit sous la pluie qui va bien, même s’il ne possède pas tout à fait la maestria de certains de ses compatriotes. On s’en contentera cet été et s’en plaindre serait vraiment faire la fine bouche.
Au cinéma, la folie douce est souvent vue comme une qualité, nous offrant des personnages auquel on s’attache très vite et très fortement. Dans la vraie vie, ces personnes sont plutôt considérées comme des handicapés sociaux, mais on aimerait moins le cinéma s’il n’enjolivait pas quelque peu la réalité. Le 7ème art est rempli d’histoires d’amour improbables entre des êtres pas tout à fait comme les autres, nous offrant une bonne dose de poésie et d’humour. Perdrix se situe dans cette droite lignée. Elle y prend place avec brio et beaucoup de qualité, pour un joli vent de fraîcheur alors que la température est au plus haut ces derniers jours.
Ce succès doit beaucoup à Maud Wyler et Swann Arlaud. La première tient avec Perdrix le rôle le plus marquant de sa jeune carrière. Elle s’en acquitte avec beaucoup de talent, dégageant un charme étrange, quand son personnage aurait pu facilement devenir particulièrement antipathique. Le second prend une place de plus en plus importante dans le paysage du cinéma hexagonal. Une place amplement mérité. Ils sont joliment secondés par le reste du casting, en particulier Fanny Ardant que c’est toujours un plaisir de voir à l’écran. Tout ce petit monde est parfaitement mis en valeur par la réalisation élégante d’Erwan Le Duc, dernier petit détail qui explique la qualité de ce film.
Qui n’a jamais rêvé d’être un autre pour échapper la médiocrité de notre propre existence ? Allez, allez, vous pouvez l’avouer, cela arrive à tout le monde. Cela sert aussi de point de départ à de nombreuses histoires dans des genres et des contextes variés. Les Faussaires de Manhattan nous raconte exactement ce genre d’histoire. Celle d’une auteur quelque peu ratée qui connaît enfin la reconnaissance en imitant le style des autres et en créant de fausses lettres, soit autant de fausses pièces de collection que certains sont prêts à acquérir à prix d’or. Une histoire vraie qui donne un film tragi-comique relativement plaisant.
Melissa McCarthy et Richard E. Grant forment un duo de comédiens en parfaite osmose. Ils portent les Faussaires de Manhattan et lui donne un supplément de charme non négligeable. Ils se livrent à un petit numéro dans des rôles de composition, mais en gardant un naturel déconcertant. Ils apportent un peu d’éclat à la réalisation très sobre, pour ne pas dire un rien tristounette, de Marielle Heller. On la remerciera cependant d’avoir porté à l’écran cette histoire édifiante. Cela tient à première vue du fait divers sans envergure, mais en dit finalement long sur la notion de célébrité et sur le culte que l’on peut vouer aux artistes que l’on admire.
Cet été cinématographique a été marqué par un grand nombre de films d’animation japonais aussi nombreux que variés. Après la poésie ésotérique (et un rien ennuyeuse) des Enfants de la Mer, voici l’action pure et dure, avec les gros robots qui vont bien, de Promare. Un anime qui pourrait paraître hyper basique de premier abord, mais qui se révèle riche et plein de bonnes surprises au final. Cela confirme surtout l’incroyable richesse du cinéma d’animation nippon qui mérite bien cette place de choix dans nos salles obscures.
Colorée est aussi le graphisme de Promare. Un graphisme assez particulier, avec son animation saccadée et ses couleurs criardes. C’est moche diront certains. D’autres, verront sous cette fausse paresse un style très personnel et en réalité réellement abouti. Cela confirme une tendance généralisée des réalisateurs des films d’animation de sortir des images aseptisées crées par ordinateur et de retrouver des lignes se différenciant les unes des autres. Au final, ce film s’avère surprenant à bien des points de vue en plus d’être particulièrement distrayant. Aucune raison de bouder son plaisir alors et d’en profiter avant la grisaille de la rentrée !
Il est rare que l’on accomplisse un acte à portée sociale en allant au cinéma. Pourtant, aller voir Anna peut aider un homme à ne pas sombrer dans de graves difficultés financières et l’indigence. Ce n’est cependant pas par solidarité avec le porte-monnaie de Luc Besson que je suis allé voir Anna, mais simplement parce que j’admire encore le cinéaste, même si ses talents artistiques semblent fondre presque aussi vite que les bénéfices de sa société de production. Croyant une renaissance toujours possible, c’est armé d’une part de foi que je suis allé voir ce film. Mais force est de constater que le réalisateur n’a toujours pas retrouvé de réelle inspiration.
S’il y a une constante chez Luc Besson, c’est son amour immodéré pour les actrices filiforme, pour ne pas dire squelettique. Mais Sasha Luss est loin de posséder le charisme d’une Anne Parillaud ou d’une Mila Jovovich. Le casting dans sa globalité est à l’image du film. Il fait preuve d’un minimum de professionnalisme, mais reste d’une confondante médiocrité. Il n’y donc définitivement rien qui parvienne à donner à Anna une raison valable de se ruer dans une salle de cinéma pour sauver le soldat Besson. On s’attrister ou se réjouir de cette chute. Mais dans la majorité des cas, c’est simplement l’oubli qui attend ce film et, on peut le craindre, la carrière future de son réalisateur.
La notion de director’s cut peut être vu comme une réelle justice rendue à une œuvre et à la vision de l’artiste qui se trouve derrière ou bien comme un prétexte pour rentabiliser encore et encore un film à succès. Certaines productions, comme Blade Runner en compte tellement qu’on ne sait plus à quelle version se vouer. On peut s’épargner ce débat philosophique sans fin en considérant simplement que cela permet de revoir sur grand écran certaines œuvres cinématographiques majeures. C’est le cas avec la sortie d’une nouvelle version de Donnie Darko, film culte s’il en est. Je n’ai pas bien saisi quelle différence il existait avec la version que j’avais vue au cinéma à sa sortie, mais quel plaisir de pouvoir revoir un tel film dans les meilleures conditions.
Donnie Darko, sorti initialement en 2002 a révélé sur grand écran tout le talent des Gyllenhaal, frère et sœur. C’est surtout la performance de Jake qui aura marqué les esprits, dans ce qui reste à ce jour son plus grand rôle. Un numéro d’acteur hallucinant (au sens premier du terme) parfaitement maîtrisé malgré son très jeune âge à l’époque. Il porte le film sur ses épaules d’une manière étonnante. On retiendra aussi la très belle apparition de la trop rare Drew Barrymore. Tout le casting évolue dans le magnifique écrin que constitue la sublime réalisation de Richard Kelly (oui, je me répète, mais c’est fait exprès !). Rares sont les films qui prennent un peu plus de valeur à chaque fois qu’on les voit. C’est la marque des grandes œuvres dont ce film fait incontestablement partie.
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