Apporter une conclusion à une œuvre qui se compose de 22 films différents constitue un exercice assez inédit dans l’histoire du cinéma, même si l’essor des séries nous a habitués aux récits au long cours. Les films Marvel ont créé un univers cinématographique d’une grande richesse, formant ce que l’on pourrait facilement comparer à une nouvelle mythologie. Avengers Endgame était attendu comme rarement un film l’a été, surtout après la fin à couper le souffle d’Infinity War. Il ne fallait donc pas se rater. En misant sur les fondamentaux qui ont fait le succès de cette saga et sur un brin de nostalgie, le pari est incontestablement réussi, malgré quelques imperfections.
Evacuons tout de suite le principal défaut d’Avengers Endgame : sa longueur. 3h c’est sans doute une petite demi-heure de trop. Ce qui rend se défaut tout à fait pardonnable, c’est que cet excès de longueur vient d’une surexploitation des meilleures idées proposées par le scénario. On en vient alors immédiatement à ce qui fait la force de ce film. Le récit qui est proposé n’est pas celui auquel on s’attendait. La curiosité du spectateur se trouve tout de suite en éveil et il se demande vraiment où les scénaristes ont décidé de l’emmener. Le voyage qu’ils nous proposent se révélera des plus plaisants grâce à un équilibre remarquable.
En effet, Avengers Endgame propose un délicieux cocktail d’action, d’humour et de regard tendre sur les protagonistes. Tout cela s’achèvera par une bataille d’une puissance épique à la hauteur de l’immensité de l’œuvre. On en prend alors plein les mirettes et on en alors définitivement pour son argent. Mais ce film ne se résume définitivement pas à ça et ajoute par ailleurs une ultime touche de profondeur à certains des personnages qui… Ah non je m’arrête ici avant de spoiler, ce qui constituerait un crime terrible. Et je ne suis pas Thanos ! Même si l’histoire est loin d’être terminée et saura à coup sûr rebondir, on ressort de ce film avec cette sensation de tristesse à la fin de quelque chose qui nous aura accompagnés longtemps. Au revoir et à bientôt donc !
LA NOTE : 13/20
Fiche technique :
Production : Marvel Studios
Distribution : Walt Disney Studios Distribution
Réalisation : Anthony Russo, Joe Russo
Scénario : Christopher Markus, Stephen McFeely
Montage : Jeffrey Ford, Matthew Schmidt
Photo : Trent Opaloch
Décors : Charles Wood
Directeur artistique : Ray Chan
Durée : 181 min
Casting :
Jeremy Renner : Clint Barton / Ronin
Brie Larson : Captain Marvel
Mark Ruffalo : Bruce Banner / Hulk
Chris Hemsworth : Thor
Chris Evans : Captain America
Robert Downey Jr. : Iron Man
Scarlett Johansson : Black Widow
Don Cheadle : James « Rhodey » Rhodes / War Machine
Paul Rudd : Scott Lang / Ant-Man
Karen Gillan : Nébula
La vie est quand même mal faite. On passe une bonne partie de sa vie à vouloir paraître plus jeune que ce que l’on est réellement. Mais on oublie souvent qu’on a passé une première partie de sa vie en souhaitant être plus vieux. Vouloir grandir plus vite est un sentiment commun chez les enfants, surtout chez ceux qui ne trouvent pas facilement leur place dans ce monde. 90’s est un film sur ce sentiment. Un film sur le skate-board également, mais cela devient totalement secondaire. Premier passage de l’autre côté de la caméra réussi pour Jonah Hill en tout cas.
90’s parvient parfaitement à mêler la douleur et l’espoir, c’est ce qui fait tout son intérêt. Tout ceci est remarquablement mis en images, avec une réelle élégance. Jonah Hill soigne donc la forme et le fond, démontrant de vraies dispositions de cinéaste. Il dirige avec beaucoup de bonheur le jeune Sunny Suljic, qui fait preuve d’une maturité étonnante pour son âge. Mais c’est tout le casting adolescent qui est salué, alors qu’ils sont tous des acteurs débutants. Au final, on assiste à un film poétique et touchant, manquant peut-être un rien de profondeur, mais qui vaut bien un petit passage en salle.
La prise de conscience récente du poids du sexisme dans la société irrigue forcément le cinéma et ce dans beaucoup de pays, comme le prouve ce nouveau film israélien sorti sur nos écrans, Working Woman. Il prouve d’ailleurs par la même occasion l’incroyable vitalité du 7ème art de ce pays que j’ai évoqué à plusieurs reprises ces derniers temps. La gravité et l’importance d’un sujet ne peuvent assurer à eux-seuls la réussite d’un film. Faut-il encore savoir le traiter sur le fond et sur la forme. Michal Aviad parvient à rendre son film remarquable sur les deux plans.
Working Woman doit beaucoup à la formidable prestation de Liron Ben-Shlush. Elle porte véritablement le film sur ses épaules. En parvenant à communiquer ses émotions avec autant d’acuité, elle donne vraiment toute son épaisseur au film et au propos. Il ne faudrait pas non plus oublier la figure inquiétante incarnée par Menashe Noy. Finalement, la seule réelle limite de ce film repose sur le personnage du mari. Non que l’acteur qui lui donne vie, Oshri Cohen, n’ait quoi que ce soit à se reprocher, mais il reste exploité d’une manière un peu trop superficielle pour vraiment apporter une dimension supplémentaire à cette histoire. Cependant, le reste se suffit largement à lui-même.
Un des éléments les plus fascinants dans le cinéma japonais, et en particulier celui d’animation, est l’absence parfois totale d’éléments explicites en rapport avec les rapports amoureux ou la sexualité. Pas le même le début d’un baiser, même dans un récit débordant d’une certaine sensualité. La même histoire racontée par un Occidental comporterait une dimension « romantique », voire carréement « érotique ». Un exemple frappant est donné par Liz et l’Oiseau Bleu, une histoire d’amitié entre deux lycéennes, d’une innocence totale au premier degré,… mais d’une grande ambiguïté si on creuse un peu. Et c’est bien de cette dernière qu’il tire tout son intérêt.
Le graphisme de Liz et l’Oiseau Bleu confirme la volonté de renouer avec un trait « à la main », loin du tout numérique qui semblait être devenu la norme. C’est doux et apporte une dimension poétique supplémentaire. Cela manque peut-être parfois quelque peu de personnalité, mais cela n’agresse jamais les yeux en tout cas. On peut facilement penser que la distribution de ce film en France tient beaucoup au succès de Silent Voice. Il constitue certainement une œuvre mineure comparée à ce dernier, mais assez agréable pour se laisser porter par cette histoire touchante sur les renoncements qu’il faut parfois consentir pour grandir et avancer.
La politique est un monde impitoyable, qui ferait passer Dallas pour le royaume des Bisounours. Au cinéma, bizarrement (ou pas), il donne naissance le plus souvent à des thrillers haletants, bien plus souvent à qu’à des récits de combats nobles pour la défense du bien commun (même si ces derniers existent aussi heureusement). El Reino ne va certainement pas redorer l’image de la politique. Par contre, il démontre une nouvelle fois la capacité du cinéma espagnol de nous livrer des œuvres noires et intenses.
La principale limite d’El Reino réside dans son personnage principal, pourtant remarquablement interprété par Antonio de la Torre. En effet, on a bien du mal à ressentir un attachement profond pour cet homme à la personnalité pour le moins ambigüe. Du coup, si on est marqué par la force des péripéties, on a du mal à ressentir la petite pointe d’émotion qui aurait pu donner à ce film un supplément d’âme et par la même une dimension supplémentaire. Mais la réalisation brillante de Rodrigo Sorogoyen compense largement ce léger manque pour nous livrer une œuvre forte et vraiment pas rassurante quant aux mœurs dans les hautes sphères du pouvoir.
Au village aussi l’on a de beaux assassinats, dit la chanson. Il est vrai que les zones rurales recèlent bien des histoires sombres et sanglantes. Y compris les zones rurales de Colombie, dans des terres où les logiques claniques liées à l’appartenance à des tribus indiennes dominent. Elles n’ont rien à envier à la Sicile et peuvent nous offrir des histoires qui n’ont pas à rougir devant le Parrain et autre Gomorra. La preuve avec les Oiseaux de Passage, dont le titre ne donne pas vraiment une idée immédiate du contenu de ce film, qui nous raconte comment le développement de la production de cannabis et le trafic qui s’en suit a apporté le trouble et la violence dans ces régions dans les années 70.
Les Oiseaux de Passage bénéficie également d’une réalisation élégante. Ciro Guerra et Cristina Gallego donnent à leur film une réelle identité visuelle qui contribue largement à la qualité du film. C’est aussi par ses qualités esthétiques que l’on rentre profondément dans cette histoire fascinante. Tout cela met parfaitement en lumière un casting de très haut niveau. On peut particulièrement en avant Carmina Martinez, impressionnante en matrone chef de clan. Au final, on assiste à un spectacle étonnant, à ne pas mettre devant les yeux les plus sensibles et qui apportent une vraie nouveauté à un genre que l’on pouvait imaginer éculé.
Il faut parfois se battre pour obtenir certaines choses. Certains combats valent vraiment le coup d’être menés. Mais parfois, une fois la victoire obtenue, on se dit qu’on aurait mieux fait de rester au fond de son lit ou de son canapé, ou tout simplement d’aller voir autre chose à la place. J’aurais mis du temps, faute d’horaires me convenant, et je me suis finalement rendu dans un cinéma quelque peu improbable pour aller voir Synonymes, me disant qu’il a quand même reçu l’Ours d’Or à Berlin. Certes, je savais que je prenais un risque puisque les critiques spectateurs se montraient aussi mauvaises que les critiques presse élogieuses. En bon démocrate, j’aurais dû écouter la voix du peuple et m’abstenir !
J’aurais vraiment aimé pouvoir sauver quelque chose dans ce film. Même dans le pire navet, j’ai quand même tendance à saluer la performance des comédiens, qui sont rarement les premiers responsables dans de tel naufrage. Mais il n’y a pas grand-chose à sauver non plus à ce niveau-là. A la fois comment donner vie de manière crédible à des dialogues aussi crétins et prétentieux ? Pour ne pas noircir outre mesure, je qualifierai la réalisation d’honnête mais sans que ça ne puisse le moins du monde justifier l’achat d’un billet. Il n’existe donc aucune raison d’aller voir Synonymes. Cela tombe bien, l’immense majorité des spectateurs n’y sont pas allés.
Parfois, comme ça, pour déconner, je vais voir un film allemand dont le sujet central est le viol. Oui, je sais mettre de la joie et de la déconne dans mes soirées ! Evidemment, présenté comme cela, je ne vais pas vraiment donner envie d’aller voir Comme Si de Rien n’Etait. Ce serait un tort, vue la qualité du film, même s’il ne fait pas vraiment rêver dans un premier temps. Il faut dire que ce film est en fait l’œuvre de troisième cycle d’Eva Trobisch. Mais certaines étudiantes sont assez douées pour faire oublier qu’elles ne sont qu’étudiantes pour démontrer qu’elles sont simplement déjà des réalisatrices de talent.
Pour un film d’étudiant, Comme Si de Rien n’Etait ne bénéficie pas non plus de moyens très importants. Mais à la fois, le sujet n’en demandait pas plus que ceux dont disposait Eva Trobisch. Elle a cependant assez de sens artistique pour nous livrer un long métrage, et rien qui ressemble à un exercice d’étudiant ou à un téléfilm. Elle dirige parfaitement toute la distribution. Aenne Schwarz se démarque particulièrement en portant une grande partie du film sur ses épaules dans un rôle qui demande beaucoup de retenue et de subtilité. Si le film se caractérise par les mêmes qualités, c’est en grande partie grâce à elle. Elle nous livre donc ce témoignage poignant d’une horreur ordinaire auquel nous devons tous prêter l’attention qu’elle mérite.
Le Nom des Gens reste un film culte pour tous ceux qui ont baigné et baigne toujours dans la même culture politique que moi. Neufs ans ont passé et on attendait avec impatience que Michel Leclerc nous offre une nouvelle œuvre du même acabit. Certes, il y a bien eu la Vie Très Privée de Monsieur Sim entre temps, mais qui n’a pas laissé un souvenir particulièrement impérissable. Pour la Lutte des Classes, il a cherché à retrouver l’esprit de son premier grand succès et les ingrédients qui y ont contribué. Mais on fait que parfois les mêmes ingrédients ne donnent pas toujours la même saveur au plat et qu’il existe toujours un danger que ce dernier sente passablement le réchauffé. Heureusement, il n’en est rien ici.
Michel Leclerc reste un des meilleurs directeurs d’acteurs du cinéma hexagonal. Si Leïla Bekhti est parfaite comme à son habitude, il parvient à contrôler Edouard Baer qui joue la comédie du début à la fin, sans jamais cabotiner une seule seconde (ou juste ce qu’il faut). Il donne la pleine mesure de son talent, ce qui n’est pas peu dire. On peut dire la même chose de Ramzy Bedia dont l’aura de sympathie est indéniable. Au final, la Lutte des Classes livre un propos d’une profondeur bien supérieure à ce que laisse penser son statut de comédie. Le film certes rire, mais donne beaucoup à réfléchir aussi. Un mélange détonnant mais salutaire.
Mon Inconnue confirme tout le bien qu’on pouvait déjà penser de Joséphine Japy. Espérons que très vite un réalisateur lui donnera un rôle d’une toute autre dimension pour qu’elle exprime à nouveau tout son potentiel comme dans Respire. La bonne surprise vient de Benjamin Lavernhe qui cabotine un rien, mais pour notre plus grand bonheur. Enfin, si François Civil ne déçoit pas, il ne parvient pas cependant à donner une dimension supérieure à son personnage. Il se repose essentiellement sur son charisme naturel, ce qui est déjà pas mal, admettons-le. Tout ce beau monde met en tout cas assez d’énergie pour faire fonctionner le film et nous la transmettre. On les en remercie.
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