La mort représente la seule certitude dans la vie. Pourtant, c’est un sujet que l’on n’aime pas particulièrement aborder. Nos sociétés modernes essayent par tous les moyens de nous en protéger en la reléguant là où on ne peut pas la voir, comme si cela nous en protégeait le moins du monde. C’est évidemment une illusion qui rend sans doute encore plus difficile et douloureux la confrontation. Il reste cependant quelques films pour aborder de front ce sujet et on peut y voir une démarche particulièrement salutaire. L’Ordre des Médecins fait partie de ceux-là et nous livre un propos brillant.
Si la mort se situe au centre de l’Ordre des Médecins, le film aborde à travers elle un grand nombre de thématiques assez variées. La famille, les certitudes, la vie hospitalière… Tout cela donne un scénario riche. Si on ajoute à cela une vraie justesse dans le propos, on comprend mieux pourquoi on s’intéresse à cette histoire du début à la fin. Le propos ne sombre jamais dans la banalité. Chaque idée fait réfléchir le spectateur et pousse la réflexion toujours un peu plus loin. De la profondeur et de la densité, voilà deux qualités que l’on est heureux de retrouver dans un film de ce type. Il n’oublie pas non plus de donner beaucoup d’humanité à ses personnages pour que de la réflexion surgisse aussi une réelle émotion.
Le film bénéficie également d’un beau casting. Miser sur une valeur comme Jérémie Renier ne constitue pas vraiment une prise de risque. Surtout avec un rôle qui semble à ce point tailler pour lui. Cependant, quand le talent est là, on ne peut que s’incliner. L’Ordre des Médecins permet aussi une nouvelle fois d’apprécier tout le talent de Zita Hanrot, une valeur montante qui est loin d’avoir achevé son ascension. La réalisation de David Roux est particulièrement sobre, mais sait parfaitement mettre en valeur les comédiens. Cela donne un film intéressant, intense, émouvant et très solide intellectuellement. Beaucoup de bonnes raisons pour aller le voir.
LA NOTE : 13/20
Fiche technique :
Réalisation : David Roux
Scénario : David Roux et Julie Peyr
Photographie : Augustin Barbaroux
Montage : Benjamin Favreul
Musique : Jonathan Fitoussi et Pascal Mayer
Décors : Chloé Cambournac
Costumes : Sophie Bégon
Producteur : Candice Zaccagnino et Olivier Aknin
Durée : 93 minutes
Casting :
Jérémie Renier : Simon
Marthe Keller : Mathilde
Zita Hanrot : Agathe
Maud Wyler : Julia
Alain Libolt : Sylvain
Frédéric Épaud : Fred
Jeanne Rosa : Gladys
Jisca Kalvanda : Caroline
Catherine Ferran : Professeur Renée Chagnon
Certains vieillissent, prennent de l’âge ou encore subissent le poids des ans. Et puis, il y a Clint Eastwood ! Certes, objectivement, il vieillit, prend de l’âge et subit quelque peu le poids des ans. Mais il le fait merveilleusement bien. Avec la Mule, il prouve qu’il a encore, à bientôt 89 ans, toute sa place derrière et même devant la caméra. En alors qu’il avait annoncé sa retraite en tant qu’acteur, il revêt une nouvelle fois cette double casquette pour nous offrir un film qui forcément lui doit beaucoup. On ne peut que saluer ce choix puisque ce rôle semblait effectivement définitivement fait pour lui. Mais c’est bien le film dans son ensemble qui est à saluer, prouvant encore une fois que Clint Eastwood est un grand cinéaste. Même si on n’avait pas besoin de cela pour en être persuadé.
Il paraît que Clint Eastwood avait d’abord pensé à d’autres acteurs pour interpréter le rôle principal de la Mule, avant que d’autres ne parviennent à le convaincre de se le confier à lui-même. On ne peut que les remercier d’y être parvenu, même si je ne doute pas une seule seconde que l’envie de se retrouver de ce côté de la caméra devait quand même le démanger. Les grands artistes sont voués à mourir sur scène. Clint Eastwood mourra sur un plateau de tournage. Mais espérons que cela arrive le plus tard possible. Car ce film brillant sur la forme et le fond nous montre qu’il a encore beaucoup de choses à apporter au cinéma. L’année cinématographique 2019 est désormais définitivement lancée et espérons que le reste suive la même route. A bientôt Clint !
Quand un scénariste tient une bonne idée, il essaye d’en tirer une histoire. Cela nécessite souvent d’étoffer l’idée initiale avec beaucoup d’à-côté pour nous faire entre autres découvrir les personnages, leur univers et leurs relations. Cependant, tout cela ne doit pas non plus faire perdre de vue le cœur du film qui doit prendre une place conséquente. C’est ce que semble avoir totalement oublié Ulrich Köhler, le réalisateur de In My Room. Il tenait pourtant dans sa main de quoi nous proposer un film étonnant et original. Il nous offre finalement avant tout un grand moment d’ennui.
De plus, In My Room n’a rien d’artistiquement très transcendant. La réalisation est sobre, mais guère imaginative. Les acteurs n’ont rien à se reprocher, mais sans pour autant bouleverser profondément les spectateur. Bref, on a beau creuser, on ne trouve toujours pas de raison solide pour dire beaucoup de bien de ce film. Espérons simplement qu’un jour, un scénariste sans scrupule osera piquer la bonne idée que recèle ce long métrage pour en faire tout autre chose. Avis aux scénaristes en manque d’inspiration, alors ! Promis, je ne les dénoncerai pas !
Quand on veut prendre des risques, faire face à l’incertain, se trouver devant une situation de tout ou rien, jouer le tout pour le tout, on a deux possibilités. Soit jouer la roulette russe, ce qui peut quand même aller loin en termes de décès. Ou bien aller voir un film de M. Nigth Shyamalan. En effet, rarement un réalisateur aura alterné à ce point le pire et le meilleur, nous offrant quelques vrais navets et quelques petits chefs d’œuvre. Glass vient conclure une trilogie commencée il y a fort longtemps avec Incassable, qui faisait clairement plutôt partie de la première catégorie, et poursuivie ensuite par Split, qui lui se classait incontestablement dans la seconde. Où allait-il donc se situer ? La réponse est clairement entre les deux.
Il reste cependant le plaisir réel de voir évoluer trois grands acteurs. Bruce Willis, Samuel L. Jackson et James McAvoy reprennent leur rôle avec beaucoup d’implication. Il semble exister un parfait équilibre entre les trois, ce qui équilibre du même coup toute l’histoire qui repose entièrement sur le triangle qu’ils forment. C’est ce que l’on retiendra avant tout de Glass devant lequel on ne s’ennuie pas, mais devant lequel on ne s’enthousiasme pas non plus. M. Night Shyamalan nous livre donc un film pas tout à fait abouti. Peut-être aurait-il du attendre un peu plus longtemps avant de conclure cette trilogie qui aurait peut-être gagné à ne pas en devenir une.
On commence cet avis musical avec une artiste que j’aime beaucoup… d’habitude. Laura Marling est une artiste anglaise dont j’avais apprécié les trois précédents albums. Mais Semper Femina, sorti en 2017, m’a profondément déçu. Le ton y est assez sinistre et le résultat totalement transparent. Les interprétations sont très en-dedans. Le tout n’est pas spécialement beau, la voix est sous-utilisée. Bref, ça ne décolle pas. Les derniers titres viennent enfin nuancer quelque peu ce tableau assez noir avec deux titres qui marquent enfin : Nouel et Nothing, not nearly qui concluent l’album.
On poursuit avec une belle et vraie découverte. Le groupe américain Hurray for the Riff Raff et son album The Navigator. Leur musique entre indie rock et folk est portée par la très belle voix d’Alynda Segarra. Cette dernière joue ses textes autant qu’elle les chante. Les instrumentations paraissent un rien brouillonnes, mais on sent que tout cela est en fait parfaitement maîtrisé. Le tout allie conviction et énergie pour un résultat solide et surtout agréable. Ce groupe possède une vraie personnalité. On retiendra notamment le titre Rican Beach.
On termine avec la réédition de The Last Waltz, qui est en fait l’enregistrement du concert d’adieu du groupe The Band en 1976. Malheureusement, la qualité sonore de l’époque n’était pas terrible et il est difficile de s’enthousiasmer quand on ne connaissait pas précédemment le groupe. Leur musique navigue entre rock, country et folk. Le résultat est très classique, solide, mais manque un peu d’épaisseur. Le groupe compte pourtant sur de nombreux invités prestigieux. D’ailleurs la venue de Muddy Waters pour interpréter Mannish Boy est le seul moment où j’aurais tendu l’oreille.
Suite à l’élection de François Hollande, le PS du continue à vivre sa vie de parti politique. Ses principaux leaders désormais Ministre et Martine Aubry partie bouder à Lille, il fallait bien trouver quelqu’un pour garder la maison. Un peu comme François Hollande lui-même en 1995 suite à la victoire aux législatives et la formation du gouvernement de Lionel Jospin. Un peu (beaucoup… totalement…) par défaut, c’est Harlem Désir qui sera chargé de cette mission. Pour cela, il fallait organiser un congrès. Il aura eu lieu à Toulouse. Il sera resté comme peut-être le moins intéressant de l’histoire du PS. Du moins, sur le front des idées. Car c’est peut-être ici que bien des graines d’auto-destruction furent semées.
Adapter représente un art presque aussi subtil que l’écriture d’une histoire originale. Un art bien trop déconsidéré, ce qui fait que l’on assiste régulièrement à de très mauvaises adaptions. Mauvaises adaptations de romans. Mais surtout mauvaises adaptations de pièce de théâtre. En effet, il est tentant de considérer que les deux arts sont tellement proches qu’il suffit de poser sa caméra devant une scène pour faire un film. Or, il n’en est rien. Les deux arts sont profondément différents et du théâtre filmé ne fera jamais un grand film. Edmond connaît un triomphe ininterrompu depuis trois ans au théâtre. Le voir débarquer sur grand écran ne constitue pas vraiment une surprise. Mais voir l’auteur même de la pièce diriger de l’autre côté de la caméra pouvait faire craindre un film ne sachant pas se détacher de l’œuvre théâtrale. Il n’en est heureusement rien.
Reste dans Edmond la présence permanente du texte de Cyrano de Bergerac. Alexis Michalik nous offre tout de même et avant tout un formidable cri d’amour pour ce qui reste pour moi le plus beau texte jamais écrit par une main humaine. La fusion entre les deux histoires fonctionne avec autant de bonheur au cinéma qu’au théâtre. Le film se nourrit de l’émotion incomparable véhiculée par le texte original et ce dernier lui donne quelque chose d’unique. Sa réussite doit beaucoup à Olivier Gourmet que l’on a du coup vraiment envie de voir revêtir le costume de Cyrano pour de vrai, tant son interprétation de l’ultime scène de la pièce d’Edmond Rostand est magnifique. Un passage qui nous rappelle que si on oubliera sûrement un jour ce film sympathique, on n’oubliera jamais le texte sublime qui lui a donné naissance.
Traditionnellement, le mal est associé à la laideur et à l’inverse le bien à la beauté. Il est évident que ceci ne correspond en rien à la réalité, car on sait bien que les plus beaux yeux peuvent cacher les pires horreurs. L’Ange nous le démontre une nouvelle fois. Ce film argentin nous raconte en effet la plongée dans la violence d’un jeune homme au visage angélique (d’où le titre du film). Une histoire somme toute classique, mais dont les qualités témoignent une nouvelle fois de la vitalité du cinéma argentin. Une histoire qui nous renvoie aussi vers la relation très ambiguë que le spectateur peut nouer avec la violence.
Le visage de Lorenzo Ferro joue un rôle central dans l’Ange. Mais évidemment, la performance de ce jeune acteur ne peut se résumer simplement à ses traits. C’est aussi parce qu’il incarne son personnage avec une vraie subtilité que le film fonctionne si bien. En effet, il rend vraiment crédible le glissement progressif de son personnage, même quand celui-ci finit par atteindre une sorte de démesure. Se dégage de la réalisation de Luis Ortega un vrai sens de l’esthétisme qui contribue aussi à l’ambiguïté profonde de ce film. On pourra simplement regretter que le propos n’ait pas vraiment cherché à enrichir l’idée de départ. Celle-ci est pleinement et brillamment exploitée, mais ne permet pas au film de prendre une dimension supplémentaire.
Parfois, on a l’impression que le scénario d’un film ne repose sur pas grand chose. Par exemple, on peut facilement penser que Border est juste un film sur une fille très moche qui finit par trouver l’amour auprès d’un mec aussi moche qu’elle. Si cette phrase correspond au contenu de l’intrigue, elle ne dévoile qu’une toute petite partie de celle-ci. Et le reste est tellement inattendu que cela donne finalement un film convaincant à partir de cette idée de pas grand chose. Un long métrage qui ravira les amateurs de films carrément décalés, qui n’ont pas besoin d’un gros budget pour surprendre le spectateur.
Si vous voulez savoir vraiment à quoi ressemble Eva Melander et Eero Milonoff, inutile d’aller voir Border. Ils sont absolument méconnaissables. Par contre, ils donnent une idée très précise de leur talent en gardant une justesse et une retenue remarquables. Ils se gardent de tout surjeu et participe ainsi à l’ambiance étrange de ce film où réalité et fantastique ne semble pas avoir de frontière claire. La réalisation de Ali Abbasi joue évidemment son rôle. Il arrive à impulser un peu de poésie dans certaines scènes qui auraient pu facilement faire rire sans cela. Il confirme tout le bien que l’on pensait de lui après l’excellent Laisse-Moi Entrer. Après libres à chacun de croire ou pas dans cette histoire un rien improbable, mais si c’est le cas, on ne peut pas être déçu qu’on nous l’ait racontée.
Ceux qui ont l’habitude de lire mes critiques de manière attentive (il paraît qu’ils existent) ont du remarquer à quel point le misérabilisme est un défaut pour lequel je n’ai guère de mansuétude. Ou, pour le dire beaucoup plus positivement, j’apprécie particulièrement les films qui savent échapper à ce travers. On peut facilement y voir là mon côté socialiste un peu bobo et je pense que l’on n’a pas complément tort en faisant ça. C’est donc en toute logique que j’ai pleinement apprécié Les Invisibles. Un film qui, après Discount, semble spécialiser Louis-Julien Petit dans les films sociaux. Sauf qu’il évite ici les pièges qu’il n’avait pas forcément su esquiver auparavant.
Mettre en scène des actrices non professionnelles pour ce genre de film pouvait s’apparenter à une ficelle classique et un peu facile. Mais franchement, elles sont toutes tellement convaincantes et transmettent tellement de choses au spectateur que l’on peut que saluer ce choix de Louis-Julien Petit. Il y a sûrement là un vrai travail de direction, mais aussi une spontanéité que la technique dramatique fait perdre un peu parfois. Cela apporte donc un vrai plus, pas simplement une sorte de caution morale. C’est vraiment grâce à elle que Les Invisibles nous fait passer un si bon moment, dont on ressort plein d’énergie pour soi et une petite envie de se battre pour changer le monde.
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