Certaines personnes s’avèrent particulièrement horripilantes. Non pas parce qu’elles ont beaucoup de talent, ce que l’on pardonne quand même aisément. Mais parce qu’elles ont beaucoup de talents, ce qui n’est pas tout à fait la même chose. Quentin Dupieux fait partie de ces gens-là. Parce qu’en plus d’être Quentin Dupieux, réalisateur, il est aussi connu pour être Mr Oizo, musicien électro qui a connu son heure de gloire au début des années 2000. Au cinéma, il s’est spécialisé dans les OVNI cinématographiques. Mais des OVNI de très grande qualité. Après Réalité et Au Poste !, il revient avec le Daim, un film qui a fait beaucoup parler de lui (en bien !) au dernier Festival de Cannes.
Comment Quentin Dupieux a-t-il pu imaginer cette histoire ? On se demande s’il n’a pas demandé à ses amis de lui donner un mot, le plus saugrenu possible, en leur promettant de faire un film autour de ça. C’est donc tombé sur le mot « daim ». Et cela aboutit à un film dont l’objet central est un blouson taillé dans le cuir de cet animal. Après avoir vu le Daim, vous pourrez donc dire que vous avez vu un film sur un blouson. Aussi étonnant que cela peut paraître cela résume assez bien ce film. En partant de ça, difficile de convaincre que ce film est drôle et étonnant, mais il l’est bel et bien. Il serait dommage d’aller plus avant dans un description des ressorts de ce film, tant il est plaisant de se laisser surprendre par cette histoire improbable.
La réussite du film doit beaucoup au couple actrice-acteur qui lui donne vie. Il faut dire que Quentin Dupieux parvient toujours à rassembler des castings de très haut niveau pour des films aussi courts à aussi petit budget. Preuve d’à quel point son talent est reconnu. Jean Dujardin est parfait, en faisant preuve d’une certaine retenue alors que le rôle appelait facilement le cabotinage. Cependant, il est presque éclipsé par une Adèle Haenel d’abord discrète mais qui donne une épaisseur progressive à son personnage, avant de crever l’écran. Ils parviennent tous les deux à rendre totalement crédible leur personnage respectif, ce qui n’était pas gagné d’avance (mais encore une fois, je ne dirai rien). En tout cas, que vous soyez fan ou non des blousons en cuir à franges, n’hésitez pas un seconde à aller voir le Daim.
LA NOTE : 13,5/20
Fiche technique :
Production : Atelier de production
Réalisation : Quentin Dupieux
Scénario : Quentin Dupieux
Montage : Quentin Dupieux
Photo : Quentin Dupieux
Décors : Joan Le Boru
Distribution : Diaphana
Son : Guillaume Le Braz
Durée : 77 min
Casting :
Adèle Haenel : Denise
Jean Dujardin : George
Thomas Blanchard : Michael
Albert Delpy : Monsieur B
Panayotis Pascot : Johnny
Youssef Hajdi : Olaf
Certains films reçoivent des avis négatifs de la part des spectateurs, non pas parce qu’ils sont de mauvaise qualité dans l’absolu, mais parce qu’ils créent de la déception en ne se révélant pas être ce qu’ils semblaient être au premier abord. On peut légitimement penser que c’est ce qui se passe avec Zombi Child dont le titre pourrait être celui d’un film d’horreur tout à fait classique. Mais quand on voit que Bertrand Bonello est derrière la caméra, on se doute alors qu’il s’agit d’une œuvre plutôt cérébrale et hors des sentiers battus. Faut-il encore savoir qui est Bertrand Bonello. Et puis, très honnêtement, même en sachant pertinemment ce que l’on va voir, on peut fort bien trouver ce film fort ennuyeux.
Betrand Bonello se montre particulièrement habile avec une caméra et nous offre de très belles images, à l’esthétisme travaillé. Mais comme souvent avec lui, on a quelque peu l’impression qu’il s’en contente et oublie que de belles images n’ont jamais fait un film à elles toutes seules. Cette légère autosatisfaction contemplative se remarquait déjà dans Saint Laurent et se retrouve clairement dans Zombi Child. Cela noie aussi quelque peu la jolie performance d’ensemble du casting adolescent. Le résultat final s’avère donc plus décevant qu’enthousiasmant. On en ressort surtout avec une légère impression de gâchis car tous les éléments se trouvaient rassemblés pour proposer un film d’un tout autre intérêt.
La franchise Avengers vient de connaître un épilogue grandiose qui a fait la une de l’actualité et provoqué des queues sans fin au cinéma. L’autre grand univers cinématographique Marvel, celui des X-Men, connaît quant à lui une plongée progressive vers l’indifférence. Il faut dire que le précédent épisode s’avérait fort mauvais et les spin-offs n’ont vraiment valu le coup que lorsqu’ils se montraient franchement décalés (Logan et Deadpool). Alors ce X-Men : Dark Phoenix ne pouvait que redresser la barre. Mais force est de constater qu’il n’y parvient que de manière très limitée.
X-Men : Dark Phoenix sous-exploite totalement son casting XXL. Les habitués de la franchise, James McAvoy, Michael Fassbender et Jennifer Lawrence nous proposent des performances paresseuses sans émotion. Ils donnent vraiment l’impression d’attendre avec impatience de
Une Palme d’Or est rarement un film comme les autres. On attend d’elle qu’elle soit suffisamment originale pour déstabiliser le spectateur. Alors on peut s’étonner de voir l’une d’entre elle vendue par les distributeurs comme étant « la Palme d’Or la plus accessible depuis Pulp Fiction ». Cependant, en découvrant le caractère dithyrambique des critiques de Parasite, on pouvait se dire qu’une exceptionnelle qualité compenserait largement le caractère quelque peu conventionnel. C’est donc avec beaucoup d’espoir que je me suis rendu dans une salle obscure pour découvrir ce film. L’espoir d’assister au chef d’œuvre annoncé. Incontestablement, j’aurais assisté à un très bon film.
Parasite méritait-il la Palme d’Or ? Voilà un passionnant débat… que je vais vous épargner. Le jury est souverain et la qualité globale du film mérite bien un prix. Celui-là ou un autre, ça reste à voir. Ce film prouve une nouvelle fois l’incroyable richesse du cinéma coréen, qui nous fait découvrir à chaque nouvelle production de nouveaux interprètes absolument formidables. Il faut dire que ce film offre une galerie de rôles particulièrement savoureuse. La réalisation est quant à elle relativement classique, mais totalement maîtrisée. Ici et ailleurs, il manque peut-être un vrai grain de folie pour faire basculer définitivement ce film dans une toute autre dimension. Mais la dimension où il se situe reste déjà inaccessible au commun des longs métrages.
Avant d’écrire cette critique, on m’a posé une question assez bête, mais totalement légitime. En effet, après avoir mentionné que j’avais été voir John Wick Parabellum, j’ai précisé que j’avais trouvé le premier volet assez nul (je me cite). La question fut alors : pourquoi du coup être allé voir les deux autres ? J’ai bien eu du mal à répondre à cette question. En effet, je ne me rappelle absolument pas ce qui m’avait poussé à aller voir la première suite. Des critiques pas trop mauvaises je pense car c’est effectivement ce qui m’a poussé à aller voir ce troisième épisode. Je dois d’ailleurs leur donner raison. Dans une certaine mesure.
Malgré tous ces défauts, John Wick Parabellum possède une petite dose de charme inexplicable. L’univers qui tourne autour du personnage central continue de s’enrichir et rend l’histoire infiniment moins basique qu’au début de la saga. On a plaisir à y retourner et on aura plaisir à y revenir car la fin ouvre clairement sur un quatrième volet. Keanu Reeves continue d’être ce qu’il a toujours été, à savoir un acteur moyen mais avec un charisme suffisant pour qu’on ressente quand même du plaisir en le voyant à l’écran. En fait, cela résume parfaitement ce film. Un film moyen qui nous donne du plaisir quand même. Et pourquoi se priver d’un petit plaisir ?
Disney est sur le point de réussir son pari. Enfin un parmi les nombreux paris qui rythment la vie de cette entreprise. Après avoir tâté discrètement le terrain l’année dernière avec le Livre de la Jungle (que je n’ai pas vu et que je ne jugerai donc pas), la maison aux oreilles rondes a décidé de frapper fort cette, avec trois adaptations en prises de vue réelles de trois des plus emblématiques dessins-animés de son patrimoine. Le premier étage de la fusée, Dumbo, avait permis un décollage réussi. Mais avec un pilote aussi talentueux que Tim Burton, on pouvait s’y attendre. La suite, Aladdin, s’avérait plus risqué avec Guy Richie aux manettes. Mais il dirige finalement son vaisseau avec une maîtrise remarquable.
Aladdin bénéficie d’un casting quelque peu inégal. Mena Massoud est assez falot et constitue très clairement la plus grande limite de ce film. A ses côtés, Will Smith est égal à lui-même, ce qui représente tout de même un joli compliment. Lui aussi fait preuve d’une certaine retenue bienvenue, qui tire le film vers le haut. Mais de toute façon, tout cela n’a que peu d’importance car ces deux-là sont totalement éclipsés par Naomi Scott dont le charme est foudroyant. Elle illumine littéralement l’écran et rien que pour elle, on aurait envie que le film se prolonge encore un peu. Tout le monde évolue dans des décors magnifiques et revêt des costumes sublimes. On comprend mieux alors pourquoi on passe un si bon moment devant ce divertissement familial de très bonne facture. Il nous donne surtout beaucoup d’espoir pour le dernier volet du triptyque, le Roi Lion, qui arrive très bientôt sur nos écrans.
Quand on veut se marrer un grand coup, quand on veut assister à un spectacle léger et drôle, quand on veut assister à un film à grand spectacle qui vous en met plein la vue, il y a une chose à ne pas faire, jamais, en aucun cas : aller voir un film des frères Dardenne. Par contre, lorsque l’on veut assister à une œuvre aboutie, où le fond importe plus que la forme, émouvante et qui pousse à la réflexion, alors leur cinéma est parfait pour cela. Une nouvelle démonstration nous vient du Jeune Ahmed, où les cinéastes belges s’attaquent au sujet délicat de la radicalisation des plus jeunes vers une mouvance islamique extrême. Mais force est de constater qu’ils s’en sortent avec beaucoup de brio.
Une nouvelle fois, les frères Dardenne ont décidé de faire de la sobriété une religion artistique. Comme la plupart de leurs œuvres (peut-être toutes, mais j’ai la flemme de vérifier), le Jeune Ahmed ne comporte aucune musique, à part au générique de fin. On se retrouve donc plongé vraiment dans un cinéma du réel, sans aucune fioriture. C’est là leur grande force et leur marque de fabrique, mais aussi la limite d’un septième art auquel on enlève certaines de ses dimensions. Le résultat aurait-il pu être encore plus frappant avec une réalisation différente, personne ne pourra jamais répondre. Mais quand un film est déjà aussi bon, il est de toute façon pas très utile d’en rajouter.
La mode des biopics ne semble pas vouloir faiblir. Le soucis est que le nombre de personnes célèbres dont la vie vaut bien un film qui n’a pas déjà été fait commence à faiblir. On reste désormais parfois circonspect sur les personnalités choisies, dont la vie est supposée donner naissance à un long métrage. J’avoue que je n’ai guère été emballé à l’idée d’assister au récit de la vie d’Elton John, surtout en découvrant que ce dernier produit lui-même ce film. Cela sentait le produit formaté pour les fans à plein nez. Il est vrai que Rocketman n’échappe pas tout à fait à ce reproche. Mais il possède assez de qualités par ailleurs, certaines inattendues, pour nous enthousiasmer aussi parfois.
La réalisation de Rocketman alterne de jolis moments avec, il est vrai, quelques passages un peu lourdingues, faciles ou encore totalement surfaits. Mais il y a à côté de cela beaucoup de sincérité sur l’alcoolisme d’Elton John qui reste quand même le fil rouge de l’histoire. Jamais il n’est présenté comme une victime, ce qui change quand même radicalement d’un Bohemian Rhapsody notamment. Certes, il y a un côté auto-célébration de la rédemption qui suit, mais au moins on ne cherche pas d’excuse au personnage. Alors on finit par être touché en découvrant qui est vraiment Elton John. Enfin, le film finit par nous entraîner avec lui par la musique. Que l’on soit fan ou pas, on ne pourra qu’être séduit par la manière dont les morceaux sont intégrés à l’histoire, flirtant parfois avec la comédie musicale. Cela permet surtout de se rappeler à quel point cet homme aura livré de nombreux tubes que l’on fredonne parfois en oubliant qu’ils sont de lui. On ressort donc de ce film avant une grande envie d’acheter tous ses albums. Signe quand même que le film reste avant tout réussi, malgré ses défauts.
Lorsqu’un cinéaste venu d’un pays lointain connaît un succès soudain en France, il n’est pas rare que des distributeurs opportunistes en profitent pour ressortir sur les écrans hexagonaux une œuvre de jeunesse qui n’avait pas à son époque trouvée sa place chez nous. Le soucis, c’est que l’on réalise souvent assez vite pourquoi le film n’avait alors pas franchi les océans. Ryusuke Hamaguchi a connu les honneurs des critiques et des spectateurs avec Senses puis Askao I & II. Mais était-il vraiment la peine de nous offrir sur grand écran Passion, son deuxième film sorti au Japon en 2008 ? Après l’avoir vu, la question reste entièrement posée pour moi.
Qui dit œuvre de jeunesse, dit aussi manque de moyen. Visuellement, Passion flirte parfois avec le téléfilm. Un téléfilm réalisé avec un certain sens de l’esthétisme certes, mais un téléfilm quand même. C’est aussi pour cela que l’on a un peu de mal à plonger totalement dans cette œuvre qui n’est au fond qu’une esquisse de ce qui suivra. Le propos ne manque pas totalement d’intérêt, les acteurs sont remarquablement bien dirigés, mais il manque ce petit supplément d’âme, cette touche de poésie qui nous charmera dans la suite de la filmographie de Ryusuke Hamaguchi. Cela a au moins le mérite de nous rendre curieux. Que peuvent bien valoir les 5 films tournés entre celui-ci et Senses ? Peut-être d’autres distributeurs opportunistes nous apporterons la réponse.
Certains réalisateurs ont acquis une notoriété suffisante pour que l’on parle de leurs films, quand ils sortent sur les écrans, comme le dernier untel. Parmi ceux-là, Pedro Almodovar occupe une place de choix. Ainsi, si j’ai été voir Douleur et Gloire, j’ai été voir par la même occasion le dernier Almodovar. Et cette fois, le réalisateur espagnol se montre totalement à la hauteur de sa réputation en nous offrant un petit chef d’œuvre qui restera comme un des éléments les plus marquants de sa longue filmographie. Ce qu’il y a de réellement fascinant chez lui, c’est de voir à quel point il parvient tout en gardant certaines obsessions à toujours se renouveler.
Antonio Banderas et Pedro Almodovar forment un de ces couples acteur-réalisateur qui nous font mieux comprendre la signification du mot synergie. Le réalisateur espagnol offre à son comédien fétiche un de ses plus beaux rôles, d’une subtilité et d’une profondeur rares. Rien de spectaculaire, mais beaucoup d’émotion transmise. Et que dire de la photographie absolument sublime. Douleur et Gloire est un beau film, dans tous les sens du terme, là aussi marqué par une sobriété qui montre que le vrai génie est fait souvent d’un certain sens de la discrétion. Pas besoin d’en faire trop quand on fait les choses parfaitement. En tout cas, après ce petit bijou, on espère encore avoir l’occasion bien des fois d’aller voir le dernier Almodovar.
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