Cet été cinématographique a été marqué par un grand nombre de films d’animation japonais aussi nombreux que variés. Après la poésie ésotérique (et un rien ennuyeuse) des Enfants de la Mer, voici l’action pure et dure, avec les gros robots qui vont bien, de Promare. Un anime qui pourrait paraître hyper basique de premier abord, mais qui se révèle riche et plein de bonnes surprises au final. Cela confirme surtout l’incroyable richesse du cinéma d’animation nippon qui mérite bien cette place de choix dans nos salles obscures.
Promare se base sur un pitch relativement improbable. Une partie de l’humanité qui a soudainement tendance à la combustion spontanée, ce qui met le feu partout et nécessite la création d’une brigade de pompiers spécialisés et particulièrement high tech. Il est vrai que le scénario laisse quelque peu circonspect dans ses premiers instants. On se demande bien où tout cela pourrait bien nous mener, surtout vers quoi ce pourrait nous mener de vraiment intéressant. Finalement l’histoire se déroule en nous réservant quelques twists et en sortant du schéma manichéen qui semble être le sien à première vue. Le film est ponctué de quelques scènes d’action homériques dans la pure tradition du film de « mecha », mais avec infiniment plus de finesse qu’un Goldorak. Il brille enfin par une galerie de personnages assez jouissive et colorée.
Colorée est aussi le graphisme de Promare. Un graphisme assez particulier, avec son animation saccadée et ses couleurs criardes. C’est moche diront certains. D’autres, verront sous cette fausse paresse un style très personnel et en réalité réellement abouti. Cela confirme une tendance généralisée des réalisateurs des films d’animation de sortir des images aseptisées crées par ordinateur et de retrouver des lignes se différenciant les unes des autres. Au final, ce film s’avère surprenant à bien des points de vue en plus d’être particulièrement distrayant. Aucune raison de bouder son plaisir alors et d’en profiter avant la grisaille de la rentrée !
LA NOTE : 12,5/20
Fiche technique :
Réalisation : Hiroyuki Imaishi4
Scénario : Kazuki Nakashima1
Conception personnages : Shigeto Koyama1
Conception mécanique : Shigeto Koyama1
Directeur animation : Sushio1
Directeur artistique : Tomotaka Kubo1
Compositeur : Hiroyuki Sawano1
Production : Trigger, XFlag, Sanzigen
Durée :
Casting :
Galo Thymos : Ken’ichi Matsuyama
Aina Ardebit : Ayane Sakura
Remi Puguna : Hiroyuki Yoshino
Varys Truss : Tetsu Inada
Lucia Fex : Mayumi Shintani
Ignis Ex : Rikiya Koyama
Kray Foresight : Masato Sakai
Lio Fotia : Taichi Saotome
Ellis Ardebit : Ami Koshimizu
Vulcan Hastus : Taiten Kusunoki
Gera : Nobuyuki Hiyama
Mace : Katsuyuki Konishi
Vinny : Kendo Kobayashi
Dr Deus Prometh : Arata Furuta
Biar Colossus : Ryōka Yuzuki
Il est rare que l’on accomplisse un acte à portée sociale en allant au cinéma. Pourtant, aller voir Anna peut aider un homme à ne pas sombrer dans de graves difficultés financières et l’indigence. Ce n’est cependant pas par solidarité avec le porte-monnaie de Luc Besson que je suis allé voir Anna, mais simplement parce que j’admire encore le cinéaste, même si ses talents artistiques semblent fondre presque aussi vite que les bénéfices de sa société de production. Croyant une renaissance toujours possible, c’est armé d’une part de foi que je suis allé voir ce film. Mais force est de constater que le réalisateur n’a toujours pas retrouvé de réelle inspiration.
S’il y a une constante chez Luc Besson, c’est son amour immodéré pour les actrices filiforme, pour ne pas dire squelettique. Mais Sasha Luss est loin de posséder le charisme d’une Anne Parillaud ou d’une Mila Jovovich. Le casting dans sa globalité est à l’image du film. Il fait preuve d’un minimum de professionnalisme, mais reste d’une confondante médiocrité. Il n’y donc définitivement rien qui parvienne à donner à Anna une raison valable de se ruer dans une salle de cinéma pour sauver le soldat Besson. On s’attrister ou se réjouir de cette chute. Mais dans la majorité des cas, c’est simplement l’oubli qui attend ce film et, on peut le craindre, la carrière future de son réalisateur.
La notion de director’s cut peut être vu comme une réelle justice rendue à une œuvre et à la vision de l’artiste qui se trouve derrière ou bien comme un prétexte pour rentabiliser encore et encore un film à succès. Certaines productions, comme Blade Runner en compte tellement qu’on ne sait plus à quelle version se vouer. On peut s’épargner ce débat philosophique sans fin en considérant simplement que cela permet de revoir sur grand écran certaines œuvres cinématographiques majeures. C’est le cas avec la sortie d’une nouvelle version de Donnie Darko, film culte s’il en est. Je n’ai pas bien saisi quelle différence il existait avec la version que j’avais vue au cinéma à sa sortie, mais quel plaisir de pouvoir revoir un tel film dans les meilleures conditions.
Donnie Darko, sorti initialement en 2002 a révélé sur grand écran tout le talent des Gyllenhaal, frère et sœur. C’est surtout la performance de Jake qui aura marqué les esprits, dans ce qui reste à ce jour son plus grand rôle. Un numéro d’acteur hallucinant (au sens premier du terme) parfaitement maîtrisé malgré son très jeune âge à l’époque. Il porte le film sur ses épaules d’une manière étonnante. On retiendra aussi la très belle apparition de la trop rare Drew Barrymore. Tout le casting évolue dans le magnifique écrin que constitue la sublime réalisation de Richard Kelly (oui, je me répète, mais c’est fait exprès !). Rares sont les films qui prennent un peu plus de valeur à chaque fois qu’on les voit. C’est la marque des grandes œuvres dont ce film fait incontestablement partie.
Malgré toutes les batailles cosmiques où le sort de l’univers tout entier est en jeu, c’est un petit super-héros new-yorkais, aux pouvoirs somme toute limités, qui reste la figure la plus mythique et la plus emblématique de l’univers Marvel. Ainsi, Spider-Man en est déjà à sa quatrième incarnation depuis le renouveau des films de super-héros, débuté justement la version de Sam Raimi. Certes, une de ces incarnations est à oublier (d’ailleurs qui s’en souvient encore ?), il n’empêche que rien ne serait pareil au pays des surhommes sans l’homme araignée. Surtout que la qualité du deuxième reboot démontrait avec brio qu’on était loin d’avoir fait totalement le tour du personnage. Du coup, on attendait beaucoup de la première suite du deuxième reboot (oui, je sais, c’est compliqué de suivre parfois). Au final, Spider-Man : Far From Home restera un film sympathique, mais très anodin.
On sent Tom Holland désormais parfaitement à l’aise dans son rôle. Il incarne son personnage avec un naturel déconcertant. Spider-Man : Far From Home bénéficie incontestablement de la présence de Jake Gyllenhaal, qui nous gratifie d’un petit numéro d’acteur, nous offrant par la même occasion à la meilleure scène du film. Ce dernier bénéficie globalement de l’affirmation du casting post-adolescent, au premier rang duquel figure Zendaya, dont la personnalité apporte un petit supplément d’âme à cette histoire. La réalisation de Jon Watts a le mérite d’être efficace. Comme dans le premier épisode, on sent son amour des personnages, autant que pour l’action. Cependant, l’ensemble manque d’épaisseur pour vraiment marquer les esprits.
Les récits d’une journée (ou d’une nuit) qui devraient être ordinaires et où se succèdent finalement une série d’évènements inattendus sont nombreux. After Hours de Martin Scorsese est sans doute le plus grand chef d’œuvre du genre. Mais bien d’autres valent le coup d’œil. Le dernier d’entre eux s’intitule Give Me Liberty, un film qui nous plonge (entre autres) au cœur de la communauté immigrée russe de Milwaukee. Cela n’apparaît pas immédiatement susceptible de nous offrir des aventures inattendues et pleines de rebondissements. Mais il ne faut pas se fier aux apparences et se fier au contraire au talent et à l’imagination de Kirill Mikhanovsky.
Give Me Liberty nous offre un casting étonnant, composé d’acteurs professionnels et d’amateurs. Le plus étonnant reste Chris Galust, qui incarne le personnage principal, déniché dix jours avant le début du tournage, alors qu’il n’avait jamais joué la comédie de sa vie. Un casting improbable donc, mais qui colle finalement parfaitement avec l’esprit de Give Me Liberty. La réalisation, caméra à l’épaule, en mode reportage, renforce le côté immersif. On se croirait presque parfois devant un épisode de Striptease, à la sauce américano-russe. Difficile en tout cas de ne pas être emporté dans le tourbillon frénétique qui parcourt ce film. Qu’il nous propose un voyage sans but importe peu, tant le voyage est délicieux.
Un personnage doté d’un talent artistique prononcé, d’une volonté d’en vivre, mais évoluant dans un milieu social qui ne lui reconnaît guère de mérite et qui ne lui permet pas de vivre son rêve. Ceci constitue le point de départ de très nombreuses histoires et on pourrait facilement croire que l’on a déjà largement fait le tour de la question. Cependant, il est des thématiques dont on ne parvient à jamais vraiment se lasser, même quand une œuvre l’aborde sans apporter grand-chose de nouveau. Certes, on ne s’enthousiasme pas forcément mais on peut passer tout de même un bon moment. C’est le cas avec Wild Rose, un film plutôt réussi, mais certainement pas révolutionnaire.
Pour ça, mais pas que pour ça. Le talent et le charme de Jessie Buckley jouent un rôle non négligeable dans le plaisir que l’on prend devant Wild Rose. Elle fait preuve d’une certaine fraîcheur et d’un naturel déconcertant dans un rôle qui aurait pu facilement tourner à la composition lourdingue. La musique est également très présente. Après évidemment, il vaut mieux apprécier la country, mais l’énergie qu’elle met dans ses interprétations entraîne avec elle les spectateurs les plus rétifs à ce genre musical. Bon les allergiques complets auront peut-être un peu de mal, mais je les incite tout de même à faire un petit effort s’ils sont en recherche d’un feel good movie fort sympathique.
Suite et fin du triptyque 2019 de Disney avec le Roi Lion. Triptyque d’adaptations « live » de grands classiques de l’animation. Après Dumbo et Aladin, voici le plus attendu de tous, le Roi Lion. Attendu car celui s’annonçant le plus spectaculaire. En effet, il n’y a aucun humain dans cette histoire, juste des animaux qui parlent et qu’il fallait donc faire apparaître à l’écran de manière réaliste. Le défi était de taille mais fort d’un Livre de la Jungle, plutôt réussi paraît-il, ayant servi de galop d’essai, le succès ne pouvait qu’être au rendez-vous. Après, il y aura quelques grincheux pour faire la fine bouche. Et il m’arrive parfois de me montrer grincheux…
Le Roi Lion s’adresse donc au côté obscur de la nostalgie. Personnellement, je n’ai pas du tout ressenti le côté madeleine comme avec Aladin, mais au contraire, comme une envie de dire « c’était mieux avant ! ». Quel intérêt par exemple de reprendre une partie du casting voix originel ? A ne pas vouloir décevoir le fan, Disney finit par profondément le décevoir. La technique ne permet pas seule de faire naître la magie et ce film en manque cruellement. C’est un objet cinématographique totalement froid. Je suis le premier à défendre Disney quand les critiques le cantonnent à une machine commerciale, alors qu’il laisse souvent les auteurs s’exprimer et faire preuve d’audace. Mais ici, le reproche s’avère pleinement justifié.
Piquer les idées des autres constitue définitivement le thème central de Yesterday. Déjà en premier lieu parce qu’il est clairement inspiré de Jean-Philippe, la comédie de Laurent Tuel. En effet, le point de départ est sensiblement le même. Bon après d’un côté, on a Johnny Hallyday et de l’autre les Beatles, c’est aussi ça qui sépare la France de l’Angleterre, mais ceci est un autre débat. Ensuite, le film nous raconte l’histoire d’un chanteur sans succès qui se retrouve un jour être le seul homme sur Terre (ou presque) à se souvenir de l’existence des Beatles. Et se retrouve donc tenté de récupérer toutes leurs créations pour connaître enfin la gloire.
Yesterday pêche néanmoins quelque peu dans sa conclusion. Elle n’est pas illogique, mais n’échappe pas à une bien-pensance quelque peu lourdingue. Le film ne bénéficie pas d’un aspect réflexif très intéressant auquel il semble pourtant prétendre au travers d’un long discours final quelque peu lénifiant. C’est là la grande limite de ce film qui ne dépasse vraiment pas le statut de divertissement sympathique. Statut fort honorable cependant, mais quand même un peu décevant pour un Dany Boyle. On trouve bien trace de son grand talent de réalisateur, mais le fond est trop anodin pour donner une dimension supplémentaire à ce film qui restera mineur dans sa riche filmographie.
C’est dommage aussi parce que par ailleurs, dans la forme, le film se défend. Nicolas Hoult est plutôt convaincant et Lily Collins permet à son personnage d’être bien plus qu’un simple faire-valoir féminin. La réalisation de Dome Karukoski serait plutôt élégante si elle n’était pas ponctuée des parallèles douteux évoqués plus haut. Il en fait parfois trop. Les scènes de guerre sont notamment d’une lourdeur parfois effroyable. Bref, beaucoup de talent ici, mais utilisé à bien mauvais escient. Resteront de ce film les quelques éléments factuels que le fan de Tolkien en retirera. Mais bon, si c’était juste pour cela, un bon documentaire aurait été beaucoup plus judicieux. On peut donc parler d’un biopic raté.
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