Oh encore une histoire d’amour ! Ca suffit à la fin ! Non mais franchement, cela fait des siècles que l’on raconte toujours la même chose, on va bien finir par se lasser. Et bien, non. C’est sans doute là le plus beau miracle provoqué par ce sentiment. Un nouvelle preuve avec Monsieur, une production franco-indienne qui nous raconte une histoire éternelle, mais nous plonge aussi au cœur d’une société en pleine mutation et où tradition et modernité s’affrontent comme nul part ailleurs. Tout cela suffit à donner un très beau film, marqué par un dénouement remarquable.
Bon en fait, j’ai à peu près tout dit. Je n’aurais donc qu’à encourager le plus grand nombre d’entre vous à aller voir ce film. Il prouve que la simplicité d’une histoire n’est pas forcément signe de manque d’intérêt quand le décor est aussi riche que dans Monsieur. Un fond social très fort, mais décrit avec une grande pudeur et une grande simplicité également. Au final, c’est ce qui le rend aussi fort, crédible et impactant. Pas de grandes envolées, de messages militants délivrés à coup de grandes tirades. Mais la vie tout simplement. Une vie quotidienne, presque banale, qui touche au plus profond du cœur. Si le contexte indien n’est pas forcément transposable ailleurs, il y a tout de même quelque chose de profondément universel dans cette histoire.
Une histoire d’amour se termine généralement dans le drame ou le happy end. Monsieur propose un dénouement qui n’est ni l’un, ni l’autre. Ou plutôt est ce que le spectateur en fera. Ce n’est pas si fréquent que même les bons films s’achèvent ainsi par une fin réellement marquante, alors il est important de le souligner. Il faut enfin, et même avant tout en fait, souligner la magnifique prestation de Tillotama Shome, qui porte littéralement le film sur ses frêles épaules et son incomparable sourire. Je peux vous assurer que son compagnon à l’écran n’est pas le seul à finir le film profondément amoureux. Et ça fait du bien parfois d’être amoureux !
LA NOTE : 14/20
Fiche technique :
Production : Ciné-sud, Inkpot Films
Réalisation : Rohena Gera
Scénario : Rohena Gera
Montage : Jacques Comets, Baptiste Ribrault
Photo : Dominique Colin
Décors : Parul Sondh
Distribution : Diaphana
Musique : Pierre Aviat
Durée : 99 min
Casting :
Tillotama Shome : Ratna
Vivek Gomber : Ashwin
Geetanjali Kulkarni : Laxmi
Si DC est passé maître dans l’art de cultiver le navet, la franchise Transformers fait aussi partie des agriculteurs cinématographiques les plus émérites. La saga principale touchant le fond depuis longtemps, s’acharnant même à creuser toujours plus loin, on pouvait s’attendre au pire en voyant débarquer le premier spin-off de la saga. Bumblebee constitue certes un des personnages les plus sympathiques de la série. Mais delà à en faire un film à part entière… Mais il faut parfois se méfier des certitudes trop vite acquises, puisqu’au final ce long métrage est plutôt réussi et constitue un des meilleurs divertissements familial de cette fin d’année.
La présence de Travis Knight derrière la caméra n’y est sûrement pas pour rien. Venu du monde le l’animation, où il nous avait offert le sympathique Kubo et l’Armure Magique, il fait preuve de qualité artistique dont Michael Bay devrait bien s’inspirer. Rien de délirant, mais juste ce qu’il faut pour passer un bon moment, sans avoir l’impression de s’abrutir et sans en ressortir avec un début de migraine. Une petite mention au passage pour Hailee Steinfield, que l’on avait découvert dans True Grit des frères Coen, un rôle qui lui avait valu une nomination aux Oscars. Tout cela concourt à la bonne surprise que constitue ce film. Pas la surprise du siècle, mais bonne tout de même.
Au niveau interprétation, je retiendrai de cette année la performance du jeune Victor Polster dans Girl et Saorise Ronan pour son rôle dans Ladybird. La jeunesse au pouvoir donc et beaucoup de promesses pour l’avenir donc. Quant à la meilleur scène, je citerai la scène de danse hallucinée de Climax de Gaspard Noé, film que j’ai pourtant noté 03/20, ma pire notre de l’année, tant la suite est à vomir.
Quand on a rien, ou du moins pas grand chose à raconter, la moindre des choses est de faire court. C’est la moindre des courtoisies mais trop de réalisateurs l’oublient régulièrement. Au moins ne pourra-t-on pas reprocher à Louis Garrel de manquer d’éducation. En ne durant qu’une heure et quart, l’Homme Fidèle ressemble plus à un épisode de série qu’à un long métrage. Tant mieux car il n’y avait pas matière à faire plus long. Les mauvaises langues diront même qu’il y avait matière à ne rien faire du tout. Et il peut m’arriver d’être mauvaise langue.
Par contre, je formulerai un reproche nettement plus objectif à Louis Garrel. Il se dirige avec une complaisance coupable. Il est vraiment regrettable qu’un acteur aussi jeune soit déjà réduit aux mêmes mimiques et aux éternels mêmes personnages. Mais qu’il s’y réduise lui-même marque un manque d’ambition, pour ne pas dire une paresse, artistique indigne d’un tel talent. Espérons qu’il trouve ailleurs l’occasion d’être poussé dans ses derniers retranchements. Par contre, on saluera la performance de Lily-rose Depp, dont le visage est un parfait mélange de ses deux parents, livre une performance lumineuse. Pas assez pour donner un réel intérêt à l’Homme Fidèle, mais on s’en contentera.
Comme je l’ai dit hier ici même, il faut bien distinguer le gros navet, souvent prétentieux, avec la série B, pleine de défauts, mais parfois tout de même sympathique. En effet, si Aquaman représente l’archétype de la première catégorie, Unfriended : Dark Web fait incontestablement partie de la seconde. En effet, si on peut énoncer de nombreuses critiques à son encontre, il ne nous permet pas moins de passer un bon moment et surtout parvient à faire passer quelques frissons dans le dos du spectateur.
Unfriended : Dark Web est typique des films de genre basés sur une bonne idée (ou du moins qui sort un peu de l’ordinaire) mais sans grand moyen par ailleurs. Le grand mérite du film est de faire un choix de réalisation qui ne nécessite pas de base un budget faramineux. Un choix qui est l’élément d’originalité du film et qui n’apparaît donc pas comme un prétexte grossier et évite tout effet « cheap ». Par contre, le manque de moyen artistique est plus flagrant. Il est clair que Stephen Susco n’est pas Stanley Kubrick et qu’aucune des acteurs de la distribution ne sera jamais nominé aux Oscars (même s’il faut toujours être prudent avec ce genre d’affirmation). Cela finit de donner à ce film son aspect série B. Mais c’est un aspect qui a son charme parfois et ce dernier n’est pas inopérant ici.
Je peux l’avouer. Si j’ai été voir Aquaman, c’est aussi pour avoir l’immense plaisir d’en faire sa critique. En effet, rien n’égale le plaisir de parler d’un film merveilleux, si ce n’est de parler d’un navet. Mais attention, d’un vrai navet, pas d’une simple série B sympathique. Et dans la lignée des légumes cinématographiques, cette nouvelle production DC tient une place de choix. Pas tant dans sa nullité dans l’absolu, on a fait bien pire, mais dans l’écart abyssal (c’est le cas de le dire) entre la prétention des intentions de ce film et le résultat final. Bref, ce film n’est pas un Titanic du 7ème art, mais plutôt une coque de noix contre un glaçon dans un grand verre de médiocrité et de prétention mal placée.
Quelque chose surnage-t-il de ce marasme ? (moi, aussi je sais faire de l’humour). Les défenseurs du film pourront toujours mettre en avant le fait, qu’au fond, on ne s’ennuie pas. Les scènes d’action sont nombreuses et spectaculaires, malgré l’indigence de la réalisation. Aquaman divertit et on pourrait alors se dire qu’il atteint parfaitement son but. Cela serait le cas, s’il n’affichait visiblement pas d’autres prétentions. Je suis le premier à défendre les films qui n’ont pas d’objectifs démesurés et se contentent de ce qu’ils sont. Ici, s’ajoute au ridicule, une ambition totalement démesurée vis-à-vis du peu de talent artistique mise en œuvre ici. Bref, on n’est pas loin du naufrage.
Certaines personnes nous quittent ou simplement la vie nous les fait perdre de vue. Pour certaines on attend ou on espère un retour. Pour d’autres, on n’y pense pas vraiment. On aura plaisir à les recroiser mais sans attente particulière. J’aime profondément Mary Poppins, le film original, mais j’avoue que quand j’ai vu que le Retour de Mary Poppins était annoncé, ça ne m’a guère ému. Sans doute parce que je m’attendais plutôt au pire qu’au meilleur. Mais rassuré par des critiques globalement positives, je m’y suis rendu sans crainte. Et effectivement le spectacle est plaisant. Mais loin d’être inoubliable.
Le manque d’audace se ressent aussi cruellement sur le fond. Le Retour de Mary Poppins se contente d’être un film gentillet, qui ravira petits et grands, et surtout les petits (ou les grands enfants). En soi, ce n’est pas un problème, l’original étant dans cette veine. Ce qui est beaucoup plus frustrant est que le scénario touche du doigt de nombreux thèmes : la nostalgie, le rapport à l’enfance, le deuil… Jamais il ne s’y engouffre vraiment pour donner à ce film une tout autre dimension, peut-être plus « adulte », mais qui aurait surtout pour donner quelque chose de beaucoup plus intéressant. Au-milieu de tout ça, Emily Blunt campe une Mary Poppins beaucoup plus discrète que l’originale. A la fois, n’est pas Julie Andrews qui veut. Un retour qui n’a donc rien d’infamant, mais qui n’appelle pas forcément le retour du retour.
La fête ne dure qu’un temps. Pour une élection, elle ne dure même qu’un soir car la réalité et les problèmes vous rattrape vite. Surtout quand la pluie vient s’en mêler. La première image de François Hollande Président aura été celle d’un homme trempé par les trombes d’eau qui s’abattaient sur lui en remontant les Champs Elysées après son investiture. Elle fera plutôt sourire. Elle aurait pu être celle d’un homme qui reste droit et fier malgré les éléments contraires, elle est surtout restée comme celle d’un homme qui n’a pas de bol. On ne savait pas alors qu’elle serait tout à fait symbolique du quinquennat qui allait suivre.
On reconnaîtra volontiers une réelle élégance dans la réalisation de Paul Dano. Mais filmer élégamment rien ne donne pas plus d’épaisseur au contenu. Carey Mulligan et surtout Jake Gyllenhaal semblent un perdu et joue du coup avec le frein à main. Certains diront peut-être avec retenu, mais à la fois l’amour, même finissant, sans passion, il n’y a pas vraiment de quoi en faire une histoire. Wildlife – Une Saison Ardente ne leur offre définitivement pas de quoi exprimer tout leur talent, ce qui rajoute à la frustration du spectateur. Tous les débuts ne sont pas réussis. Mais tout le monde a le droit à une seconde chance.
Depuis quelques années, j’avais bien du mal à être pleinement convaincu par un film ayant reçu la Palme d’Or à Cannes. La voir décernée cette année à un film du réalisateur japonais Kore-eda Hirokazu, qui nous avait déjà offert le magnifique Tel Père, Tel Fils, redonnait bon espoir de pouvoir à nouveau s’enthousiasmer pour un film primé sur la Croisette. Tous les espoirs ne sont pas vains puisque Une Affaire de Famille est bien le petit chef d’œuvre espéré. Un magnifique moment d’humanisme qui jette un regard sans concession sur une société japonaise socialement fragmentée.
Une Affaire de Famille reste un film japonais. S’il n’est en rien contemplatif, vu la richesse de son contenu, la narration reste sur un rythme relativement lent. Mais jamais ne vient pointer le moindre début d’ennui. Grâce à l’élégance de la réalisation de Kore-eda Hirokazu tout d’abord et parce que cette formidable élégance est au service de ses acteurs. Si le Japon ne manque pas de quelque chose, c’est bien de formidables acteurs et actrices. Cette synergie entre réalisation et casting portent cette histoire à un autre niveau. A celui qui lui a valu une des plus belles récompenses du septième art. Et cette fois, elle est pleinement méritée.
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