A quelques jours de Noël, j’avais une envie d’aller voir un film qui ne me fasse pas trop de nœuds au cerveau, même si je savais qu’il avait peu de chance de m’enthousiasmer. Pour cela, Mortal Engines paraissait parfait. La bande-annonce faisait un minimum envie, mais les critiques annonçaient un film plutôt médiocre. Il faut admettre que ces derniers avaient raison et on peut formuler bien des reproches à son encontre. Cependant, ça serait mentir de dire que je me suis ennuyé ne serait-ce qu’une seule seconde. Dans le but que je recherchais, ce film fut donc parfait. Dans l’absolu, il est vrai, on ne peut pas en dire autant.
Mortal Engines ne souffre pas vraiment de défaut majeur. Il souffre par contre d’une accumulation d’imperfections qui, sans gâcher totalement le plaisir, finissent tout de même par se remarquer. Au premier de celles-ci figurent à mon sens des personnages auxquels ils manquent systématiquement ce supplément d’épaisseur qui donne sous souffle aux vrais épopées. Du coup, c’est toute l’histoire qui en manque quelque peu. Elle est certes rythmée et réservent pas mal de rebondissements. Ces derniers restent cependant souvent largement prévisibles et l’enchaînement des péripéties reste trop mécanique pour créer une réelle magie. Le scénario reste bien trop superficiel pour que l’on ait l’impression de vraiment découvrir un nouveau monde.
En fait, Mortal Engines est peut-être victime de ce qui aurait du faire sa principale qualité. En effet, en ne cherchant pas à faire de ce film le début d’une franchise, ou du moins en donnant une cohérence globale à cette histoire, avec un début et une vraie fin (mais on ne jurera pas qu’il n’y aura pas de deuxième épisode), on ne prend pas le temps d’aller vraiment à la découverte des lieux, des enjeux et, comme je l’ai déjà dit, des personnages. Et on le regrette un peu car le film ne laisse pas le temps au spectateur de s’attacher à quoi que ce soit. Reste quelques scènes spectaculaires et visuellement plutôt réussies. Ce n’est pas grand chose, mais ça détend en attendant l’arrivée du Père Noël.
LA NOTE : 09/20
Fiche technique :
Production : Media Rights Capital, Universal Pictures, WingNut Films
Distribution : Universal Pictures International France
Réalisation : Christian Rivers
Scénario : Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, d’après le roman de Philip Reeve
Photo : Simon Raby
Décors : Matt Austin, Simon Bright, Vanessa Cole, Brendan Heffernan, Simon Lowe
Musique : Junkie XL
Effets spéciaux : Ken McGaugh
Costumes : Bob Buc, Kate Hawley
Durée : 128 min
Casting :
Robert Sheehan : Tom Natsworthy
Hera Hilmar : Hester Shaw
Hugo Weaving : Thaddeus Valentine
Leila George : Katherine Valentine
Ronan Raftery : Bevis Pod
Jihae : Anna Fang
La guerre d’Indochine constitue sûrement un des moments de notre histoire les plus méconnus. Trop lointain, trop peu glorieux sans doute. Le cinéma français n’a pas fait beaucoup pour combler cette ignorance. En tout cas, rien à voir avec la manière dont les Etats-Unis portent à l’écran les conflits dans lesquels ils sont été engagés. Les Confins du Monde comble un peu de ce manque en nous plongeant dans la guérilla qui a suivi le départ des Japonais de la péninsule indochinoise. Il nous en livre une vision crue qui s’appuie surtout sur ce qui a pu animer ce qui ont vécu ce conflit.
Les Confins du Monde n’est pas à mettre devant tous les yeux. Il montre toute la cruauté de ce conflit, où le sadisme sert à terrifier le camp d’en face. On peut parfois s’interroger sur la nécessité de monter de manière aussi directe autant d’horreurs. Le choix de Guillaume Nicloux s’explique sans doute par une volonté de mieux faire comprendre au spectateur comme les personnages peuvent glisser sur une pente qui les conduisent vers une forme de folie. On ne ressort pas de ce film à moitié fou, mais le cœur un peu serré, admiratif de la performance de Gaspard Ulliel et compatissant pour tous ceux qui ont vécu ces événements pour de vrai.
Si on pense au rock’n’roll, on pense bannière étoilée, grands espaces traversés sur une Harley Davidson et bottes en cuir. Ou éventuellement Union Jack, passage piéton à Liverpool et coupe au bol. Mais beaucoup plus rarement à la faucille et au marteau. Pourtant, la musique rock existait aussi de l’autre côté du rideau de fer. Timidement, sous le contrôle pointu des autorités soviétiques. C’est cette histoire singulière que se propose de raconter Leto. Un film qui respire la musique dans une mise en scène élégante et originale. Et surtout une belle ode à la liberté.
Leto raconte aussi une histoire. Celle de quelques jeunes garçons et jeunes filles cherchant à vivre leur passion et le désir de liberté qu’elle porte, malgré les forces qui les enferment. Ils profitent de chaque occasion, de chaque petit espace qui leur est laissé. Si on ajoute à cela une triangle amoureux, on obtient un film riche et consistant, même si tout cela s’étiole quelque peu sur la fin. Du coup, cela s’étire un peu en longueur, mais avec encore assez de musique pour qu’on ne regrette pas de rester là. Le film apporte donc un joli témoignage, montrant une nouvelle fois la force de l’art quand il est au service de la liberté.
Autant vous avertir tout de suite, ce billet sera particulièrement égocentrique. Mais voyez-vous, être élu d’opposition dans une ville aussi moyenne que Viroflay revient un peu à prêcher dans désert. Alors quand vous consentez beaucoup d’efforts, quand vous vous investissez à fond dans quelque chose et surtout quand vous êtes brillant, tellement plus brillant que d’autres, il n’y aura pas grand monde pour le savoir et pour le souligner. Surtout que votre principal public reste quand même vos principaux adversaires formant la majorité, qui se pendraient plutôt que de vous faire un compliment (sauf le jour de votre départ évidemment… mais là aussi j’y reviendrai).
J’ai annoncé plusieurs fois ici que les productions Marvel commençaient à tourner en rond et à ne plus rien produire de vraiment original. Et plusieurs fois, ils ont su me donner tort. Une dernière fois sans lendemain avais-je envie de penser à chaque fois. Mais à force, il me faut l’admettre. J’avais tort, elles ont encore bien des choses à nous offrir. Une preuve éclatante avec Spider-Man : New Generation. On tient là incontestablement le film Marvel de l’année. On peut même aller plus loin. On tient là incontestablement un des films de l’année.
Mais Spider-Man : New Generation se démarque définitivement par son graphisme terriblement imaginatif. Il rend de multiples hommages dans un tout étonnamment cohérent. Il fait tout d’abord le lien entre cette version cinématographique et les comics sur papier où il est né. Mais il s’amuse aussi à quelques clins d’œil à l’univers du manga ou des cartoons. C’est foisonnant, mais totalement maîtrisé. L’animation est fluide, les émotions des personnages sont palpables et les scènes d’action restent claires. Bref du vrai cinéma à côté duquel tout amateur de super-héros qui se respecte ne peut pas passer. Longue vie à cette nouvelle génération !
Etre l’homme (ou la femme bien sûr) de la situation, voilà un titre flatteur. En effet, cela implique qu’un autre que lui aurait fait moins bien, ce qui témoigne d’un talent rare et unique. Alexandre Astier en possède un. Et un grand. Mais cela implique aussi une synergie entre la tâche à accomplir et la personne en question, qui tient à un je-ne-sais-quoi inexplicable qui fait que tout s’emboîte parfaitement. Sans doute, le créateur de Kaamelot était celui, à défaut d’être le seul, capable de reprendre à son compte l’héritage de Goscinny. Après avoir adapté (et enrichi) à merveille le Domaine des Dieux, il nous offre une histoire totalement originale avec Asterix – Le Secret de la Potion Magique. Une œuvre que ne renierait pas le grand René.
Mais Alexandre Astier va plus loin. En effet, il ajoute une petite touche à lui, discrète mais bien réelle. Il donne à Asterix – Le Secret de la Potion Magique une dimension épique comme on l’a rarement vu dans les aventures d’Asterix et Obelix. Ceci tient au personnage du méchant qui est largement plus inquiétant qu’il est ridicule parfois. On suit donc cette histoire avec le plus grand des plaisirs et un plaisir qui dépasse de loin la simple nostalgie. Il s’agit là d’une véritable œuvre originale d’une très grande qualité qui démontre encore une fois à quel point Alexandre Astier était l’homme de la situation.
Un film de casse, c’est un peu comme un western. On se dit que c’est un genre un peu daté, mais on est toujours ravi d’en voir un revenir sur grand écran. Surtout évidemment quand il est plutôt bon. On y va un peu nostalgique de tous ces grands classiques que l’on a découvert plus jeunes, dont certains nous ont fait aimer le cinéma. Mais on a aussi forcément envie de voir quelque chose de nouveau. Avec les Veuves, on est comblé. On retrouve la plupart des éléments qui ont fait le succès du genre, mais agrémentés de touches beaucoup plus originales.
La première d’entre elle est un casting un peu faiblard. Personne n’est mauvais, mais personne ne ressort vraiment du lot. Viola Davis tient le film largement sur ses épaules, mais sans flamboyance. Tout ceci est cependant largement compensé par la réalisation brillante de Steve McQueen. La photographie est magnifiquement ciselée et constitue un régal pour les yeux. Comme souvent, le film manque un tout petit peu de rythme, mais cette légère lenteur est aussi caractéristique de son style. Les Veuves ne restera peut-être pas comme le film de l’année, mais il n’en reste pas moins un vrai film de cinéaste. De ceux qui écrivent l’histoire du 7ème art.
Le personnage principal d’une histoire est souvent celui lequel l’histoire est racontée. Le scénario adopte son point de vue et du coup le spectateur également. Il apporte son lot de subjectivité qui existe forcément en tout récit. Mais quand le personnage principal est un nourrisson de quelques jours, cela paraît plus difficile, puisqu’il apparaît quasiment impossible de faire partager ses émotions et la manière dont il vit les événements. Quasiment, mais pas totalement, comme le prouve Pupille. Un joli film sur un sujet finalement assez peu souvent abordé au cinéma.
Pupille bénéficie d’un casting de tout premier ordre. Le film permet à Gilles Lelouche de connaître un de ses plus beaux rôles. Il fait part d’une grande sensibilité, doublée d’une vraie justesse. Elodie Bouchez est elle aussi remarquable et sans elle, le film n’aurait pas pu être aussi touchant. Jeanne Henry nous offre de très belles scènes, dont celle de la rencontre entre le bébé et sa future mère, qui prouve que la sobriété peut être parfois le meilleur moyen de sublimer les émotions. On passe donc le film avec une petite larme qui pointe aux paupières. Mais elle est plus souvent de joie que de tristesse et on ressort de ce film le cœur léger. Et il faut admettre que cela fait le plus grand bien.
Le cinéma est un des principaux vecteurs par lequel tous ceux qui veulent faire avancer la liberté en Iran s’expriment. Nos écrans témoignent souvent de cette lutte et nous transmettent le cri de ceux qui vivent des formes parfois particulièrement pernicieuses d’oppression. La Permission reprend le flambeau et le fait avec beaucoup de talent. Un film aux qualités nombreuses, qui brillent autant par la forme que par le fond. Je ne sais pas si aller voir ce film est un acte de résistance. Mais c’est au moins une petite manière d’apporter son soutien à tous celles et ceux qui résistent.
La Permission enthousiasmera d’autant plus si on s’intéresse à ce que le film nous dit de la société iranienne. Pas de révélation fracassante, mais une démonstration brillante. Que la société iranienne ne soit pas un modèle d’égalité femme-homme ne constitue pas un scoop, mais on comprend mieux à travers ce film comme elle s’exerce, sous couvert d’état de droit. Avec Baran Kosari, cette lutte prend un visage fort et déterminé. Elle incarne avant tout son personnage, mais bien plus que cela au fond. Cette histoire n’est pas que celle d’un destin individuel. C’est l’histoire de toutes ces femmes qui vivent cette oppression, alors qu’elle ne demande qu’un peu de liberté. Celle de jouer au foot par exemple. Celle d’être elle-même en fait.
La réalisation de Macelo Martinessi est d’une grande sobriété. Il cherche avant tout à mettre en avant ses actrices et il y parvient plutôt bien. Ce n’est pas de ce côté qu’il faut chercher ce qui nous empêche d’apprécier les Héritières comme on aurait du. Ana Brun livre une interprétation subtile et juste. Mais ce n’est pas suffisant pour nous donner l’affection nécessaire envers son personnage pour que l’histoire nous touche vraiment. Trop peu d’originalité ou de prise de risque dans la forme pour compenser un tant soit peu les faiblesses du fond.
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