Parfois de très grands artistes ne sont pas reconnus à la juste valeur, car leur moyen d’expression ne bénéficie pas d’assez de considération pour cela. C’est le cas à mon sens de Brad Bird, qui a dirigé deux chefs d’œuvre du 7ème art, ayant connu un succès à la fois critique et commercial. Mais alors pourquoi tant d’indifférence ? Parce que ces deux grands succès, Les Indestructibles et Ratatouille, sont deux films d’animation, dont on retient généralement le nom du studio dont ils sont issus, très rarement le nom du réalisateur. Le voir passer à un film avec de « vrais » acteurs pouvait donc lui apporter enfin une reconnaissance amplement méritée. Malheureusement, A la Poursuite de Demain est en train de passer relativement inaperçu. Pourtant le talent est bel et bien là.

A la Poursuite de Demain reprend un thème assez classique dans la science-fiction et de la fantasy. Un jeune homme, ou plutôt une jeune fille dans le cas présent, appelé à un grand destin (en gros, sauver le monde), alors que rien ne l’y a jamais préparé. Cela a donné par exemple le très moyen Jupiter de Andy et Lana Wachowski plus tôt cette année. Mais quand ces derniers s’enferment dans un cinéma du toujours plus spectaculaire, espérant ainsi retrouver le souffle magique qui les avait habité pour Matrix, Brad Bird nous rappelle ici de manière assez magistrale ce qui fait un grand film : un bon scénario et de bons personnages. Le reste n’est que décor et accessoire…

A la Poursuite de Demain nous propose une formidable histoire. Elle ne cherche pas à tout prix l’originalité, à choquer ou à provoquer un suspense insoutenable. Mais elle est tout simplement parfaitement construire, riche et jamais cousue de fil blanc. Le film délivre aussi un vrai message étonnement subtil et intéressant, quand le tout aurait pu sombrer particulièrement facilement dans une bouilli poético-écologiquo-ridicule. Il véhicule au contraire de vraies valeurs positives, sans pour autant tomber dans le bien pensant facile, sans alourdir son propos d’une guimauve écœurante. On en ressort donc avec un vrai sourire aux lèvres… tout en ayant quand même assisté à un vrai film d’aventures !

Mais un film d’aventures ne veut pas dire un clip vidéo ou un déluge d’effets spéciaux. La réalisation de Brad Bird est sobre, totalement au service de son histoire. Certes, quand elle a besoin d’un décor spectaculaire, il y met les moyens, mais cela reste toujours un moyen, jamais une fin. On retiendra notamment un joli moment de bravoure mettant en scène notre Tour Eiffel nationale. Les quelques scènes d’action sonnent plus comme de courts intermèdes au sein d’une intrigue qui elle prend son temps pour avancer. La bande-annonce pouvait d’ailleurs donner une fausse idée de ce qu’est A la Poursuite de Demain. On est là totalement à contre-courant d’un Jurassic World qui tombe quant à lui tête la première dans une course au « toujours plus » qui n’a jamais empêché de produire un navet. Et c’est vraiment tant mieux !

Pour finir, ce qui fait vraiment de A la Poursuite de Demain un vrai délice cinématographique, ce sont ses personnages. Les quatre figures principales sont immédiatement terriblement attachantes (enfin pour le « méchant », c’est évidemment plus ambigu). Cela nous plonge au cœur de l’histoire, nous permet de nous l’approprier de manière quasi instantanée, pour ne jamais en ressortir. Bien sûr, les quatre acteurs sont à saluer en premier lieu. Honneur aux deux jeunes filles, Britt Robertson et Raffey Cassidy, absolument épatantes! Hugh Laurie passe avec bonheur du petit au grand écran, sans jamais tomber dans un cabotinage qui lui tendait pourtant les bras. Quand à George Clooney… Bref George Clooney.

Et pour ainsi dire, bref, Brad Bird !

LA NOTE : 15,5/20

Il nous avait manqués, les revoilà. Qui ?, me demandez-vous. Les dinosaures du Trias qui peuplent Jurassic Park (mais on n’en est plus à une approximation près) ! Cette fois, on change même de dimension, puisque le film nous emmène même carrément à Jurassic World. Tout un programme qui pouvait mettre l’eau à la bouche et ravir petits et grands. Plus de dix ans nous sépare de l’épisode précédent, on pouvait donc légitimement imaginer que les idées nouvelles seraient nombreuses et les progrès techniques nous offriraient des images spectaculaires comme jamais. De grands espoirs donc… De grands espoirs largement déçus.

Jurassic World nous offre un monde de médiocrité. Le film débute déjà très mal, avec une mise en route laborieuse et déjà bien lourdingue. En gros, le scénario introduit un à un, longuement et en détail, tous les clichés qui peupleront le film. Certes, ils étaient relativement inévitables et pas forcément hyper gênants dans un pur divertissement comme celui-là. Mais les envoyer comme ça à la figure du spectateur ne l’incite pas à le mettre en confiance. Mention spéciale pour les habituelles valeurs familiales, si habituelles à Hollywood, mais qui nous agressent ici de manière assez spectaculaire et immédiate.

Pour les nouvelles idées, on repassera. Allez, je suis sévère, il y en a quelques unes et même des bonnes. Mais tout de même, le fil rouge principal, la création d’un super tyrannosaure, ne permet pas vraiment de renouveler le concept. Et à côté de ça, on a trop souvent l’impression de vivre un recyclage en règle de tout ce que nous avait offert les trois premiers épisodes. En gros, on fait pareil, mais avec plus de tout, et notamment plus de dents… Franchement, ce n’était pas la peine de remettre le couvert après tant d’années pour nous resservir autant d’éléments qui sentent le réchauffé.

La réalisation est au diapason du reste. Quelques jolis plans, quelques moments d’imagination, d’élégance, bref un peu de talent chez Colin Trevorrow. Mais ces bons moments mettent généralement en lumière les éléments les plus anodins. Au contraire, quand il s’agit de donner vie aux rares bonnes idées, il fait preuve d’une médiocrité confondante. L’usage du ralenti à un moment des plus cruciaux et les plus intenses par exemple montre juste un réalisateur en manque flagrant de génie et personnalité. Clichés sur le fond, clichés sur la forme donc !

LA NOTE : 9/20

Rarement une bande-annonce n’aura fait autant envie que celle de Mad Max : Fury Road. Envie décuplée par les critiques éminemment positives que ce film a reçu, y compris par ceux qui ne sont pas forcément tendres avec les films de genre. Alors quand on est quand même moi un vrai amateur de ces derniers, l’envie atteignait des sommets. Fallait-il encore que le résultat soit à la hauteur des attentes ainsi crées. Pour mon plus grand bonheur, il l’est… ou presque.

Mad Max : Fury Road est un film qui allie de manière rare maîtrise et démesure. Démesure dans le bruit, la fureur et l’action. Démesure dans la description d’un monde décadent où la folie et la violence règnent en maître. Démesure dans l’imagination visuelle, où des détails totalement gratuits mais hautement spectaculaires viennent nous surprendre à chaque plan. Maîtrise dans la réalisation qui ne transforme jamais ce film en clip vidéo. Maîtrise dans une narration qui va droit au but, livre au spectateur ce qu’il est venu chercher. Maîtrise dans une esthétique qui allie futurisme et vintage, rendant un hommage appuyé à la trilogie initiale, tout en la réinventant de manière profonde.

Mais… parce qu’il y a pour moi deux « mais » qui, sans gâcher mon plaisir, m’ont empêché de tomber dans l’enthousiasme complet qui aurait pu faire de Mad Max : Fury Road un vrai film culte. Déjà, si j’ai souligné que la narration allait droit au but, ce qui est plutôt une qualité en soi, il n’empêche qu’elle ne prend pas le temps du coup de donner la moindre épaisseur aux personnages. Du coup, notre attachement est extrêmement limité et c’est avant tout le spectacle pyrotechnique qui nous fait vibrer, bien sûr que la mise en danger des protagonistes. Ensuite, si le spectacle est assez incroyable pendant deux heures… il est relativement répétitif… Ce n’est pas vraiment qu’on se lasse, mais on finit par sombrer dans une sorte de routine, certes terriblement excitante, mais une routine quand même.

LA NOTE : 14,5/20

Cette année est sorti sur nos écrans un excellent film nous racontant l’histoire d’un ancien ouvrier syndicaliste finissant vigile dans un hypermarché, le tout porté par l’interprétation magistrale d’un formidable acteur. Je veux bien sûr parler… de Jamais de la Vie avec Olivier Gourmet. Bon j’admets cela peut aussi définir La Loi du Marché, dont on a infiniment plus parlé, suite au Prix d’Interprétation reçu à Cannes par Vincent Lindon.

Le jeu des comparaisons est peut-être quelque peu malvenu car au final les films n’ont pas du tout le même esprit. Jamais de la Vie était un polar sur fond social, La Loi du Marché est un film social tout court. Mais le point de départ est tellement similaire qu’il est difficile d’échapper à la sensation de voir deux fois le même film à quelques semaines d’intervalle. Et de mon point de vue, la comparaison n’est pas toujours favorable au film dont on a le plus parlé. Stéphane Brizé signe un film remarquable à bien des points de vue, mais qui présente bien des limites.

La réalisation de Stéphane Brizé est d’une grande sobriété. Ceci n’est ni un vice, ni une vertu en soi, mais ce choix, s’il permet au film de ce focaliser sur son propos, rend d’autant plus exigeant sur le reste. La performance des seconds rôles, alors qu’ils sont interprétés en grande majorité par des comédiens non professionnels, montre bien la qualité de la direction d’acteurs. Au-delà de ça, La Loi du Marché reste un remarquable témoignage, décrivant de manière minutieuse la violence des petites humiliations que la situation de chômeur impose. C’est sur ce plan-là que le film mérite tout le bien qui en a été dit. Cependant, j’ajouterai que l’absence d’une vraie conclusion limite le film à sa dimension descriptive.

Je finirai sur un petit mot sur la performance de Vincent Lindon. Elle est en tout point remarquable, dans le sens où elle s’apparente plus à une incarnation qu’à un jeu de comédien. Il y a là une fusion rare entre l’acteur et son personnage. Méritait-il pour autant son prix d’interprétation ? Personnellement, je reste quelque peu circonspect. En effet, le personnage subi constamment les événements, de manière assez passive, sans exprimer d’émotions fortes. Je nie pas la subtilité du jeu de Vincent Lindon qui arrive parfaitement à transmettre beaucoup de sentiments et d’émotions à travers un registre d’expression congru… Néanmoins, le rôle reste limité et toute la subtilité du monde n’arrive pas à le faire totalement oublier. Je fais peut-être mon difficile et n’enlève rien à tout ce qui est remarquable dans La Loi du Marché.

LA NOTE : 13/20

Cela me fait toujours un peu de peine quand je me montre incapable d’apprécier l’œuvre d’un réalisateur pourtant salué par la critique et les cinéphiles les plus avertis. Arnaud Desplechin est de ceux-là. En effet, je suis très loin d’avoir apprécié aussi bien Un Conte d’Hiver ou encore Jimmy P. Mais tout vient à point à qui sait attendre, puisque c’est avec un vrai bonheur que j’ai apprécié pleinement Trois Souvenirs de ma Jeunesse. Un film plein de sensibilité, de poésie… et non dénué d’un certain érotisme.

Dieu sait si les films sur les amours de jeunesse donnent souvent des résultats désastreux. La nostalgie de leurs auteurs, un regard soit idyllique, soit à l’inverse totalement condescendant, conduit trop souvent ces derniers à livrer un propos sans intérêt entre ridicule et clichés. Mais Trois Souvenirs de ma Jeunesse ne se laisser pas dévorer par la nostalgie. Elle est présente, le film étant raconté « à la première personne » par un narrateur faisant preuve d’un certain recul par rapport aux événements. Mais le cœur du film reste avant tout une grande histoire d’amour entre deux personnages d’exception. Qu’ils sortent tout juste de l’adolescence ne change pas grand chose.

Le cinéma d’Arnaud Desplechin place toujours ses personnages au centre de ses œuvres parce qu’ils constituent un sujet en eux-mêmes. Paul et Esther forment un couple exceptionnel. Vous aurez bien du mal à vous identifier à eux, mais ils valaient bien un film. Trois Souvenirs de ma Jeunesse est sublimée par une casting de jeunes acteurs vraiment formidable. Le duo forme par Quentin Dolmaire et Lou Roy Lecollinet est étonnamment crédible dans des rôles loin d’être évidents, où ils auraient vite pu rendre leurs personnages antipathiques. Il n’en est rien, bien au contraire, et cela donne un très beau moment de cinéma, porté par une réalisation élégante et subtile qui retranscrit parfaitement à l’écran toutes les dimensions du sentiment amoureux.

LA NOTE : 13,5/20

Chaque année, mon petit cœur de cinéphile bat très fort pour un ou deux films qui n’ont pas forcément déchaîné l’enthousiasme chez le commun des mortels, fut-il critique de cinéma ! Ceci est la définition même de la subjectivité et le monde serait évidemment des plus tristes si tout à chacun se prenait de passion pour exactement les mêmes choses que son voisin. C’est donc sans aucun complexe que je vais vous dire tout l’immense bien que j’ai pensé de Un peu, Beaucoup, Aveuglément !

Très souvent notre subjectivité est liée à notre propre histoire. Très certainement que cette dernière joue un rôle important dans mon enthousiasme à propos de Un Peu, Beaucoup, Aveuglément ! Cette histoire de deux êtres qui tombent profondément amoureux en dehors de tout contact physique m’a rappelé quelques passages de ma propre existence. Alors forcément, il s’en est dégagé pour moi une émotion assez particulière et qui, je le conçois, peut échapper au plus grand nombre. Mais les qualités de ce flim ne tiennent pas qu’à cette résonnance toute particulière.

Si le point de départ est déjà original en lui même, c’est son traitement aussi qui est à saluer. On pouvait vraiment craindre une certaine paresse de la part de Clovis Cornillac, dont c’est le premier film. Allez certes, il cabotine un peu et à un peu de mal à se diriger lui-même, mais il arrive à donner à Un Peu, Beaucoup, Aveuglément un équilibre, un souffle, un sens de la narration qui nous font croire à ce point de départ pourtant improbable. Il rend les deux personnages particulièrement attachants, ce qui est se révèle totalement indispensable dans une comédie romantique. Il ne néglige pas non plus les très bons personnages secondaires (Manu Payet dans un caméo génial!) qui viennent enrichir le tout. Bref, ça fonctionne à la perfection, ça nous arrache pas mal de sourires, cherche à nous raconter quelque chose plutôt que de faire de l’humour pour de l’humour. Et ça nous touche. En tout cas, moi, ça m’a touché en plein cœur…

LA NOTE : 15/20

Catherine Deneuve dit peut-être parfois des conneries sur Dunkerque, mais quand même, quelle actrice ! J’aurais pu limiter ma critique de la Tête Haute à cette simple phrase, mais cela aurait été un crime vis-à-vis de la richesse de ce film. Si Emmanuelle Bercot a reçu une formidable récompense avec son prix d’interprétation féminine au dernier Festival de Cannes, il serait dommage d’oublier son éclatant talent de réalisatrice qu’elle démontre ici et qui avait valu à ce film de faire l’ouverture de ce même Festival de Cannes.

La Tête Haute rappelle forcément Mommy, avec cet adolescent incontrôlable et sujet à la violence et cette mère dépassée par les évènements. Mais les deux films ne parlent pas tout à fait de la même chose. Le film d’Emmanuelle Bercot reste avant tout un film social. Les personnages occupent tout de même une place centrale, mais le contexte dans lequel ils évoluent constitue plus qu’un décor. Il y a une réflexion sur le système de prise en charge et plus largement sur la manière dont toute la société fait face à ce genre de cas. Il n’y a ni gentils, ni méchants, seulement des êtres humains qui interagissent avec leurs motivations propres, que le film expose sans jugement. Le tout est traité avec beaucoup d’intelligence, de sensibilité et surtout à partir d’une narration qui entraîne définitivement le spectateur.

J’ai déjà cité la prestation tout simplement parfaite de Catherine Deneuve, pas besoin d’y revenir. Mais c’est vraiment tout le casting qui est à saluer, tout comme le travail de direction d’acteurs. Je trouve même Benoît Magimel très bon et convaincant, c’est dire ! Sara Forestier est elle aussi impressionnante, avec une vraie transformation physique. Mais c’est surtout la justesse du jeu des acteurs adolescents qui montre la qualité du travail accompli. Le jeune Rod Paradot est la vraie star de ce film et on peut déjà lui promettre un César du Meilleur Espoir Masculin. Quant au César du Meilleur Film, on en a connu des pires !

LA NOTE : 14/20

Bon, cela fait une semaine que je dois réécrire deux critiques que j’ai perdues suite à un bug informatique, et j’ai quand même la méga flemme. Mais faut vraiment que je m’y colle parce que sinon je vais prendre du retard. En plus, c’est deux films dont j’ai envie de dire du bien, alors ça me chagrine de manquer à ce point de courage. Pour tout de même surmonter ce manque de motivation, j’ai fait un deal avec moi-même et vous livrer mon propos en version raccourcie. On m’a dit récemment que mes critiques étaient parfois un peu frustrantes parce que trop courtes… On verra plus tard pour y remédier (ou pas…).

On commence par Connasse, Princesse des Coeurs. Un film que je ne me serais jamais imaginé aller voir et encore moins aimé. En effet, Camille Cottin me met beaucoup plus mal à l’aise qu’elle ne me fait rire à la télévision. Mail il est vrai, que la bande-annonce parvenait à faire envie et que les critiques étaient étonnament bonnes. Finalement, cela donne un « Borat » à la française, plutôt bien construit, où aucune situation ne s’éternise inutilement et qui arrive vraiment à créer un personnage très attachant, malgré son caractère insupportable. C’est drôle, sans être hilarant et sans jusqu’à aller parler de « suspense », on se demande quand même où cela va nous mener. Bref, un passage étonnament réussi sur grand écran.

On poursuit avec Good Kill, un film qui nous plonge au cœur de la guerre menée par l’armée américaine en Irak et en Afghanistan… mais vu derrière un écran et un joystick depuis Las Vegas. En effet, ce film nous parle des pilotes de drônes qui font la guerre avec des horaires de bureaux. Après Demineurs et American Sniper, on découvre une nouvelle facette de l’impact que peuvent avoir ces conflits d’un nouveau genre sur ceux qui les vivent. Ce film rappelle avec force que même si le missile est lancée à des milliers de kilomètres de distance, il n’en reste pas moins des morts à l’arrivée et des hommes qui doivent vivre avec la culpabilité de les avoir provoqués. Et rentrer chaque soir retrouver bobonne n’y change rien. Le film est peut-être parfois un peu répétitif, mais le propos est salutaire, très bien construit et parfois passionnant. Il s’agit avant tout d’un film de personnages et ceux-ci sont marquants, aider par le talent de leurs interprètes, Ethan Hawke en premier lieu. Un film fort qui méritait mieux qu’un passage finalement assez discret sur nos écrans.

LES NOTES :

CONNASSE, PRINCESSE DES COEURS : 12,5

GOOD KILL : 14

Le Labyrinthe du Silence aurait pu se heurter aux mêmes limites et aux mêmes critiques que celles qu’a pu connaître un film comme la Rafle en son temps. En effet, l’histoire est romancée, personnalisée, dramatisée au tour de destins individuels quand la problématique concerne tout un peuple. Certes, on a envie d’être exigeant concernant le fond d’un film comme celui-là. Cependant, il ne faut jamais perdre de vue qu’il ne s’agit que d’une fiction, pas d’un documentaire. Pour le passionné d’histoire que je suis, il a soulevé au moins autant de questions qu’il n’a apporté de réponses. Mais n’est-ce pas là la preuve que le film fonctionne ?

D’un point de vue purement cinématographique, le Labyrinthe du Silence est simplement un bon film. Les éléments du récit se dévoilent progressivement avec un vrai sens de la narration qui maintient une tension constante. La réalisation est sobre, mais totalement au service de l’histoire. L’interprétation est impeccable, avec un très beau duo formé par Alexander Fehling et Friedierike Becht. Bref, on s’intéresse à l’histoire et donc au sujet qu’il traite. En ayant pleinement conscience de ses limites en tant que fiction, le film pousse à creuser le sujet, à en savoir plus, à avoir un point de vue d’historien qu’une production cinématographique ne peut de toute façon pas apporter. Il est sans doute dommage qu’une partie du public s’arrête à cette vision fictionnelle. Mais il serait injuste de condamner le film pour cela et surtout d’oublier que ce qu’il apporte vaut déjà inifiment mieux qu’une désespérante ignorance.

LA NOTE : 14/20

Première levée Marvel de l’année, avant Ant-Man et le reboot des 4 Fantastiques, et sûrement la plus attendue (les deux autres font un peu peur à vrai dire). Avengers 2 – L’Ere d’Ultron avait la lourde tâche de venir après un premier volet très réussi, alliant succès commercial et critiques. Mais quand on rassemble les plus grands super-héros dans une même équipe, une équipe occupée régulièrement à sauver le monde des pires menaces, on ne recule pas devant un défi aussi insignifiant !

Avengers 2 – l’Ere d’Ultron confirme une nouvelle fois la qualité du travail d’adaptation de l’univers Marvel sur grand écran. Evidemment ce critère ne concerne que les lecteurs les plus assidus de comics, mais encore une fois, le scénario reprend beaucoup d’éléments fidèles à la bande-dessinée, tout en les revisitant et les modernisant quelque peu. Les fans les plus pointilleux noteront quand même quelques trahisons. A commencer par le titre, qui se réfère à une saga bien précise dont le scénario n’est pas vraiment l’adaptation. Et surtout, l’absence du personnage d’Hank Pym, l’inventeur d’Ultron dans le comics, qui ne sera d’ailleurs pas non plus Ant-Man dont il est pourtant logiquement la première incarnation. Bref, le commun des mortels s’en balance, mais l’amateur éclairé grogne un peu.

Cependant, il ne grogne pas longtemps, noyé sous le flots des scènes d’action spectaculaires qui s’enchaîne à vitesse grand V. C’est d’ailleurs là, la grande force de Avengers 2 – L’Ere d’Ultron. Le film va à l’essentiel. Un peu moins d’humour et de psychologie que dans le premier volet, mais avouons-le, on ne vient pas là pour ça. Mais c’est vrai que les meilleurs des films Marvel sont ceux qui savent ajouter un petit plus à l’action pure. C’est donc là aussi, la plus grande limite de ce film qui ne nous réserve de plus pas vraiment de morceau de bravoure vraiment inoubliable et porteur d’une vraie idée originale. Beaucoup de scènes terriblement spectaculaires, mais qui se ressemblent quelque peu et nous rappellent la scène finale du premier volet. Ce film ressemble donc à une sorte de compilation du meilleur des films Marvel. Mais on sait bien que les artistes deviennent légendes par de grands albums, pas à travers leur best of.

LA NOTE : 13/20