N’ayant pas pu aller voir Django Unchained pour cause de séance complète, je me suis rabattu sur Alceste à Bicyclette. Je préfère vous prévenir, il y a nettement moins d’action. Le duo d’acteurs qui se partagent l’affiche m’avait donné envie, même si j’avais un peu peur que cela finisse en cabotinage insupportable. Au final, il fonctionne plutôt bien. Mais il reste bien des défauts à ce film pour un résultat final plutôt moyen.

Gauthier Valence connaît un grand succès dans son rôle de chirurgien dans une série télévisée. Il rêve néanmoins de montrer une pièce de théâtre, le Misanthrope de Molière. Il souhaite avoir à ses côtés sur scène Serge Tanneur, avec qui il a tourné plusieurs films. Le seul problème est que ce dernier vit désormais reclus sur l’Ile de Ré. Mais comment pourrait-il refuser un rôle qui lui ressemble tant ?

Le premier problème de Alceste à Bicyclette est un réel manque de rythme, causé par trop d’éléments inutiles qui n’apportent rien, mais ralentissent constamment l’intrigue principale. Les personnages secondaires sont notamment trop absents, trop mal utilisés pour que leur intervention soit vraiment justifiée et pertinente. Le meilleur exemple reste la jeune fille qui débute une carrière dans le X, intervenant dans une scène totalement superflue dont on cherche encore l’intérêt. Bref, Philippe Le Guay n’a pas su choisir entre un vrai enrichissement par des intrigues secondaires à la réelle épaisseur et un choix assumé de se concentrer uniquement sur les deux protagonistes principaux. Comme souvent, l’entre-deux ne donne rien de bon.

Le deuxième problème d’Alceste à Bicyclette est que l’intrigue principale en question ressemble plutôt à un simple prétexte au cabotinage des deux acteurs vedettes. Certes, ils le font au final très bien, j’y reviendrai, mais cela aboutit à une conclusion qui n’arrive pas à donner un sens et un intérêt à l’ensemble. On reste un peu sur notre faim car on avait appris à aimer les deux hommes et aurait vraiment apprécié de voir leur performance récompensée par une fin plus convaincante.

Troisième problème, qui découle d’ailleurs quelque peu des deux premiers, est qu’Alceste à Bicyclette n’arrive pas à choisir entre la franche comédie et un propos plus profond. Les deux n’auraient pas été incompatibles, le cinéma français nous a quand même souvent proposé de très bonnes comédies de mœurs. Mais dans le cas qui nous intéresse, aucun des deux aspects n’est vraiment abouti, alourdi par la sensation que Philippe Le Guay cherche désespérément le ton juste.

Par contre, Alceste à Bicyclette m’a fortement envie de me remette au théâtre. Bon, c’est un sentiment qui revient régulièrement chez moi (notamment quand j’y vais…), mais voir les deux hommes répéter, apprivoiser le texte, jouer avec les mots, chercher le ton le plus juste m’a rappelé quelques souvenirs. D’ailleurs, on ressort de ce film avec une folle envie de voir une représentation du Misanthrope ! Ce film, même moyen, vous fera infiniment plus aimer Molière que tous les cours de français du monde.

Ce qui finalement permet à Alceste à Bicyclette d’être un film qui peut se laisser voir un soir de pluie reste le savoureux duo formé par Lambert Wilson et Fabrice Luchini. Il fonctionne à la perfection, notamment parce que le second est vraiment dirigé et ne sombre jamais dans les insupportables cabotinages qu’il nous a parfois proposé. De ce point de vue là, le travail de Philippe le Guay est à saluer. Quant au premier, il fait preuve de sa classe habituelle et elle est éclatante.

Au final, il manque un vrai film autour des deux acteurs principaux. Ces derniers sont excellents mais ne peuvent à eux-seuls donner un profond intérêt à Alceste à Bicyclette.

Fiche technique :
Production : Pathé, les Films des Tournelles, Appaloosa, France 2 Cinéma
Distribution : Pathé distribution
Réalisation : Philippe Le Guay
Scénario : Philippe Le Guay, sur une idée de Fabrice Luchini
Montage : Monica Coleman
Photo : Jean-Claude Larrieu
Décors : Françoise Dupertuis
Musique : Jorge Arriagada
Costumes : Elisabeth Tavernier
Durée : 104 mn

Casting :
Fabrice Luchini : Serge Tanneur
Lambert Wilson : Gauthier Valence
Maya Sensa : Francesca
Laurie Bordesoules : Zoé
Vamille Japy : Christine
Annie Mercier : Tamara
Ged Marlon : Meynard
Christine Murillo : Madame Françon
Josiane Stoléru : Raphaëlle La Puisaye

Premier film événement de l’année 2013, The Master est arrivé sur nos écrans. Très remarqué à la dernière Mostra de Venise, il pourrait offrir à une partie de son casting quelques statuettes lors de la prochaine cérémonie des Oscars. Un long métrage très attendu donc (enfin quand même moins que le nouveau Tarantino, il ne faut pas déconner!), mais qui, autant le dire tout de suite, m’a profondément fait chier… Reste maintenant à expliquer un peu plus en détail pourquoi…

Freddie Quel revient de la guerre dans le Pacifique légèrement perturbé. Enfin plus que légèrement… Instable et violent, il semble partie pour une vie d’errance et d’expédients. Un soir, complètement saoul, il s’embarque clandestinement sur un bateau. Le navire a été loué par Lancaster Dodd, le chef spirituel d’un mouvement appelé la Cause. Ce dernier va prendre Freddie sous son aile… ou plutôt en faire un cobaye.

Aux Etats-Unis, The Master a beaucoup fait parler de lui car l’histoire est largement inspiré par celle du fondateur de la scientologie. Ceci n’a évidemment guère plu à la secte qui a fait enfler la polémique. Paul Thomas Anderson a eu beau contester le parallèle, il est pourtant évident. Si les péripéties du film sont purement fictives, elles font tout de même écho à des situations bien réelles présentes et passées.

Que l’on considère ce film comme une pure fiction ou non, il souffre d’un grave défaut qui m’a laissé en dehors de l’histoire tout du long. Et quand un film dure 2h17, tout du long, c’est très long ! Le personnage principal a certes de bonnes excuses pour être quelque peu perturbé, mais il est avant tout hautement antipathique. Du coup, on a bien du mal à ressentir une forte empathie face à son parcours et tout ce que le gourou va lui faire subir. Peut-être que je n’ai pas de cœur, mais j’avoue que ce film ne m’a tout simplement pas touché. Et vu la nature de l’histoire, cela conduit forcément à un désintérêt certain.

Un autre défaut de The Master est son aspect purement descriptif, pour ne pas dire contemplatif. Certes, Paul Thomas Anderson cherche à dénoncer par l’exemple, mais il ne nous livre pas réellement de point de vue. On peut y voir une force car cela oblige le spectateur à arriver à ses propres conclusions, sachant qu’il a peu de chance de se dire « oh quel chic type ce gourou ! » . D’un autre côté, cela confère à ce film un rythme assez monotone où les évènements s’enchaînent sans sembler nous mener où que ce soit.

Paul Thomas Anderson réalise de toute façon des films qui laissent rarement indifférent (et qui sont généralement assez longs). Personnellement, j’étais plutôt fan, surtout de Punch Drunk Love et There Will Be Blood. En fait, The Master m’a fait la même impression mitigée que Magnolia, que j’avais déjà trouvé particulièrement maîtrisé artistiquement, mais développant un propos qui m’avait personnellement laissé largement indifférent. En fait, la réalisation est peut-être justement trop parfaite, trop académique, pour ne pas dire trop lisse.

En tout cas, Paul Thomas Anderson reste un formidable directeur d’acteurs. Il faut dire qu’il sait toujours s’entourer d’un casting de très haut niveau. Joaquin Phoenix et Phillip Seymour Hoffman ont été justement récompensés à Venise (ce qui a d’ailleurs coûté le Lion d’Or au film, la règle étant de ne pas donner plusieurs prix à un même film). Mais si leur performance est impressionnante, demandant un investissement à la fois mental et physique hors du commun. Cependant, comme tout le reste dans ce film, cela n’arrive pas à dépasser l’admiration pour passer au stade de l’émotion.

Autant le dire, The Master m’a déçu. Un film trop long, trop froid, qui laisse trop le spectateur en dehors de l’histoire pour qu’il puisse vraiment l’apprécier.

Fiche technique :
Production : The Weinstein Company JoAnne Sellar, Ghoulardi Film Company, Annapurna Pictures
Distribution : Metropolitan Filmexport
Réalisation : Paul Thomas Anderson
Scénario : Paul Thomas Anderson
Montage : Leslie Jones, Peter McNulty
Photo : Mihai Malaimare
Décors : Jack Fisk, David Crank
Musique : Jonny Greenwood
Durée : 137 mn

Casting :
Joaquin Phoenix : Freddie Quell
Philip Seymour Hoffman : Lancaster Dodd
Amy Adams : Peggy Dodd
Laura Dern : Helen Sullivan
Jesse Plemons : Val Dodd
Rami Malek : Clark

J’ai été voir Maniac pour trois raisons. D’abord, les bonnes critiques, inhabituelles pour un film de ce genre. Ensuite, ma culture dans ce genre cinématographique connaît de sérieux trous et il y a de nombreux classiques que je n’ai pas vu. Il est donc important de ne pas rater les nouvelles productions susceptibles de le devenir ! Ensuite, je maintiens que la performance d’Elijah Wood dans le Retour du Roi a été bien trop éclipsée par le déluges d’effets spéciaux et d’action. J’ai donc toujours plaisir à le revoir. Trois bonnes raisons… Mais de mon point de vue, un mauvais film…

Frank est un garçon renfermé qui vit seul dans sa boutique, spécialisée dans la réparation de vieux mannequins. Son hobby ? Serial killer, collecteur de scalps de jeunes et jolies jeunes filles. Il faut dire que feu sa maman a un peu perturbé son rapport avec la gente féminine. Mais un jour, il croise la route d’Anna, une photographe qui semble fascinée par son travail et semble pouvoir le comprendre. Pourra-t-il créer une relations normale avec elle ?

Le style de la réalisation de Maniac tient en deux mots : caméra subjective. En effet, le film est tourné comme si les yeux du tueur était la caméra. On passe de temps en temps devant des miroirs pour se rappeler que l’acteur principal est bien Elijah Wood, mais sinon on voit ce qu’il voit, en plus de quelques flashbacks. Le principe n’est pas inintéressant, mais utilisé tout au long de l’heure et demi que dure le film, il devient lassant et on aimerait parfois voir les événements d’une autre façon. Enfin, disons que c’est un parti pris du réalisateur et il va jusqu’au bout, on peut au moins respecter la démarche.

Comme on voit tout ce que voit le tueur, Maniac est particulièrement cru puisqu’il nous permet de voir très en détail les mutilations post-mortem qu’il pratique sur ses victimes. C’est parfois assez gore, âmes sensibles s’abstenir ! Cela en est même parfois dérangeant, mais comme elles se répètent à plusieurs reprises, là aussi l’impact décroit progressivement. Tout comme l’intérêt que l’on porte à cette histoire.

En fait, Maniac se distingue quand même par son personnage principal. Frank est un psychopathe qui aurait pu être beaucoup plus marquant s’il apparaissait dans un meilleur film. Il n’a rien du sadique cruel et sûr de lui, à la Hannibal Lecter. Il est plutôt du genre pauvre type perturbé, qui ne gère pas du tout ses pulsions, mais qui même sans cela ne semblerait pas aller très bien. Le problème est qu’il est strictement impossible de s’y attacher et, comme tout le film nous fait partager son regard, on a bien du mal à profiter du spectacle.

En fait, j’ai surtout trouvé Maniac dérangeant et malsain, mais au final de manière assez gratuite. Le rapport entre le tueur et sa mère fait un peu psychologie de bas étage et n’arrive pas vraiment à donner une épaisseur à tout cela. Visiblement, certains l’ont perçu, moi j’ai surtout trouvé le temps long, pour ne pas dire pénible. En plus, tout cela se prend désespérément au sérieux !

Maniac me conforme par contre dans l’opinion qu’Elijah Wood est un acteur qui mériterait des rôles plus intéressants et surtout mieux dirigés. Ce rôle n’avait rien de facile et il s’en sort de manière convaincante, même si ce n’est pas pour ça que cela rend le personnage plus « aimable » ou le propos plus intéressant. On appréciera aussi le charme discret de la Nora Arzemeder, seul raison de se réjouir dans ce film en fait.

J’ai donc été loin d’apprécier Maniac. Un film qui mal à l’aise comme jamais, mais finalement de manière totalement vaine.

Fiche technique :
Production : Aja/Levasseur Productions, La Petite Reine, Studio 37, Blue Underground, Ciné+
Réalisation : Franck Khalfoun
Scénario : Alexandre Aja, Grégory Levasseur, C.A. Rosenberg, d’après le scénario de Joe Spinell
Montage : Baxter, Franck Khalfoun
Photo : Maxime Alexandre
Distribution : Warner Bros Entertainment France
Musique : Rob
Durée : 93 mn

Casting :
Elijah Wood : Frank
Nora Arnezeder : Anna
Sammi Rotibi : Jason
America Olivo : la mère de Frank
Liane Balaban : Judy
Freedom : le policier

Les chiens ne font pas des chats, mais parfois un peu quand même. La famille Renoir peut en fait illustrer les deux versions du proverbes. En effet, on peut considérer qu’un immense artiste a engendré un immense artiste, ou bien qu’un peinte a engendré un cinéaste. Comme quoi tout est relatif, comme dirait Albert. En tout cas, toute cette belle famille nous a donné un bien beau film pour débuter l’année, sobrement intitulé Renoir.

Au cœur de la guerre 14-18, la jeune et belle Andrée se rend à la propriété d’Auguste Renoir, désormais perclus de rhumatismes, pour proposer ses services comme modèle. Dans la maison, les domestiques et le jeune fils du maître lui font vite comprendre qu’il s’agit d’un emploi qui l’emmènera très certainement dans le lit du peintre. Mais c’est sans compter le retour de Jean, blessé à la cuisse au cours du conflit.

Renoir est un film aux thématiques nombreuses et riches. Il faut dire qu’avec deux tels personnages, il y a de quoi faire. Certes à cette époque, Jean Renoir n’était qu’un simple soldat convalescent qui rêvait vaguement de cinéma. Mais cela n’empêchera pas très vite de voir naître une rivalité entre le fils et le père. La belle Andrée en sera bien sûr le catalyseur, mais le propos va plus loin, car le thème de la figure paternel écrasante existe même sans la jeune fille.

Mais Renoir est bien plus qu’un simple triangle amoureux ou un énième film sur les relations père-fils. Il nous parle aussi de rapports sociaux, du poids des convenances, du désir d’émancipation, de la déchéance physique ou à l’inverse des ambitions et des rêves de jeunesse. Mais il parle aussi évidemment avant tout de l’acte de création. Et on ne peut que constater encore une fois que ce processus est particulièrement cinégénique. On ne compte plus les beaux films qui font leur élément central (Frida, Séraphine, Ivre de Femmes et de Peintures…). On en a un nouvel exemple ici.

On peut cependant reprocher à Renoir un léger aspect contemplatif qui nuit quelque peu au rythme du film. On ne s’ennuie pas vraiment, mais le scénario offre un long moment de flottement en son milieu où ni la situation, ni les personnages n’évoluent vraiment, ou du moins assez lentement. Le film n’est pas spécialement long, il est très riche, mais on peut cependant trouver que le propos manque quelque fois un peu d’épaisseur. Mais comme chacun trouvera une thématique qui lui parle, on peut tout de même apprécier ce film pour de multiples raisons.

On peut également apprécier Renoir parce que c’est un beau film. Il est évidemment difficile de parler de peinture et de création artistique, si les images ne possèdent pas elles-mêmes des qualités esthétiques. La réalisation de Gilles Bourdos reste sobre, mais surtout subtile. Il arrive à nous faire saisir ce qui charme le regard du grand peintre. Des paysages bien sûr, mais aussi et même surtout le corps de la belle Andrée. La caméra épouse la vision de l’artiste, une vision partagée entre désir primaire et l’amour de ce qui est tout simplement beau. Cela passe aussi d’ailleurs par de très bons dialogues.

Renoir nous propose une vraie révélation en la personne de Christa Théret que l’on avait découvert il y a quelques années dans le sympathique Et Toi, t’es Sur Qui ? En plus d’être tout simplement sublime, elle dégage un charisme sur lequel repose une large partie du film. Sa carrière devrait prendre une nouvelle dimension et méritera d’être suivie. On ne n’en dirai pas autant de Vincent Rottiers dont la performance est convaincante, mais sans être particulièrement brillante. Tout cela sous le regard d’un Michel Bouquet qui ne rajeunit pas et qui, après le Promeneur du Champs de Mars, nous livre encore une fois une interprétation sublime d’un personnage historique au crépuscule de sa vie.

Renoir confirme que peinture et cinéma font toujours bon ménage. Un beau film sur la création et l’amour. Mais peut-il exister l’un sans l’autre ?

Fiche technique :
Titre : Renoir
Réalisation : Gilles Bourdos
Scénario : Gilles Bourdos, Michel Spinosa et Jérôme Tonnerre
Directeur de la photographie : Mark Ping Bing Lee
Montage : Valérie Deloof, Cyril Holtz et Yannick Kergoat
Direction artistique : Elsa Pharaon
Musique : Alexandre Desplat
Production : Olivier Delbosc et Marc Missonnier
Producteur exécutif : Christine De Jekel
Durée : 1 h 51

Casting :
Michel Bouquet : Auguste Renoir
Christa Theret : Andrée Heuschling
Vincent Rottiers : Jean Renoir
Thomas Doret : Coco
Romane Bohringer : Gabrielle
Michèle Gleizer
Carlo Brandt : Dr Prat
Hélène Babu : Odette
Stuart Seide : Dr Barnes
Paul Spera : Secrétaire de Barnes

Pour toucher du doigt la perfection, il faut beaucoup de travail et d’entraînement. Pour livrer un pur chef d’œuvre du 7ème art comme The Dark Knight, il fallait bien quelques brouillons de bien moindre qualité. Ils aurait pu rester à jamais sur le papier ou bien être tout de même porté sur pellicule. Ce fut le cas de Batman Begins, un film où Christopher Nolan explore les origines de l’homme chauve-souris. Et le fait assez mal…

Bruce Wayne croupit au fond d’une geôle asiatique, après avoir fui un Gotham City rongé par la corruption, qui a vu le meurtrier de ses parents sortir prématurément de prison. Il est libéré par l’intermédiaire d’un mystérieux personnage qui lui propose de le mettre à l’épreuve pour voir s’il est digne de poursuivre un entraînement lui procurant la force de combattre le mal. Mais les intentions de son maître d’arme apparaissent vite beaucoup plus ambiguës qu’il n’y paraît.

Batman Begins est divisé en deux aspects bien distincts. Le premier est la manière donc le jeune Bruce Wayne est devenu Batman, comment il a crée son propre personnage et pourquoi il s’est placé sous le signe de la chauve-souris, animal qui ne fait pas vraiment rêver à la base. Tous les fans plus ou moins absolus de ce super-héros seront heureux de voir comment tout cela a commencé, car il est vrai que ses origines sont moins célèbres que celles d’un Superman ou d’un Spiderman.

Mais à côté de ça, il faut bien que ce héros débutant soit confronté à des premiers ennemis et une première menace planant sur Gotham. Et c’est là que les choses se gâtent ! Cet aspect de Batman Begins n’a pas le temps d’être assez développé pour être vraiment intéressant. Du coup, cela donne l’impression d’être là juste pour que le film soit assez long. Les méchants n’ont pas de profondeur et laissent passablement indifférents. Il est vrai que rien ne peut rivaliser avec le Joker de The Dark Knight, mais le mal est plus profond. Le récit, au moins dans cette partie, est tout simplement médiocre.

Je mentirai si je disais que je me suis ennuyé devant Batman Begins. Il se passe toujours quelque chose, les scènes d’actions sont nombreuses et souvent spectaculaires. Mais il manque vraiment uns souffle épique pour que tout cela prenne véritablement une autre dimension. Même notre héros avec des allures de jeune premier hésitant ne nous séduit pas, car on l’aime généralement pour sa noirceur et son ambiguïté qui ne sont qu’esquisser.

Il faut cependant regarder Batman Begins pour ce qu’il est désormais, c’est à dire la première partie d’une trilogie tout de même magnifique dans son ensemble. Ces débuts sont moyens mais posent bien les fondations qui permettront à The Dark Knight et The Dark Knigth Rises de voir le jour et de donner à la vision de Christopher Nolan toute sa profondeur et tout son impact. J’aurais sûrement encore moins aimé ce film si je l’avais vu avant les autres et non après. Mais tout de même, il reste trop de faiblesses et d’insuffisances pour être totalement magnanime.

A l’image de son réalisateur, Christian Bale semble un peu hésitant dans son costume de chauve-souris. En fait c’est tout le casting de Batman Begins qui, comme le film dans son ensemble, ne semble jamais vraiment convaincu par ce qu’il joue et donc jamais vraiment convaincant. Liam Neeson nous livre encore un rôle de mentor et ce n’est sûrement pas son meilleur. Katie Holmes est bien gentillette mais un peu transparente. Seul Cillian Murphy arrive à mettre un peu de folie et de conviction dans son personnage.

Batman Begins ne laissait donc pas présager l’immense réussie qu’allait représenter la trilogie de Christopher Nolan. Avec un peu de recul, les prémisses étaient bien là… Mais trop isolés dans des éléments bien trop médiocres…

Fiche technique :
Production : Syncopy
Distribution : Warner Bros.Pictures
Réalisation : Christopher Nolan
Scénario : Christopher Nolan et David S. Goyer
Montage : Lee Smith, A.C.E
Photo : Wally Pfister, A.S.C
Décors : Nathan Crowley
Son : David G. Evans, Stephan Henrix
Musique : Hans Zimmer, James Newton Howard
Effets spéciaux : Janek Sirrs, Dan Glass
Costumes : Lindy Hemming
Maquillage : Peter Robb-King
Directeur artistique : Simon Lamont
Durée : 139 mn

Casting :
Christian Bale : Bruce Wayne / Batman
Michael Caine : Alfred
Liam Neeson : Ducard
Katie Holmes : Rachel Dawes
Gary Oldman : Jim Gordon
Cillian Murphy : Dr. Jonathan Crane
Tom Wilkinson : Carmine Falcone
Rutger Hauer : Earle
Ken Watanabe : Ra’s Al Ghul
Morgan Freeman : Lucius Fox

Connaître un certain succès à l’international avec un film français offre peut offrir un billet pour les Etats-Unis à un réalisateur de chez nous. Ce fut le cas il y a deux ans d’Olivier Dahan qui après la Môme, récompensé par un l’Oscar de la meilleure actrice, avait réalisé le bien trop anonyme My Own Love Song, avec notamment Renée Zellweger. C’est au tour de Laurent Cantet, qui avait remporté la Palme d’Or à Cannes avec Entre les Murs, de traverser l’Atlantique pour nous proposer Foxfire, Confessions d’un Gang de Filles. Un film dont les grandes qualités se diluent malheureusement dans une longueur inutile.

Dans les années 50 et une petite ville de l’Amérique profonde, la condition féminine n’est pas la plus enviable qui soit. Un groupe d’adolescentes, emmené par la charismatique Legs, va former une société secrète qui visera à les émanciper et à se venger des humiliations qu’elles subissent. Elles décident même de louer une maison pour y vivre toutes ensemble. Mais elles vont surtout se heurter très vite à la réalité.

Je ne déflorerai pas le suspense en indiquant que Foxfire, Confessions d’un Gang de Filles repose sur le schéma classique de la construction d’un groupe, d’une utopie avant de voir naître les tensions qui vont aboutir à son délitement. Le film est raconté en flash-back et il est immédiatement précisé que tout cela finira assez mal. Il n’y a donc pas de volonté de créer un faux suspense à ce niveau-là. Le scénario n’a donc rien de surprenant, ni de radicalement original. Même le fait que les protagonistes soient des adolescentes le rapproche de 17 filles sorti il y a un an.

Il est donc dommage que le film soit si long. 2h23, c’est quasiment une bonne demi-heure de trop. Foxfire, Confessions d’un Gang de Filles connaît une sorte de trou d’air narratif entre l’installation du groupe et le dénouement qui aboutira à son éclatement. Certes, on partage le quotidien et on voit certains tensions monter, mais on reste quand même longtemps sur un certain status quo. Et le status quo en cinéma, ce n’est jamais très bon, très longtemps.

Cependant, Foxfire, Confessions d’un Gang de Filles restera tout de même comme un des premiers bons films de l’année 2013. Je trouve les critiques un tantinet dithyrambique, mais il est vrai que si le film se traîne un peu, il ne nous entraîne jamais vers l’ennui. Le propos est quand même remarquablement traité. Cela reste avant tout un film de personnages et le portrait de ces jeunes filles est vraiment réussi. Elles nous sont présentées à travers leurs actes, jamais le film n’est contemplatif ou bien introspectif. Certes, la narratrice nous fait part de réflexion personnelle, mais elles restent ténues et n’alourdissent en rien l’intrigue.

Laurent Cantet nous fait étalage ici d’aspects de son talent qu’on ne lui connaissait pas encore. En effet, Foxfire, Confessions d’un Gang de Filles est un film situé dans l’Amérique profonde des années 50 et a donc nécessité un travail important de reconstitution des décors et des costumes. La photographie est elle aussi soignée, afin de recréer une ambiance visuelle collant avec l’époque. On est très loin de l’aspect documentaire de Entre les Murs, mais a au contraire nécessité une grande maîtrise artistique.

Foxfire, Confessions d’un Gang de Filles demeure tout de même une réussite grâce à son magnifique casting. Les personnages jouent un rôle trop central pour qu’on puisse pardonner une faiblesse à ce niveau là. On saluera en particulier trois des jeunes filles : Katie Coseni, Madeleine Bisson et surtout Raven Adamson qui interprète la leader du groupe avec un charisme sans lequel son personnage n’aurait pas été crédible une seule seconde. Incontestablement un nom à suivre !

Foxfire, Confessions d’un Gang de Filles est donc un bon film, mais aurait pu être un grand film avec plus de rythme. Il aurait alors eu le souffle qui lui manque parfois par moment, sans pour autant jamais nous mener jusqu’à l’ennui.

Fiche technique :
Production : Haut et Court, The Film farm, France 2 Cinéma
Distribution : Haut et Court
Réalisation : Laurent Cantet
Scénario : Laurent Cantet, Robin Campillo, d’après le roman de Joyce Carol Oates
Montage : Sophie Reine
Photo : Pierre Milon
Musique : Timber Timbre
Durée : 143 mn

Casting :
Raven Adamson : Legs
Katie Coseni : Maddy
Madeline Bisson : Rita
Claire Mazerolle : Goldie
Paige Moyles : Lana
Lindsay Rolland-Mills : VV
Alexandria Ferguson : Marsha
Chelsee Livingston : Agnès
Tamara Hope : Marianne