Cannes, Venise et Berlin sont les trois villes qui accueillent les plus prestigieux festivals cinématographiques internationaux. Mais il est vrai que c’est sans doute le troisième qui bénéficie de la plus faible notoriété et qui a l’impact sur le public le plus limité. Au moins chez nous. Pour preuve, la disparition en tout juste deux semaines des écrans de Corps et Ame qui a pourtant remporté l’Ours d’Or en 2017. Un échec retentissant donc, mais surtout totalement incompréhensible.
Corps et Ame aurait pu être un film tout ce qu’il y a des plus banal. Une histoire d’amour, pour ne pas dire une comédie romantique, entre deux êtres singuliers et un peu paumés. La trame narrative sous-jacente est donc extrêmement classique, pour ne pas dire éculée. Mais se pose sur celle-ci des éléments qui le sont pas du tout, bien au contraire. Les personnages d’abord, mais aussi le décor ou les différentes étapes qui vont jalonner ce parcours amoureux, tout est marqué par une réelle audace et qui est à chaque fois pleinement récompensée. Le tout est au final parcouru d’une sublime poésie, d’un brin d’humour savoureux, d’un rien de mélancolie et d’une infinie tendresse.
Corps et Ame bénéficie également d’une mise en scène d’une rare élégance. Le film est beau, dans tous les sens du terme. Il bénéficie aussi de l’interprétation magnifique de ses deux acteurs principaux, qui nous font pleinement croire à cette histoire aussi touchante qu’incroyable. Tout cela concourt à un résultat où chaque élément sublime l’autre. Ce film est infiniment plus que la somme de ses parties. Il mérite surtout pleinement son Ours d’Or et certainement pas cette indifférence incroyable et déplorable du public. Cette fois, c’est clair, il n’a pas toujours raison !
LA NOTE : 15/20
Fiche technique :
Réalisation : Ildikó Enyedi
Scénario : Ildikó Enyedi
Photographie : Máté Herbai
Montage : Károly Szalai
Musique : Ádám Balázs
Durée : 116 minutes
Casting :
Géza Morcsányi : Endre,
Alexandra Borbély : Mária Rácz
Zoltán Schneider : Jenő
Ervin Nagy : Sanyi
Tamás Jordán : thérapeute pour enfants de Mária
Zsuzsa Járó : Zsuzsa
Réka Tenki : Klára
Júlia Nyakó : Rózsi
Itala Békés : Zsóka
Éva Bata : Jutka Köves
Pál Mácsai : enquêteur
Carré 35 véhicule cependant une émotion hors du commun. On n’en ressort pas indemne, le coeur et l’esprit en vrac. La narration, si elle reprend les étapes de la recherche d’Éric Caravaca, maintient un vrai « suspense » au-delà de l’émotion brute. Impossible donc de rester indifférent face à ce film, témoignage d’une rare intensité. On ne regrette donc pas qu’Eric Caravaca se soit lancé dans cette démarche singulière qui marquera profondément tous ceux qui auront vu ce film.
La bonne surprise de Thor : Ragnarok vient de Chris Hemsworth. Il confirme un talent comique qu’on avait déjà aperçu dans le remake de Ghostbusters. Il arrive à rendre son personnage beaucoup plus sympathique et moins monolithique que d’habitude. Il apporte une vraie touche de fraîcheur. Autre satisfaction, la bande-originale, très rock, qui porte les scènes les plus spectaculaires. La musique est sûrement l’élément qui apporte quelques frissons fugaces au spectateur. Pas assez pour en redemander encore et encore, mais assez pour attendre avec une réelle impatience le prochain Avengers, dont ce film n’est qu’une vague introduction.
Evidemment, en nous livrant les faits de façon direct, pour ne pas dire brutal, Kaouther Ben Hania ne peut qu’inspirer la révolte chez le spectateur, face à une situation aussi abjecte. L’absence total de recul, de perspective, de réflexion ne constitue pas forcément un problème en soi, c’est un choix de narration, mais elle limite forcément la portée du film. On ne mesure pas bien à quel point ce qui nous est présenté est un cas extrême ou bien est vraiment révélateur de l’état de la société et des institutions tunisiennes. La Belle et la Meute ne peut évidemment pas laisser indifférent, mais on reste dans une émotion comme face à un fait divers tragique. Une émotion forte, mais une émotion qui passe.
Cette pause de 4 ans n’a en rien rouillé l’œil de grand réalisateur que possède Steven Soderbergh. Le style reste le même, parfaitement reconnaissable, mais difficilement imitable tant il demande une grande maîtrise du montage notamment. Il reste également un formidable metteur en scène, dirigeant de main de maître un casting particulièrement riche. Logan Lucky offre notamment un rôle à contre-emploi à Daniel Craig, mais qui lui va au final comme un gant. On sent bien que toute la distribution s’éclate à faire vivre cette histoire et ses protagonistes qu’ils incarnent. Cet enthousiasme se transmet au spectateur qui ne regrette sûrement pas d’être venu voir ce film léger certes, mais ô combien réjouissant.
Le talent d’Albert Dupontel irradie de partout dans Au Revoir Là-Haut. S’il ne peut revendiquer qu’une petite partie de la qualité d’écriture dont bénéficie ce film, il ne faut pas non plus penser que le travail d’adaptation est un travail facile. Mais là où son mérite est incontestable, c’est dans une mise en scène brillante, sachant créer des atmosphères aussi différentes que les sentiments qu’elles véhiculent. Il parvient surtout à mettre sublimement en lumière personnages et donc comédiens, au premier rang desquels Nahuel Perez Biscayart qui après 120 Battements par Minute, fait une entrée fracassante au firmament du cinéma français ! Albert Dupontel y siège depuis longtemps, mais semble avoir encore gagné en altitude. Il est bien là-haut, tout là-haut !
The Square fait partie de ces films dont on ressort sans vraiment savoir si on l’a adoré ou détesté. Si l’oeuvre est audacieuse ou juste intellectuellement prétentieuse. Mais malgré sa longueur, le film n’ennuie jamais le spectateur. La diversité des séquences s’accompagne d’un sens de l’esthétisme particulièrement affûté. Photographie, mise en scène, mais aussi direction d’acteurs sont largement du niveau d’une Palme d’Or. Mais au final, le film échoue à être aussi génial que ce qu’il aurait du être. On ne peut que saluer ses qualités, sans pour autant dépasser le stade de l’admiration raisonnable.
J’imagine que le style graphique de Zombillénium correspond à celui de l’œuvre d’Arthur de Pins dont il est adapté. Au final, il n’est ni beau, ni laid. Il semble hésiter entre un trait vraiment « dessin » et une image qui soit clairement « de synthèse ». Cela donne un résultat relativement impersonnel et assez passe-partout, qui permet de se concentrer pleinement sur l’histoire, sans pour autant apporter un vrai plus au film. On n’a pas vraiment de quoi se plaindre, mais on reste tout de même en droit de le regretter.
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