La grossesse constitue une source inépuisable d’inspiration pour les scénaristes. Cette période particulière de l’existence est à l’origine avant tout de comédies. Mais ces dernières peuvent aussi comporter un peu de gravité, de profondeur et de réflexion sur la société. Diane A les Epaules est une comédie des mœurs, au sens le plus littéral du terme. Un genre cinématographique qui tient une place particulière dans le 7ème art français. Un film réussi qui prouve qu’il y a souvent du bon dans les traditions.
Diane A les Épaules reste avant tout une comédie romantique. Au fond, la réflexion sur l’homoparentalité ou bien sur l’attachement d’une mère à son enfant n’est qu’un enrobage autour de tout ça. Mais il est vrai que c’est ce dernier qui permet au film de se démarquer et de devenir intéressant. La réflexion est pertinente, même si elle n’est pas non plus d’une portée exceptionnelle. Elle forme cependant un excellent complément aux aspects plus légers, pour former un tout à la fois distrayant et intelligent.
La qualité de Diane A les Epaules tient beaucoup au charme particulier de Clotilde Hesme. Elle arrive à rendre son personnage terriblement attachant, tout en lui donnant une complexité qui ne la rend pas que sympathique. En tout cas, à l’instar de celle qu’elle incarne, elle a les épaules pour porter le film sur celles-ci. Au final, Fabien Gorgeart signe un premier film réussi, à défaut d’être totalement inoubliable.
LA NOTE : 12,5/20
Fiche technique :
Réalisation : Fabien Gorgeart
Scénario : Fabien Gorgeart
Photographie : Thomas Bataille
Montage : Damien Maestraggi
Décors : Cyril Gomez-Mathieu
Costumes : Céline Brelaud
Musique : Guillaume Baurez
Producteur : Jean des Forêts
Durée : 87 minutes
Casting :
Clotilde Hesme : Diane
Fabrizio Rongione : Fabrizio
Thomas Suire : Thomas
Grégory Montel : Jacques
Alice Butaud : Amélie
Olivier Rabourdin : l’hypnothérapeute
Victor Pontecorvo : le pompier
Ian McCamy : l’Irlandais
Happy Birthdead est aussi particulièrement sympathique parce que les personnages le sont aussi. Le film détourne les clichés de la vie sur les campus des universités américaines, avec une ironie réjouissante. Il est vrai que l’aspect un peu moralisateur (mais qui n’était pas absent dans Un Jour Sans Fin) est lui assez prévisible et présente un côté obligatoire un peu lourdingue. Il est vrai que le film aurait peut-être gagné à être plus mordant et politiquement incorrect. C’est peut-être là qu’il oublie de devenir un film culte. Cependant, c’est quand même loin d’être donné à tout le monde.
La forme est aussi particulièrement sobre. Elle met en avant en premier lieu les paysages parfois sublimes… ou au contraire témoignage d’un pays quelque peu sinistré. Khibula permet donc de voyager et est souvent particulièrement dépaysant. A côté de ça, l’interprétation est sobre mais toujours juste et la mise scène parfois un peu austère. Au final, je ne me suis pas ennuyé une seule seconde, j’ai eu l’impression d’effectuer de réelles découvertes. Mais pas de là à dire que j’ai été réellement enthousiasmé.
En effet, au final, ce qu’on peut reprocher à Prendre le Large est ne pas avoir su traiter les sujets qu’il aborde de manière réellement convaincante. La recherche de soi-même est un thème relativement universel et intemporel et le voyage est effectivement une manière de la mener. Le cinéma regorge de ce genre d’itinéraire. Celui suivi par Sandrine Bonnaire n’est pas porteur d’une réflexion à même de bouleverser le spectateur. Le film en reste donc au stade du film de personnage. Cet aspect est cependant assez réussi néanmoins pour permettre au spectateur de ne pas regretter cette rencontre et ce voyage.
On retrouve en tout cas la caméra particulièrement élégante de Todd Haynes. Mais comme trop souvent chez lui, l’esthétisme prend un peu le pas sur la force des émotions. C’est beau, mais toujours un peu froid et lisse. Le Musée des Merveilles ne parle pas assez au cœur pour être vraiment marquant. C’est dommage car les jeunes acteurs et actrices sont en tout point remarquables et font au moins naître un vrai attachement pour les personnages. Mais certains liens sont fragiles et ceux qui nous relient aux protagonistes de cette histoire s’effilochent aussitôt que l’on est sorti de la salle. Cependant, les liens éphémères en valent bien d’autres.
Vous l’aurez compris, Justice League, c’est avant tout un grand spectacle grand-guignolesque et c’est tout. Mais grâce à un méchant assez badass, on se met à suivre ça sans un certain plaisir. Pas d’enthousiasme et toujours une légère envie de revoir tous les films Marvel à la place, mais tout de même. Comparé à l’ennui profonde dans laquelle nous plongeait pendant deux heures Batman vs Superman, on savoure ce moment d’inertie cérébrale. On en ressort, on rallume son cerveau, on se dit que c’était quand même bien nul, mais avec un petit sourire coupable d’avoir quand même un peu aimé…
L’immense talent de Karin Viard ne peut pas tout. Son interprétation est magistrale et parvient à rendre son personnage parfois drôle, même s’il reste avant tout pathétique, quand il n’est pas carrément antipathique. On ressort donc de Jalouse avec beaucoup de regrets. Regrets de voir une telle performance d’actrice gâchée par un scénario aussi médiocre. Regrets aussi il faut bien dire d’avoir un peu perdu son temps devant ce film raté.
Reste enfin ce qui fâche vraiment. Malgré tous les efforts de réalisation, dès que les acteurs sont raquette en main, ils perdent toute crédibilité. Ça ne fonctionne pas, on n’y croit pas une seconde et seul le scénario de cette finale mythique apporte un peu d’intérêt à cette représentation. On réalise alors que c’est le sport qui nous fait vibrer, non le cinéma. Au final, Borg vs McEnroe n’est pas totalement déplaisant, sans pour autant réellement valoir le détour.
Finalement, la principale force ou la principale faiblesse réside dans son personnage principal. Force par l’interprétation intense de Joaquin Phoenix, qui incarne de toute façon rarement ses rôles à moitié. Il parvient à nous faire oublier l’ambiguïté du personnage, mais qu’on ne peut pas non plus totalement ignorer. Si on regarde objectivement le contenu de A Beautiful Day, on s’aperçoit vite qu’il s’agit avant tout d’un spectacle un peu vain. Malgré tout le talent mis dans la forme nous donne tout de même quelques raisons d’apprécier ce film.
Si la forme de The Secret Man – Mark Felt est classique, elle n’en est pas moins brillante. Le talent et le charisme de Liam Neeson joue un grand rôle mais tout ne se résume pas à ça. La réalisation et la manière dont l’histoire est racontée contribuent à la réussite du film. Certes, on s’y perd un peu entre les personnages mais la narration à le mérite de rendre cet inconvénient mineur et de ne jamais perdre le spectateur. Un spectateur qui sort donc ravi de la salle, avec le sentiment d’avoir eu du nez en allant voir ce film.
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