Le combat pour l’égalité homme/femme se joue pour une part importante au sein des entreprises. On pense immédiatement à l’égalité salariale. Mais il existe d’autres enjeux. On souligne souvent l’absence quasi totale de femmes à la tête des entreprises du CAC 40. C’est sur ce constat qu’est basé Numéro Une. Un film sur l’univers impitoyable des affaires et sur la manière dont les hommes cherchent à conserver l’exclusivité du pouvoir. Un film qui prend une résonance particulière dans le contexte actuel, même si les sujets sont bien distincts.
Numéro Une aurait pu être un film tout ce qu’il y a des plus classiques sur les jeux de pouvoir et d’influence et toutes les extrémités dont certains sont capables pour garder leur position dans l’ordre des choses. Lui donner une dimension féministe lui donne étonnamment un relief, un intérêt et un originalité supplémentaire. Etonnamment car cela permet de réaliser à quel point le sujet a pour l’instant été largement oublié par le cinéma français. Un des grands mérites de ce film est de réparer cet oubli.
Numéro Une est d’autant plus méritant qu’il est aussi maîtrisé et réussi. Emmanuelle Devos éclabousse l’écran comme à son habitude et sa présence constitue une raison à elle seule d’aller voir ce film. On retrouve globalement la science de la narration de Tonie Marshall qui sait raconter son histoire comme un polar et maintient donc une vraie tension narrative du début à la fin. Certes, le film n’est pas parfait, manque parfois d’une réelle audace, comme si la réalisatrice avait peur de desservir son sujet en prenant des risques. C’est dommage, mais ce n’est pas une raison de bouder ce film.
LA NOTE : 13/20
Fiche technique :
Production : Tabo Tabo Films, Versus productions, France 3, Noodles production
Distribution : Pyramide
Réalisation : Tonie Marshall
Scénario : Tonie Marshall, Marion Doussot, Raphaëlle Bacqué
Montage : Marie-Pierre Frappier
Photo : Julien Roux
Décors : Anna Falguières
Musique : Mike Kourtzer, Fabien Kourtzer
Durée : 110 min
Casting :
Emmanuelle Devos : Emmanuelle Blachey
Suzanne Clément : Véra Jacob
Richard Berry : Jean Beaumel
Sami Frey : Henri Blachey
Benjamin Biolay : Marc Ronsin
Francine Bergé : Adrienne Postel-Devaux
Anne Azoulay : Claire Dormoy
John Lynch : Gary Adaùs
Jérôme Deschamps : le P-DG
Il y a longtemps que Marina Foïs a quitté son statut d’actrice comique, on n’est plus du tout surprise de la voir aussi à l’aise dans un tel rôle. Mais on ne peut que constater que sa présence à l’écran apporte un vrai plus. Elle est parfaitement secondée par tout le casting post adolescent, avec le jeune Matthieu Lucci, vraie révélation. Au final, l’Atelier n’est peut-être pas le film le plus abouti et le plus passionnant de Laurent Cantet. Mais il livre une œuvre qui sait résister à tous les raccourcis qu’il aurait pu facilement emprunter pour nous offrir au final une ambiguité ni noire, ni blanche, mais grise. Bref, comme dans la vraie vie.
Les mérites de Fabrice Eboué n’en restent pas moins multiple. Au-delà d’une réelle qualité d’écriture, il a su aussi diriger un casting qui aurait pu vite partir dans le cabotinage insupportable. Finalement, Coexister forme un tout supérieur à la somme des petits numéros de chacun. Toutes les parties du film ne se valent pas, mais il y a assez de rythme pour vite passer à un passage plus réjouissant et drôle. On peut voir de nombreuses limites à ce film, mais au moins Fabrice Eboué a osé. Voilà une audace salutaire dont on peut le remercier !
Téhéran Tabou reste avant tout une fiction où l’on suit le destin parallèle de différents personnages. Il y a une réelle volonté de démonstration sur l’infinie hypocrisie qui traverse la société iranienne à propos du sexe. Mais ce n’est pas une démonstration sur tableau noire, mais par l’exemple. Elle n’en est pas moins éclairante et convaincante. On s’attache aux protagonistes tout en découvrant avec effarement ce à quoi ils sont soumis. Cela rend le film réellement passionnant. Un peu attristant aussi.
Mais ne désespérons pas totalement car tout n’est pas à jeter dans Kingsman : Le Cercle d’Or. En effet, il nous offre quand même deux raisons de se réjouir. Tout d’abord, le surprenant mais jouissif caméo d’Elton John. On peut même parler de second rôle, car il intervient assez longuement dans l’histoire dans son propre rôle. S’il y a un élément humoristique qui fonctionne dans ce film, c’est bien celui-là et cela fait toujours plaisir de voir une telle star capable d’un peu d’autodérision. Enfin, la dernière scène d’action filmée en long plan séquence reste quand même particulièrement délectable. Elle montre aussi que les nouvelles technologies de trucages peuvent aussi servir le cinéma en élargissant les possibilités de mise en scène. Cependant, cela ne suffit pas à sauver le film. Espérons que le troisième volet qui pointe lors du dernier plan sera d’une toute autre valeur.
Detroit fait partie de ces film traversé du début à la fin par une tension qui vous cloue à votre fauteuil. Chaque moment de calme semble annoncer une tempête à venir et ces dernières ne manquent pas de se déchaîner régulièrement. Ce sens du rythme et de la narration est une autre marque de fabrique de Kathryn Bigelow et elle nous offre une nouvelle démonstration de son immense talent en la matière. Elle n’est pas maladroite non plus dans la direction d’acteurs. J’ignore quelle carrière aura au final Will Poulter, mais il est quasiment certain qu’elle devra beaucoup à ce film, dans lequel il livre une performance tout à fait oscarisable. Mais il n’y a pas que lui qui soit dans ce cas… Le film l’est clairement et Kathryn Bigelow peut espérer d’entrer dans le cercle restreint des réalisateurs multioscarisés.
Du côté du scénario, Blade Runner 2049 est aussi réussi, mais connaît quelques limites. Si on entre le cerveau le premier dans l’histoire, on en ressort un peu frustré. L’histoire est finalement assez linéaire et se termine sans apporter de réponse à une foule de questions qui restent ouvertes. Ce ne constituerait pas forcément un problème en soi, si le film ne faisait pas près de 3 heures. Le rythme de narration est lent. Cela donne un style et une personnalité (et reste fidèle à l’œuvre de Ridley Scott) au film, mais au final un soupçon de rythme supplémentaire n’aurait pas été du luxe. S’il serait dommage de bouder son plaisir, on se dit que Denis Villeneuve est passé tout près du chef d’œuvre. Mais le pari reste tout de même réussi haut la main.
La multiplicité des personnages permet à Eric Toledano et Olivier Nakache de donner du rythme à leur récit. Et on sait à quel point le rythme est capital pour qu’une comédie fonctionne. Les séquences s’enchaînent et si une d’entre elles vous laissent froid, elle laissera vite la place à une autre qui vous arrachera un grand sourire. Le Sens de la Fête est à ce titre un modèle dont bien des réalisateurs français devrait s’inspirer. Si on ajoute à tout ça un casting prestigieux, mais parfaitement mis en valeur, avec un Jean-Pierre Bacri inspiré comme rarement, on ne peut que savourer cette friandise cinématographique succulente.
Le style d’Andrey Zvyagintsev peut rebuter. La narration est notamment très lente. L’histoire avance en faisant des cercles, se répétant tout en progressant malgré tout. Faute d’Amour n’a pas vraiment de longueurs à proprement parler. Il s’agit d’un vrai choix artistique de réalisation, auquel on adhère ou pas, mais qui colle merveilleusement bien avec le propos. La performance des deux acteurs principaux est aussi à saluer car jouer l’absence d’émotion est parfois plus difficile que d’incarner l’une d’entre elles. On ressort de ce film réellement troublé, prouvant que l’indifférence ne laisse pas toujours indifférent.
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