La guerre d’Indochine constitue sûrement un des moments de notre histoire les plus méconnus. Trop lointain, trop peu glorieux sans doute. Le cinéma français n’a pas fait beaucoup pour combler cette ignorance. En tout cas, rien à voir avec la manière dont les Etats-Unis portent à l’écran les conflits dans lesquels ils sont été engagés. Les Confins du Monde comble un peu de ce manque en nous plongeant dans la guérilla qui a suivi le départ des Japonais de la péninsule indochinoise. Il nous en livre une vision crue qui s’appuie surtout sur ce qui a pu animer ce qui ont vécu ce conflit.
Il existe plusieurs façons de filmer la guerre. Soit on s’intéresse à l’Histoire, avec un grand h et on décrit les événements dans leur globalité, y compris les enjeux géopolitiques qui sous-tendent toujours un conflit. Les Confins du Monde fait un tout autre choix. On est très loin d’une leçon magistrale d’histoire. C’est à travers des destins individuels que l’on va plonger dans cette guerre qui n’en est pas encore tout à fait une. Une plongée dans l’âme de soldats, des âmes rongées par ce qu’ils vivent, parce qu’ils voient, par ce qu’ils font. La plongée se fait sans fard, alors elle raisonne avec l’âme du spectateur qui ne peut rester indifférent.
Les Confins du Monde n’est pas à mettre devant tous les yeux. Il montre toute la cruauté de ce conflit, où le sadisme sert à terrifier le camp d’en face. On peut parfois s’interroger sur la nécessité de monter de manière aussi directe autant d’horreurs. Le choix de Guillaume Nicloux s’explique sans doute par une volonté de mieux faire comprendre au spectateur comme les personnages peuvent glisser sur une pente qui les conduisent vers une forme de folie. On ne ressort pas de ce film à moitié fou, mais le cœur un peu serré, admiratif de la performance de Gaspard Ulliel et compatissant pour tous ceux qui ont vécu ces événements pour de vrai.
LA NOTE : 13/20
Fiche technique :
Production : Les Armateurs, Les films du Worso, Orange Studio, Scope Pictures
Réalisation : Guillaume Nicloux
Scénario : Guillaume Nicloux, Jérôme Beaujour
Montage : Guy Lecorne
Photo : David Ungaro
Distribution : Ad Vitam
Musique : Shannon Wright
Durée : 103 min
Casting :
Gaspard Ulliel : Robert Tassen
Gérard Depardieu : Saintonge
Lang-Khê Tran : Maï
Guillaume Gouix : Cavagna
Jonathan Couzinié : Lt Maussier
Kevin Janssens : Cdt Orlan
Si on pense au rock’n’roll, on pense bannière étoilée, grands espaces traversés sur une Harley Davidson et bottes en cuir. Ou éventuellement Union Jack, passage piéton à Liverpool et coupe au bol. Mais beaucoup plus rarement à la faucille et au marteau. Pourtant, la musique rock existait aussi de l’autre côté du rideau de fer. Timidement, sous le contrôle pointu des autorités soviétiques. C’est cette histoire singulière que se propose de raconter Leto. Un film qui respire la musique dans une mise en scène élégante et originale. Et surtout une belle ode à la liberté.
Leto raconte aussi une histoire. Celle de quelques jeunes garçons et jeunes filles cherchant à vivre leur passion et le désir de liberté qu’elle porte, malgré les forces qui les enferment. Ils profitent de chaque occasion, de chaque petit espace qui leur est laissé. Si on ajoute à cela une triangle amoureux, on obtient un film riche et consistant, même si tout cela s’étiole quelque peu sur la fin. Du coup, cela s’étire un peu en longueur, mais avec encore assez de musique pour qu’on ne regrette pas de rester là. Le film apporte donc un joli témoignage, montrant une nouvelle fois la force de l’art quand il est au service de la liberté.
Autant vous avertir tout de suite, ce billet sera particulièrement égocentrique. Mais voyez-vous, être élu d’opposition dans une ville aussi moyenne que Viroflay revient un peu à prêcher dans désert. Alors quand vous consentez beaucoup d’efforts, quand vous vous investissez à fond dans quelque chose et surtout quand vous êtes brillant, tellement plus brillant que d’autres, il n’y aura pas grand monde pour le savoir et pour le souligner. Surtout que votre principal public reste quand même vos principaux adversaires formant la majorité, qui se pendraient plutôt que de vous faire un compliment (sauf le jour de votre départ évidemment… mais là aussi j’y reviendrai).
J’ai annoncé plusieurs fois ici que les productions Marvel commençaient à tourner en rond et à ne plus rien produire de vraiment original. Et plusieurs fois, ils ont su me donner tort. Une dernière fois sans lendemain avais-je envie de penser à chaque fois. Mais à force, il me faut l’admettre. J’avais tort, elles ont encore bien des choses à nous offrir. Une preuve éclatante avec Spider-Man : New Generation. On tient là incontestablement le film Marvel de l’année. On peut même aller plus loin. On tient là incontestablement un des films de l’année.
Mais Spider-Man : New Generation se démarque définitivement par son graphisme terriblement imaginatif. Il rend de multiples hommages dans un tout étonnamment cohérent. Il fait tout d’abord le lien entre cette version cinématographique et les comics sur papier où il est né. Mais il s’amuse aussi à quelques clins d’œil à l’univers du manga ou des cartoons. C’est foisonnant, mais totalement maîtrisé. L’animation est fluide, les émotions des personnages sont palpables et les scènes d’action restent claires. Bref du vrai cinéma à côté duquel tout amateur de super-héros qui se respecte ne peut pas passer. Longue vie à cette nouvelle génération !
Arriver au bout de près de 2500 pages de lecture vous rend quelque peu exigeant quant à la qualité du dénouement. Après avoir passé autant de temps à tourner les pages, vous voulez que cet investissement trouve une juste récompense. Il faut bien avouer que souvent on aboutit à un final quelque peu décevant. Peter F. Hamilton avait parfaitement relevé le défi avec sa saga l’Etoile de Pandore, qui resta passionnante du début à la fin. La Trilogie du Vide, qui lui fait suite, offre deux premiers tomes nettement moins enthousiasmants. On pouvait donc craindre légitimement que le dernier, Vide en Evolution, soit du même acabit.
Etre l’homme (ou la femme bien sûr) de la situation, voilà un titre flatteur. En effet, cela implique qu’un autre que lui aurait fait moins bien, ce qui témoigne d’un talent rare et unique. Alexandre Astier en possède un. Et un grand. Mais cela implique aussi une synergie entre la tâche à accomplir et la personne en question, qui tient à un je-ne-sais-quoi inexplicable qui fait que tout s’emboîte parfaitement. Sans doute, le créateur de Kaamelot était celui, à défaut d’être le seul, capable de reprendre à son compte l’héritage de Goscinny. Après avoir adapté (et enrichi) à merveille le Domaine des Dieux, il nous offre une histoire totalement originale avec Asterix – Le Secret de la Potion Magique. Une œuvre que ne renierait pas le grand René.
Mais Alexandre Astier va plus loin. En effet, il ajoute une petite touche à lui, discrète mais bien réelle. Il donne à Asterix – Le Secret de la Potion Magique une dimension épique comme on l’a rarement vu dans les aventures d’Asterix et Obelix. Ceci tient au personnage du méchant qui est largement plus inquiétant qu’il est ridicule parfois. On suit donc cette histoire avec le plus grand des plaisirs et un plaisir qui dépasse de loin la simple nostalgie. Il s’agit là d’une véritable œuvre originale d’une très grande qualité qui démontre encore une fois à quel point Alexandre Astier était l’homme de la situation.
Lambchop est un groupe américain de Nashville qui nous propose de la country alternative, d’après Wikipedia. Bon, je ne sais pas trop alternatif à quoi, mais je vais croire les spécialistes. J’avais écouté et apprécié Oh Ohio, un album sorti en 2017. Flotus, sorti neuf ans plus tard, m’a par contre nettement moins convaincu. Pourtant, il débute par une douce ballade possédant assez de personnalité pour que l’on dresse un oreille. Mais le reste va vite devenir relativement lugubre et transparent. La voix de Kurt Wagner, le leader du groupe, est déformée par des effets sonores d’assez mauvais goût. Tout du long, l’album perd de sa substance pour devenir totalement oubliable.
On enchaîne avec ceux qui sont peut-être à ce jours le monstres les plus sacrés du rock, à savoir les Rolling Stones. Avec Blue and Lonesome, ils s’offrent et surtout nous offrent un album de reprises. L’ouverture est plutôt prometteuse. Le reste reste plutôt bon, mais on ne peut que constater que les britanniques n’ont pas cherché à sortir de leur zone de confort. Ils explorent quelques classiques du blues, mais avec aucune prise de risque. C’est maîtrisé, sympa, mais pas forcément indispensable.
Artiste très prolifique, Neil Young ne prend guère plus de risque avec Peace Trail. L’album s’ouvre avec du classique, mais plutôt énergique. Mais globalement, il manque passablement d’épaisseur, le canadien ne cherche pas à nous offrir autre chose que ce qu’il nous propose d’habitude. Le tout manque vraiment de titres percutants. La seule touche d’originalité reposera sur le dernier titre, mais là encore le résultat n’est pas spécialement transcendant.
Un film de casse, c’est un peu comme un western. On se dit que c’est un genre un peu daté, mais on est toujours ravi d’en voir un revenir sur grand écran. Surtout évidemment quand il est plutôt bon. On y va un peu nostalgique de tous ces grands classiques que l’on a découvert plus jeunes, dont certains nous ont fait aimer le cinéma. Mais on a aussi forcément envie de voir quelque chose de nouveau. Avec les Veuves, on est comblé. On retrouve la plupart des éléments qui ont fait le succès du genre, mais agrémentés de touches beaucoup plus originales.
La première d’entre elle est un casting un peu faiblard. Personne n’est mauvais, mais personne ne ressort vraiment du lot. Viola Davis tient le film largement sur ses épaules, mais sans flamboyance. Tout ceci est cependant largement compensé par la réalisation brillante de Steve McQueen. La photographie est magnifiquement ciselée et constitue un régal pour les yeux. Comme souvent, le film manque un tout petit peu de rythme, mais cette légère lenteur est aussi caractéristique de son style. Les Veuves ne restera peut-être pas comme le film de l’année, mais il n’en reste pas moins un vrai film de cinéaste. De ceux qui écrivent l’histoire du 7ème art.
Le personnage principal d’une histoire est souvent celui lequel l’histoire est racontée. Le scénario adopte son point de vue et du coup le spectateur également. Il apporte son lot de subjectivité qui existe forcément en tout récit. Mais quand le personnage principal est un nourrisson de quelques jours, cela paraît plus difficile, puisqu’il apparaît quasiment impossible de faire partager ses émotions et la manière dont il vit les événements. Quasiment, mais pas totalement, comme le prouve Pupille. Un joli film sur un sujet finalement assez peu souvent abordé au cinéma.
Pupille bénéficie d’un casting de tout premier ordre. Le film permet à Gilles Lelouche de connaître un de ses plus beaux rôles. Il fait part d’une grande sensibilité, doublée d’une vraie justesse. Elodie Bouchez est elle aussi remarquable et sans elle, le film n’aurait pas pu être aussi touchant. Jeanne Henry nous offre de très belles scènes, dont celle de la rencontre entre le bébé et sa future mère, qui prouve que la sobriété peut être parfois le meilleur moyen de sublimer les émotions. On passe donc le film avec une petite larme qui pointe aux paupières. Mais elle est plus souvent de joie que de tristesse et on ressort de ce film le cœur léger. Et il faut admettre que cela fait le plus grand bien.
Le cinéma est un des principaux vecteurs par lequel tous ceux qui veulent faire avancer la liberté en Iran s’expriment. Nos écrans témoignent souvent de cette lutte et nous transmettent le cri de ceux qui vivent des formes parfois particulièrement pernicieuses d’oppression. La Permission reprend le flambeau et le fait avec beaucoup de talent. Un film aux qualités nombreuses, qui brillent autant par la forme que par le fond. Je ne sais pas si aller voir ce film est un acte de résistance. Mais c’est au moins une petite manière d’apporter son soutien à tous celles et ceux qui résistent.
La Permission enthousiasmera d’autant plus si on s’intéresse à ce que le film nous dit de la société iranienne. Pas de révélation fracassante, mais une démonstration brillante. Que la société iranienne ne soit pas un modèle d’égalité femme-homme ne constitue pas un scoop, mais on comprend mieux à travers ce film comme elle s’exerce, sous couvert d’état de droit. Avec Baran Kosari, cette lutte prend un visage fort et déterminé. Elle incarne avant tout son personnage, mais bien plus que cela au fond. Cette histoire n’est pas que celle d’un destin individuel. C’est l’histoire de toutes ces femmes qui vivent cette oppression, alors qu’elle ne demande qu’un peu de liberté. Celle de jouer au foot par exemple. Celle d’être elle-même en fait.
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