C’est l’histoire d’un mec qui téléphone… Voilà, fin de la critique… Vous trouvez ça un peu court ? Pourtant objectivement, cela pourrait parfaitement résumer The Guilty puisque ce film ne comporte quasiment que des plans où son personnage principal est en train de téléphoner. Dis comme ça, on voit mal comment il pourrait ressembler à un thriller captivant. Mais il ne faut jamais se fier aux apparences car c’est bien ce qu’il est, grâce à beaucoup d’intelligence et une interprétation convaincante de son premier rôle. Une curiosité cinématographique certes, mais avant tout un bon film.
Evidemment, le personnage principal de The Guilty n’est pas au standard de Pizza Hutt et tout le suspense ne repose pas sur le fait de savoir si la 4 fromages va être livrée à temps ou pas. Il travaille au standard de la police et quand une femme appelle pour faire comprendre qu’elle en train de se faire enlever, il va tout faire pour dénouer les fils du mystère et l’aider sans quitter son poste. L’intérêt de The Guilty repose donc entièrement sur la qualité de son scénario et certainement pas sur le caractère spectaculaire des images. Ceci n’est pas vraiment la normes des longs métrages que l’on peut voir sur nos écrans. Il s’agissait donc d’un pari, mais un pari réussi et assez brillamment l’avouer. Certes, ce choix imposait forcément des limites, mais Gustav Möller a sur tiré le meilleur de la liberté qu’il lui restait.
En effet, livrer des images qui n’ont rien de spectaculaires ne veut surtout pas dire que l’on ne peut pas soigner sa réalisation. C’est même nécessaire, sous peine de donner à son film un caractère statique pouvant facilement conduire à l’ennui. Mais Gustav Möller parvient à jouer sur les types de plan et les angles de prise de vue pour vraiment faire vivre sa narration. Il parvient surtout à vraiment nous faire partager l’état d’esprit du personnage remarquablement interprété par Jakob Cedergren. Cette dimension du film joue d’ailleurs un rôle important dans l’histoire qui se révèle beaucoup plus riche que ce que l’on pouvait imaginer au départ. Et tout cela fait de The Guilty un peu plus qu’un simple exercice de style réussi.
LA NOTE : 13/20
Fiche technique :
Réalisation : Gustav Möller
Scénario : Gustav Möller et Emil Nygaard Albertsen
Photographie : Jasper Spanning
Montage : Carla Luffe Heintzelmann
Musique : Carl Coleman et Caspar Hesselager
Pays d’origine : Danemark
Durée : 85 minutes
Casting :
Jakob Cedergren : Asger Holm
Jessica Dinnage : Iben
Johan Olsen : Michael, le mari d’Iben
Katinka Evers-Jahnsen : Mathilde, la fille d’Iben et Michael
Omar Shargawi : Rashid, le coéquipier d’Asger
Jeanette Lindbæk : le responsable de la zone nord de Seeland
Jakob Ulrik Lohmann : Bo
Simon Bennebjerg : le junkie
Laura Bro : la journaliste
Je l’ai souligné dans ma critique de Infinity War (et peu dans celle de Deadpool 2), les films de super-héros arrivent à un tournant de leur histoire. Ils ont connu un succès grandissant ces dernières années, grâce à un renouvellement, voire même parfois une réinvention, constante. Le processus semble être arrivé à son terme et les réelles nouveautés se font rares. Du coup, on commence à craindre à chaque fois que l’on va voir un nouveau long métrage tiré de l’univers Marvel de tomber sur l’épisode vraiment raté et sans intérêt. Ant-Man et la Guêpe avait le potentiel pour être celui-là. Il n’en est rien. Et le plaisir demeure !
Ant-Man et la Guêpe bénéficie d’une réalisation de Peyton Reed, qui était déjà à la tête du premier qui a le bon goût de ne pas faire ressembler son film à un clip vidéo. Le film n’a rien de particulièrement esthétique et ne présente pas d’un intérêt artistique délirant, mais on se situe tout de même un cran au-dessus de l’efficacité pure et simple. On se divertit, mais sans risque de mal de crâne à la fin. Le duo formé par Paul Rudd et Evangeline Lily fonctionne à merveille, en s’amusant de manière particulièrement communicative à l’écran, sous le regard bienveillant de Michael Douglas. Tout ce petit monde entraîne le spectateur avec lui, permettant à ce dernier de ne surtout pas regretter d’être venu.
Woman at War se démarque aussi par sa forme. Benedikt Erlingsson prouve qu’un budget moyen n’empêche en rien l’imagination visuelle et le travail artistique de premier ordre. Par quelques trouvailles, notamment les groupes qui viennent jouer la musique du film à l’écran, il donne à son film un supplément de poésie qui ajoute le charme à l’intérêt. Evidemment, la beauté des paysages islandais aide aussi à faire de ce film une œuvre à l’esthétique marquée. Le film doit beaucoup également à Halldóra Geirharðsdóttir qui interprète non pas un seul, mais deux rôles. Elle tient largement son rôle sur ses frêles épaules. Mais comme veut le prouver ce film, aussi frêles soient-elles, elles ont la capacité à changer le monde. Enfin au moins à essayer…
Steven Soderbergh reste un des maîtres de la réalisation style « reportage » avec une impression de caméra à l’épaule et un grain d’image qui fait plus penser à une vidéo prise avec un téléphone portable qu’à un classique hollywoodien. Ceci n’est évidemment qu’illusion, tant on sent que la photographie, assurée par Soderbergh lui-même, est soignée. Paranoïa permet aussi à Claire Foy de quitter le monde de la série télévisée pour tenir un premier rôle au cinéma. La transition du petit au grand écran se déroule sans soucis tant elle paraît à l’aise dans ce rôle qui demandait pourtant beaucoup de maîtrise. Mais Soderbergh reste aussi un merveilleux directeur d’acteur. Bref, un grand cinéaste, même dans ses œuvres les moins marquantes.
Cela ressemble quelque peu à un cliché, mais ce film de personnage doit beaucoup à son interprète principal. La récompense reçu par Marcello Fonte à Cannes n’a vraiment rien d’usurpée, tant il brille dans un rôle de composition qui aurait vite pu tourner à la farce, sans un minimum de crédibilité. Son interprétation est d’une justesse remarquable. Elle entre surtout en synergie avec la réalisation de Matteo Garrone qui nous fait ressentir avec force la noirceur et l’impression de décadence des lieux. Chaque pan de mur semble témoigné de la déliquescence d’un lien social où seul la loi du plus fort prime. Le tout donne un film vraiment réussi qui nous offre un nouveau point de vue brillant sur un univers pourtant maintes fois montré au cinéma.
Pour le reste, Sicaro : la Guerre des Cartels est un film d’action qui n’échappe pas, loin s’en faut, aux clichés. Le déroulé du scénario ne réserve pas vraiment de surprises et les quelques scènes d’action n’ont vraiment rien d’inoubliables. Les autres personnages sont quelque peu caricaturaux (enfin même celui incarné par Benicio Del Toro l’est quelque peu). Mais le tout est assez rythmé pour que l’on ne s’ennuie jamais et reste parcouru par assez de tension narrative pour que l’on est tout de même envie de savoir où tout cela va mener. Et combien même cela ne conduit à aucune terre réellement inconnue, on est quand même satisfait d’avoir fait ce voyage, quand bien même il ne nous marquera pas profondément.
Au Poste ! offre une occasion en or à Benoît Poelvoorde de cabotiner comme il l’aime. Certes, on aimerait parfois que Quentin Dupieux l’ait dirigé de manière un peu plus ferme, mais à la fois, on est aussi venu voir ce film pour assister à son numéro habituel. Il est parfois un peu en roule libre, mais assez à son aise pour valoir un petit détour. Grégoire Ludig lui tient tête avec un certain talent, surtout qu’il fait preuve de bien plus d’application et de maîtrise dans son interprétation. Enfin, le casting compte pas mal de caméos et de petits rôles particulièrement réjouissants, en premier lieu Orelsan et Anaïs Demoustier. Ils concourent tous à la réussite de ce film qui nous fait passer un court mais bon moment.
Marie Monge aura quand même eu l’immense privilège de compter Tahar Rahim au casting de son premier film. Voilà qui n’est pas donné à tout le monde. Malheureusement, cela n’est pas suffisant, on l’a vu, pour nous faire croire à cette histoire. S’il donne de sa personne et de son talent, tout comme sa partenaire Stacy Martin, il ne parvient pas à incarner de manière convaincante des sentiments qui semblent trop sortis de nul part pour y croire vraiment. Leurs performances resteront plus académiques que réellement marquantes. Joueurs n’est pas au final pas un film raté, mais ses quelques défauts sont placés à des moments trop stratégiques pour passer outre. On en ressort en se disant que l’on oubliera vite ce film. Ce que l’on manquera pas de faire.
Love, Simon nous délivre également un message inattendu sur les méfaits de la chirurgie esthétique. Qu’il est dur pour un ancien fan d’Alias comme moi de voir ce qu’est en train de devenir Jennifer Garner. Elle ne fait pas encore peur, mais est tout de même légèrement défigurée. J’étais pourtant de la retrouver à l’écran, elle qui se fait rare. On comprend mieux cependant pourquoi. On mettra donc particulièrement en avant le casting adolescent réellement convaincant, plein de fraîcheur et de conviction. Le jeune Nick Robinson tient le haut de l’affiche avec un réel culot et surtout un grand talent. Son personnage, comme son interprète, méritait en tout cas une autre fin.
Je suis loin d’être le plus grand fan sur terre de Charlize Theron. Je dois pourtant admettre qu’elle porte avec brio le film sur ses épaules. Il faut reconnaître aussi qu’elle est parfaitement secondée par Mackenzie Davis, dont les rôles prennent de l’ampleur à chaque apparition et qui tient là pour la première fois le haut de l’affiche. Le duo fonctionne à la perfection. Tully confirme l’immense talent de Jason Reitman et sa capacité à livrer des films drôles et tendres, tout en abordant intelligemment et en profondeur de vraies questions. Le film n’est peut-être pas aussi marquant que Juno ou In the Air, mais il reste de ceux qu’il serait dommage de ne pas voir.
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