Certains vont dire que je radote quelque peu (normal à mon âge), puisque je me sers régulièrement de cet argument pour introduire des critiques, mais je vais rappeler une nouvelle fois que le cinéma parvient à rendre magnifique certains sports qui pourtant, dans la réalité, me laissent totalement froid, voire m’insupportent. Le cas le plus emblématique reste la boxe, mais il y en a d’autres. La course automobile par exemple, comme le prouve Le Mans 66 qui nous raconte comment Ford est parvenu à mettre fin à la suprématie de Ferrari aux 24h du Mans, compétition dont je me tamponne le coquillard habituellement. Pourtant, ce film m’aurait presque fait vibrer.
L’art de la narration, quand il s’agit d’une histoire vraie, revient à embellir quelque peu les faits tout en permettant au spectateur d’y croire quand même. Du peu que j’en sais, le scénario flirte avec la trahison des faits et parfois un peu avec la crédibilité. C’est parfois un peu trop beau pour être vrai (ça ne l’est d’ailleurs pas toujours) mais on se surprend à vouloir y croire quand même. Parce que tout cela est raconté avec assez d’intelligence pour embarquer le spectateur à bord et démarrer en trombe. Evidemment, Le Mans 66 repose sur beaucoup de faux suspense (personne n’imagine que ça soit une Ferrari qui gagne à la fin), mais réserve quelques vrais rebondissements aussi.
Le Mans 66 bénéficie d’un casting particulièrement rutilant avec deux des plus grandes stars d’Hollywood à l’affiche. Matt Damon et Christian Bale forment un duo qui justifie presque à lui seul d’aller voir le film. Il ne s’agit sûrement pas là de leur plus grand rôle, pas le plus difficile, mais il possède un charisme à l’écran tel qu’on retient avant tout leur performance. Ce film confirme que James Mangold est un des réalisateurs les plus solides d’Hollywood, sachant allier efficacité et le minimum de personnalité pour être considéré comme un véritable cinéaste. On peut simplement peut-être lui reprocher d’avoir donné une longueur légèrement excessive à son récit, mais sans jamais plongé le spectateur dans l’ennui. Ce n’est pas assez passionnant pour donner envie de s’intéresser aux 24h du Mans dans la vie réelle, mais assez pour passer un bon moment même quand on se contrefout du sport automobile.
LA NOTE : 12,5/20
Fiche technique :
Production : Chernin Entertainment, 20th Century Fox
Distribution : 20th Century Fox France
Réalisation : James Mangold
Scénario : Jez Butterworth, John-Henry Butterworth, Jason Keller
Montage : Andrew Buckland, Michael McCusker, Dirk Westervelt
Photo : Phedon Papamichael
Décors : François Audouy
Musique : Marco Beltrami, Buck Sanders
Durée : 152 min
Casting :
Matt Damon : Carroll Shelby
Christian Bale : Ken Miles
Tracy Letts : Henry Ford II
Caitrona Balfe : Mollie Miles
Josh Lucas : Leo Beebe
Jon Bernthal : Lee Iacocca
Remo Girone : Enzo Ferrari
Noah Jupe : Peter Miles
L’extrémisme religieux, sous une forme ou sous une autre, faisant bien trop souvent la une de l’actualité, il sert de point de départ à bien des films, de genre très diverses. Mais il est vrai que dans la plupart des cas, c’est l’islamisme qui se trouve au cœur des scénarios, le terroriste islamiste ayant remplacé l’espion communiste dans l’imaginaire des scénaristes. Mais l’extrémisme guette toutes les religions, l’actualité l’a souvent prouvé également. Les Eblouis nous plonge dans les dérives sectaires que peut connaître la religion catholique dans certaines communautés qui se referment sur elles-mêmes. Sans être totalement crédible, il parvient tout de même à nous plonger dans une histoire réellement prenante.
Les Eblouis bénéficie d’un casting de premier ordre. Mais la plus grande star de ce film est la jeune Céleste Brunnquell qui porte vraiment le film sur ses épaules. Pourtant le rôle n’a rien de facile et demandait beaucoup de maturité. Camille Cottin, Eric Caravaca et Jean-Pierre Darroussin mettent tout leur talent au service de leur personnage, mais ne parviennent pas à compenser pleinement leur léger manque de crédibilité. Mais c’est sûr qu’ils l’auraient été encore moins avec des comédiens d’une moindre envergure. Il contribue à faire de ce film une réussite imparfaite, mais qui vaut largement le coup d’être vu.
Avec la Haine, en 1995, la banlieue a fait une entrée fracassante dans le cinéma français en remportant le César du meilleur film. Près de 25 ans plus tard, aucun des problèmes mis en lumière par ce film n’a vraiment été réglé, bien au contraire. Sinon, il n’y aurait pas eu les Misérables. Un long métrage qui représentera la France dans la course à l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. Un film qui démontre à quel point cette problématique continue d’irradier le cinéma français. Et de plus en plus, ce sont les acteurs des ces quartiers eux-mêmes qui passent derrière la caméra pour en parler. A la vue de ce film, on ne peut que considérer qu’on ferait mieux de les écouter.
Ladj Ly joint la qualité de la forme avec la qualité du propos. Sa réalisation suit vraiment la montée de la tension qui vient avec l’intrigue. Si au début, elle semble maîtrisée, mais globalement assez ordinaire, elle finira par nous immerger totalement dans les événements qui viennent conclure cette histoire. Le dernier quart d’heure est une véritable claque cinématographique qui vous fait ressortir de la salle quelque peu (ou même profondément) sonné. Il suffit de voir avec quelle lenteur la salle s’est vidée à la fin du film pour comprendre à quel point les spectateurs restaient dans un état second. Les Misérables restera un des films le plus marquant de cette année qui tire doucement à sa fin. Marquant cinématographiquement, mais aussi parce qu’il nous rappelle brutalement les démons qui rongent notre société.
Libérée, Délivrée, voici deux mots qui rappellent un terrible cauchemar à bien des parents. Tous ceux qui ont dû voir, revoir, voir et revoir encore et encore la Reine des Neiges. Les adultes n’ayant pas la même faculté que les bambins à supporter la répétition, cette passion dévorante de leurs enfants pour ce dessin-animé a fini en séance de torture à répétition ! Quelle inquiétude face à la sortie de la Reine des Neiges 2. Un Disney qui a la caractéristique de n’être que le deuxième de l’histoire à avoir droit à une suite sur grand écran (je dis bien sur grand écran, pas en DVD) après… ah non trop facile, creusez-vous les méninges. Ceux qui comme moi n’ont pas d’enfants ont par contre été très heureux de retrouver Elsa et Anna pour de nouvelles aventures.
Graphiquement, la Reine des Neiges 2 possède ce style quelque peu impersonnel et froid qui caractérise les Disney. Surtout que cette suite n’apporte rien de bien nouveau côté « cartoon ». Olaf reste le principal vecteur d’humour visuel. Quelques jolis décors viennent agrémenter l’histoire, mais cela manque un tout petit peu d’âme créative. Les chansons sont par contre très réussies et nombreuses, ce qui reste tout de même la principale marque de fabrique des films nés sous le signe de la souris aux oreilles rondes. Au final, le bilan reste plutôt positif et on passe un bon moment. Le duo formé par les deux sœurs fonctionne à merveille et représente le point fort de ce deuxième épisode. A tel point, qu’on n’aurait rien contre le revoir une troisième fois !
La question de l’objectivité quand une fiction cherche à récréer des faits réels se pose et peut donner lieu à des débats sans fin. Adopter un point de vue très marqué (ce qui est différent de mentir) peut représenter un choix assumé. Il faut alors le prendre comme tel. C’est exactement dans cet état d’esprit qu’il faut aller voir Adults in the Room, le nouveau film de Costa-Gavras. Le scénario est tiré du livre écrit par Yanis Varoufakis. Les faits rapportés sont donc racontés tels que l’ancien ministère de l’économie grec les voit, avec une subjectivité évidente. Il est le héros de l’histoire, proche du chevalier blanc, nageant au milieu des forces hostiles, pour ne pas dire maléfiques. Cela en fait un très mauvais documentaire… Sauf que ce film n’est pas un documentaire.
La subjectivité citée plus haut peut être pleinement acceptée. Cependant, elle présente tout de même un inconvénient majeur. Si elle peut faire naître une très grande admiration pour Yanis Varoufakis et de l’empathie pour le peuple grec, elle fait naître aussi un petit fond d’antipathie, tant le « héros » se donne le beau rôle sans guère de subtilité. Or dans un propos aussi manichéen, difficile d’être totalement enthousiaste quand le « héros » a autant la grosse tête. La performance de Christos Loulis n’y est strictement pour rien car il est vraiment impeccable dans son interprétation. On saluera quelque jolis seconds rôles, savoureux pour ceux qui connaissent bien la politique. J’ai une tendresse particulière pour Vincent Nemeth, plus vrai que nature en Michel Sapin. Adults in the Room se situe dans la droite lignée du reste de l’œuvre de Costa-Gavras. Il ne restera pas son meilleur film, mais une nouvelle preuve de son talent singulier.
La nostalgie est un sentiment puissant et l’on mesure depuis longtemps la faculté de certains à en faire un business florissant. Qui ne paierai pas cher pour retrouver un peu de sa jeunesse ? Personnellement, j’y pense, même si je ne suis pas sûr que me faire faire des implants capillaires seraient la meilleure idée du monde. Nicolas Bedos exploite cette idée pour nous proposer la Belle Epoque, l’histoire d’une société qui, contre une somme quelque peu conséquente, permet à ses clients de revivre une époque et un moment de leur vie. Un point de départ assez malin duquel pouvait partir bien des chemins. Celui choisi est plutôt plaisant, même si on ne croit pas toujours à cette histoire.
Qui dit film de personnages, dit brochette d’actrices et d’acteurs. Celle-ci est particulièrement riche en grands noms du cinéma français. Cependant, c’est au final Dora Tilier qui marque vraiment les esprits, en parvenant à allier une vraie fraîcheur avec une réelle intensité dans son jeu. Les autres sont plus en roue libre et laisse faire leur talent. Après, quand on s’appelle Daniel Auteuil, Guillaume Canet, Fanny Ardent ou Pierre Arditi, cela suffit largement au bonheur du spectateur. Avec ce deuxième film, Nicolas Bedos confirme quelques promesses. Mais il confirme aussi qu’il n’est pas encore un réalisateur dont le talent est pleinement abouti. Il lui manque encore une véritable étincelle qui donnerait à ses films une toute autre dimension. Peut-être viendra-t-elle au troisième essai !
Il ne sera ici évidemment sujet ici que de cinéma. Pour le reste, il existe un système judiciaire et des tribunaux. J’Accuse offre enfin à l’Affaire Dreyfus un grand film, à la hauteur de l’importance de cette histoire dans notre Histoire. Il est tout de même étonnant de constater que le cinéma français aura attendu aussi longtemps pour s’en emparer. Cela confirme que nous avons parfois du mal à affronter à travers l’art les moments les plus critiques de notre passé commun. Cela constitue pourtant une thérapie fort utile, dont notre pays a bien besoin.
J’Accuse offre un nouveau grand rôle à Jean Dujardin. Un rôle qu’il sublime de manière éclatante. Le casting tout entier est impressionnant, mais son principal protagoniste éclabousse tellement l’écran de talent qu’il éclipse tout le reste. La réalisation de Roman Polanski (puisqu’il faut bien prononcer son nom à un moment donné) témoigne d’une maîtrise artistique absolue. On est littéralement plongé dans l’histoire, dans l’époque et toute la tension qui pouvait exister alors dans notre société. Une œuvre totalement aboutie pour un épisode de notre destin national qui ne l’a que trop attendue.
Le cinéma d’animation est encore perçu par certains comme synonyme de cinéma pour enfants. Pour preuve, la présence dans salle à la projection de J’ai Perdu mon Corps de nombreux bambins, amenés ici par leurs parents. Je ne suis pas sûr qu’ils y aient trouvé ce qu’ils attendaient car l’histoire, dans le fond et la forme, racontée ici s’adresse clairement à un public adulte. Tous ceux qui ont vu la bande-annonce ont été intrigués par cette main « vivante », parcourant la ville à la recherche de on ne sait quoi. C’est évidemment un axe fort de ce film, mais loin d’en représenter l’essentiel.
Visuellement, J’ai Perdu mon Corps adopte une ligne à la fois moderne et « dessinée ». Il y a de la personnalité dans le trait, qui ne semble pas sorti des entrailles sans âme d’un ordinateur. Ce n’est pas esthétiquement sublime, mais cela nous plonge dans un vrai univers graphique, ce qui contribue à la réelle originalité du film. Tous les éléments concordent donc à faire de cette production française une nouvelle réussite, confirmant la vraie force dans notre pays du cinéma d’animation. Il offre régulièrement de vraies pépites pour les petits et les grands. Celle-ci s’adresse plutôt aux grands et peu d’entre eux regretteront de s’être laissé tenter.
La mafia fascine le cinéma depuis longtemps. Elle a fait l’objet d’un très grand nombre d’œuvres de fiction, mais aussi de quelques œuvres inspirées de faits réels. Le Traître est un biopic. Il raconte l’histoire de Tommaso Buscetta, l’homme qui a trahi Cosa Nostra dans les années 80 en Italie et a permis l’arrestation de dizaines de ses membres. Le film est tout à la fois un portrait, un film de procès, le tableau d’une époque et d’une société. Une grande richesse qui justifie la longueur du film (près de 2h30),…mais pas tout à fait.
Le Traître reste un film parfaitement maîtrisé visuellement. La photographie est d’une élégance rare. Elle permet de donner un léger côté « vintage » aux images, qui colle assez bien à l’époque où se déroulent les faits, tout en restant très moderne. Elle permet de pleinement apprécier la performance magistrale de Pierfrancesco Favino. A la fois ténébreux, attachant, inquiétant, impitoyable et humain. Il porte une bonne partie du film sur ses épaules et donne une réelle crédibilité à ce personnage, qui est loin des clichés du genre. Il est épaulé par une galerie particulièrement haute en couleur de seconds rôles parfois savoureux. Le film est au final un bel objet, intéressant et esthétique, mais qui manque d’une petite flamme pour définitivement nous passionner.
Ah Roland Emmerich ! Mon chouchou… enfin un chouchou un peu spécial car si je l’affectionne autant, c’est parce que je me fais un malin plaisir à aller voir tous ses films pour en dire tout le mal que j’en pense. Attitude masochiste penseront certains. C’est parce qu’ils ne connaissent pas le plaisir infini d’écrire une critique assassine quand il s’agit d’une grosse production bien formatée ! Ce n’est pas du masochisme, c’est du sadisme ! C’est donc dans cette optique que je suis allé voir Midway. Au final, quelle déception ! Non que le film soit génial, ni même réellement intéressant. Mais voilà, il n’est pas franchement mauvais, juste franchement moyen. Et c’est du coup beaucoup moins amusant de délivrer mon opinion sur ce film qui ne marquera guère les mémoires. Ni dans un sens, ni dans l’autre.
On peut également facilement reconnaître la grande qualité de scène de bataille finale de Midway. Une scène particulièrement spectaculaire entre mer et air qui vaudrait presque le déplacement. Bien sûr, c’est plus efficace que beau, mais on en prend tout de même plein les yeux. Ah si Roland Emmerich avait un tant soit peu de talent artistique à coller avec sa maîtrise technique, sa carrière serait toute autre. Ce n’est pas le cas, alors on se contentera de ça. Me voilà donc déçu de ne pas être totalement déçu. Qui sait, peut-être qu’un jour je finirai pas me montrer enthousiaste, après avoir quitté, au moins pour un film, la pure détestation. Je ne manquerai pas de vous le faire savoir, puisque je ne manquerai pas d’aller voir son prochain film dont je ne manquerai pas de faire la critique.
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