Prendre de la distance avec un sujet s’avère souvent nécessaire. C’est vrai dans beaucoup de contextes, y compris lorsqu’on veut faire un film avec un minimum de réalisme et d’objectivité. Boris Lojkine y parvient parfaitement à travers son film Camille. Cela n’avait rien d’évident car il nous raconte l’histoire tragique d’une jeune photographe, morte en Centrafrique, notamment parce qu’elle s’est trouvée trop personnellement impliquée dans ce conflit sanglant. Le film nous livre une réflexion pertinente sur ce sujet, en même temps qu’un portrait profondément touchant.
Un spectateur de Camille vit en fait un peu la même situation que la jeune femme. On est forcément émue par son enthousiasme et son humanité. Mais dans notre situation, ça n’a évidemment aucune conséquence fâcheuse bien au contraire. On rentre profondément dans cette histoire et on la vit intensément. Cela ne nous empêche pas d’être amené à se poser de vraies questions. Le film n’apporte pas vraiment de réponse, c’est au spectateur de se forger sa propre opinion et c’est très bien comme ça car il a vraiment tous les éléments pour le faire.
Camille offre un premier grand rôle à Nina Meurisse. Elle rentre dans la peau de son personnage avec beaucoup de sincérité. Elle le vit plus qu’elle ne le joue, ce qui n’est jamais évident pour une personne ayant vraiment existé. Boris Lojkine maîtrise autant la forme que le fond. La réalisation, la narration, tout cela est parfaitement maîtrisé et contribue à nous faire vivre l’histoire avec beaucoup d’intensité et d’émotion. Le film est excellent pour bien des raisons. Autant de raisons pour ne pas passer à côté de ce film qui a déjà quasiment disparu ds l’affiche.
LA NOTE : 13,5/20
Fiche technique :
Réalisation : Boris Lojkine
Scénario : Boris Lojkine et Bojina Panayotova
Décors : Jan Andersen
Photographie : Elin Kirschfink
Son : Marc-Olivier Brullé
Montage : Xavier Sirven
Musique : Éric Bentz
Production : Bruno Nahon ; Caroline Nataf
Durée : 90 minutes
Casting :
Nina Meurisse : Camille Lepage
Fiacre Bindala : Cyril
Bruno Todeschini : Mathias
Grégoire Colin : François
Augustin Legrand : Stol
Michael Zumstein : Michael
Ousnabee Zounoua : Leila
Abdouraouf Diallo : Abdou
Rafiki Fariala : l’étudiant
Mireille Perrier : la mère de Camille
Antoine Gouy : le frère de Camille
Aurélie Mazzeo : la copine de Camille
Les plus grands réalisateurs se distinguent par leur capacité à explorer toujours de nouveaux territoires et à nous proposer des films toujours différents. Du coup, on est en droit de se demander si Ken Loach est réellement un grand réalisateur. Question quelque peu provocante tant l’immensité de son talent est universellement reconnu. Mais il est vrai que son ouvre est une des plus homogènes des cinéastes de cette renommé. Sorry We Missed You se situe dans la droite lignée de Moi, Daniel Blake, son précédent film. Mais tant qu’il parviendra à nous proposer des œuvres de cette qualité, il sera difficile de lui adresser le moindre reproche.
Ken Loach démontre une nouvelle fois qu’il est un des plus remarquables directeurs d’acteurs de l’histoire. Il permet à un casting sans star de livrer des performances d’une sincérité bouleversante. Sorry We Missed You est d’un humanisme rare, que je trouve encore plus fort que Moi, William Blake. Ken Loach prend la distance parfaite avec son sujet et ne cède jamais à l’émotion facile. Beaucoup de cœur, mais aussi beaucoup de raison donc. Et surtout beaucoup de bonheur cinématographique qui nous fait attendre avec impatience le prochain Ken Loach.
Le récit d’apprentissage est un grand classique, même si on pense vite à un roman du 19ème siècle. Cependant, ce thème continue de nous offrir encore et toujours de nouvelles histoires et on peut ranger de nombreux films dans cette catégorie. Dernier en date, Martin Eden, un film italien qui nous conte le parcours d’un jeune homme sans éducation qui va vouloir s’élever intellectuellement et par la même occasion socialement. Une récit assez classique, mais qui brille par la qualité de son personnage principal, mais qui souffre d’une forme un peu désuète.
Dans la forme par contre, Martin Eden ressemble plus à un téléfilm des années 80 qu’à un long métrage d’aujourd’hui. La photographie est très pauvre et la réalisation de Pietro Marcello est dénuée de toute imagination ou prise de risque. Certes, on se retrouve ainsi forcé de se concentrer sur l’essentiel, notamment la superbe performance de Luca Marinelli. Mais cela crée une petite voix dans la tête du spectateur l’empêchant de profiter pleinement du reste. Pas suffisant pour tout gâcher, mais assez pour ne pas donner au film toute la dimension qui aurait pu être la sienne. Que ce personnage riche de ses imperfections donne un film lui aussi imparfait n’est-il pas finalement logique.
Christophe Honoré est un des réalisateurs les plus imaginatifs du cinéma français. Du coup, ses films laissent rarement indifférents. Personnellement, j’ai pu m’enthousiasmer pour certaines de ses oeuvres, mais certaines m’ont laisser passablement indifférent, pour ne pas dire plus. Le prix à payer pour la prise de risque. Chambre 212 propose un propos plutôt original sur un sujet, le couple après de longues années de mariage, pourtant extrêmement classique. Malheureusement une incapacité à conclure de manière convaincante vient doucher la curiosité initiale.
C’est toujours un plaisir de retrouver Chiara Mastroianni à l’écran. Chambre 212 nous rappelle pourquoi car elle irradie à l’écran d’une manière remarquable. Le film confirme aussi la réelle polyvalence, et surtout le très grand talent, de Camille Cottin. Leurs partenaires masculins, Vincent Lacoste et Benjamin Biolay, se contentent de ce qu’ils savent faire le mieux, mais avec un soupçon de paresse, ne parvenant ainsi pas à tirer le film vers le haut. Ce film restera un film entre deux dans la filmographie de Christophe Honoré, laissant une impression mitigée.
Quand on a beaucoup aimé un film, on est à la fois heureux et inquiet quand on apprend qu’il y aura finalement une suite. On a évidemment envie de retrouver l’univers qui nous avait séduit, mais on a aussi peur qu’elle ne soit pas à la hauteur de l’œuvre initiale, ce qui est d’ailleurs assez souvent le cas. Cependant, une fois le film sorti, on surmonte finalement son appréhension, quand bien même les critiques se montrent majoritairement négatives. C’est exactement ce que j’ai fait avec Maléfique 2 : le Pouvoir du Mal après une certaine hésitation. Et force est de constater qu’une nouvelle fois, ce n’est pas forcément une bonne idée.
On retrouve dans Maléfique 2 : le Pouvoir du Mal le même casting que le premier épisode. Chacun et chacune s’acquitte de sa tâche avec beaucoup de professionnalisme, mais personne ne parvient à donner de supplément d’âme à son personnage. Pas suffisamment en tout cas pour tirer de manière significative le film vers le haut. Même l’apport de Chiwetel Ejiofor, la seule vraie nouveauté de la distribution, n’a rien d’évident. C’est donc au final un vrai sentiment de déception qui prédomine, avec la légère impression pour le fan de s’être fait légèrement avoir. Et sans aucune envie de voir naître une troisième épisode.
Certaines franchises passent du culte à l’oubli et l’indifférence à force de s’étirer encore et encore. La sortie de Terminator : Dark Fate est très loin d’avoir eu le même retentissement que la sortie de Terminator 2 en 1991. On peut même parler d’une certaine indifférence. Il faut dire que la qualité cinématographique de ces deux films n’a vraiment rien de comparable. Mais faut-il pour autant jeter ce sixième volet d’une saga qui n’est pas (plus) vraiment une ? Pas forcément ! En effet, on assiste tout de même à un agréable divertissement, qui sait jouer avec malice sur la nostalgie et l’humour. On ne retrouve pas les émotions de l’époque, mais au moins passe-t-on un bon moment.
Terminator : Dark Fate laisse une large place aux femmes, qui prennent les choses en main. C’est avec un vrai plaisir que de retrouver Linda Hamilton dans le rôle de Sarah Connor. Le poids des années n’ont fait que rendre son personnage encore plus « badass ». A ses côtés, le duo Mackenzie Davis et Natalia Reyes montrent que les personnages féminins conviennent tout aussi bien pour ce genre de film. Evidemment, on est aussi heureux de retrouver notre bon vieux Arnold Schwarzenegger, qui sait toujours faire preuve de beaucoup d’ironie et de second degré par rapport aux rôles qui ont fait sa légende. Tout ce petit monde contribue à la relative réussite de ce film qui se laisse regarder avec un plaisir non feint.
Quand on va voir un film d’un réalisateur qui nous avait habitué à des œuvres quelque peu décalées, on se montre forcément quelque peu décontenancé quand il revient à une certaine normalité. C’est ce que l’on peut ressentir devant Au Bout du Monde, œuvre de Kiyoshi Kurosawa. Mais ce qu’il y a d’encore plus troublant est la parenté évidente avec Lost in Translation, même si c’est cette fois une Japonaise qui se retrouve loin de chez elle, incapable de communiquer avec la population locale. Difficile dans ces conditions d’entrer complètement dans un film très beau par ailleurs.
Au Bout du Monde est de loin le film de le plus abouti visuellement. Les images sont très belles et Kiyoshi Kurosawa parvient remarquablement bien à capter l’ambiance « exotique » de l’Ouzbékistan. Au milieu de cette photographie particulièrement soignée, Atsuko Maeda évolue avec grâce et délicatesse. Même si on a parfois du mal à croire à son personnage, on ne lui en tiendra pas rigueur car c’est bien son charme singulier qui parvient malgré tout à nous relier au film. Ce dernier ne restera cependant pas inoubliable. Certainement moins qu’un voyage en Ouzbékistan en tout cas.
Xavier Dolan est un génie, ceci est relativement incontestable. Mais être un génie ne signifie pas toujours ne produire que des œuvres géniales. Il faut savoir utiliser l’immensité de son talent à bon escient et ne pas se reposer uniquement sur lui avec complaisance. Juste la Fin du Monde, Ma Vie avec F.Donovan étaient des films formellement brillants, mais où il manquait cette étincelle pour enthousiasmer pleinement. Matthias et Maxime, à travers sa bande-annonce, semblait prometteur, dans une ambiance plus intime, plus québecoise, bref plus proche de son auteur. Mais un scénario guère convaincant ne parvient pas à nous faire apprécier pleinement la maestria de la forme.
Matthias et Maxime reste un film cependant divinement réalisé. Le sens de l’image de Xavier Dolan est impressionnant, y compris dans des situations intimistes qui n’appellent pas au spectaculaire. Il sait capter sur le vif les émotions pour les sublimer. Peut-être parce qu’il est lui-même un acteur brillant, ce qu’il prouve une nouvelle fois dans ce film. Gabriel D’Almeida Freitas n’est pas en reste, surtout qu’il bénéficie d’une direction toujours aussi brillante. Mais tout cela ne parvient pas à nous empêcher de trouver le temps bien long. Comme le temps d’attendre le prochain film de Xavier Dolan où il donnera cette fois, espérons-le, toute la mesure de son talent.
Connaître un jour dans sa carrière d’artiste un immense succès représente évidemment avant tout une chance, que chaque créateur, qu’il l’avoue ou non, rêve d’avoir. Cependant, c’est également potentiellement aussi comme une malédiction, car l’artiste se trouver renvoyer encore et toujours à cette œuvre. Avec l’incroyable succès d’Intouchables, Eric Toledano et Olivier Nakache ont acquis un statut à part dans le cinéma français. Mais on attend désormais d’eux qu’il fasse aussi bien (si cette expression a un sens). Avec le Sens de la Fête, ils sont déjà parvenus à connaître un nouveau grand succès dans un style un peu différent. Avec Hors Normes, ils reviennent à ce qu’ils savent faire le mieux, comme s’ils ne pouvaient s’en éloigner trop longtemps. Mais force est de constater que le succès risque d’être à nouveau au rendez-vous.
L’avantage de bénéficier d’une réputation comme celle d’Eric Toledano et Olivier Nakache est de pouvoir facilement compter sur un casting de très haut niveau. Rassembler à l’écran Vincent Cassel et Reda Kateb représenterait pour beaucoup de réalisateurs un rêve relativement inaccessible. Dans Hors Normes il devient réalité. Les deux hommes font preuve d’une complicité rare à l’écran. Une complicité qui rappelle celle d’un autre duo d’acteurs dirigé par le même duo de réalisateurs. Mais c’est tout le casting qui est à saluer et pas seulement celui des acteurs professionnels. Dans ce film, il n’y a que des acteurs tout court, que des acteurs formidables, merveilleusement bien dirigés, que des grands rôles pour de grands personnages. C’est ce qui fait la grandeur de ce film dont on ressort enthousiaste, croyant un peu plus fort à la capacité de certains individus à s’engager pour faire le bien. On l’est par contre un peu moins sur la capacité de notre société à faire face avec les moyens nécessaires à la différence.
Certains films vous permettent de prendre conscience du côté dérisoire de certains débats qui enflamment l’actualité. Quand on parle sans fin d’un bout de tissu jusqu’à la nausée, Papicha nous rappelle ce qu’est vraiment l’islamisme et que ses premières victimes, dans une absolue majorité, sont des musulmans, y compris des femmes portant pourtant le voile. Il permet de mieux comprendre le basculement dans l’horreur de la société algérienne au début des années 90. Mais ce film reste avant tout un très beau portrait d’une jeune femme éprise de liberté et pleine d’ambition.
La jeune Lyna Khoudri vie à son personnage avec une énergie et une conviction d’une grande force. Elle porte réellement le film sur ses épaules et contribue à faire de Papicha une grande réussite. Elle est entourée de nombreux seconds rôles tout aussi formidables. La réalisation de Mounia Meddour est parfaitement maîtrisée, faisant naître une vrai souffle narratif qui porte son récit. Elle évite tout les travers larmoyants dans lequel aurait pu facilement tomber une telle histoire. Elle ne cantonne pas ses personnages dans leur état de victimes, mais rend au contraire un vibrant hommage à celles qui ont résisté. Un hommage qui saura en inspirer d’autres, n’en doutons pas.
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