Martin Scorsese a atteint un statut artistique suffisant pour que chaque sortie d’un de ses films constitue un petit événement en soi. Mais il est vrai que la sortie de Silence a été largement… passé sous silence. Peut-être parce que pour une fois, Leonardo Di Caprio ne figure pas au générique. Ou certainement parce que le sujet ne se prêtait pas forcément à une ruée du grand public devant les écrans. Pourtant le sujet est fort, la forme parfaitement maîtrisée. Mais il est vrai que la mayonnaise ne prend pas totalement.

Silence a un grand mérite. S’il y a certainement dans ce film une empreinte du rapport à la foi de Martin Scorsese, élément éminemment intime, il laisse le spectateur totalement libre d’adopter son propre point de vue. Les personnages ne sont jamais manichéens et on peut tout aussi bien trouver leur attitude sublime de courage, comme monstrueusement égoïstes. Héros ou meurtriers illuminés, il y a autant de vision des protagonistes qu’il y a de spectateurs. Cela fait la puissance de cette réflexion qui ne peut laisser indifférent et totalement insensible.

Par contre, il est vrai que la réflexion s’étire peut-être un peu trop en longueur. L’histoire tourne en rond pour avancer doucement. Très doucement. Trop doucement parfois. Le spectateur a eu le temps de se faire sa propre opinion quand le film continue encore et encore. On n’attend plus que la conclusion de Scorsese qui tarde. Cela nous laisse le temps d’admirer cette photographie impeccable, ces décors et costumes splendides et la performance inattendue d’Adrew Gardfield. Cela nous sauve de l’ennui, mais au final cela dilue un peu trop le propos pour que Silence soit un grand film. Mais ça reste un Scorsese. Et ça, ce n’est pas rien !

LA NOTE : 13/20

Fiche technique :
Production : YLK, Sikelia, Fabrica de Cine, AI Film, SharpSword films, Catchplay, IM Global
Distribution : Metropolitan Film Export
Réalisation : Martin Scorsese
Scénario : Martin Scorsese, Jay Cocks, d’après le roman de Shusaku Endo
Montage : Thelma Schoonmaker
Photo : Rodrigo Prieto
Décors : Dante Ferretti
Musique : Kim Allen Klige, Kathryn Kluge
Durée : 161 min

Casting :
Andrew Garfield : Père Rodrigues
Adam Driver : Père Garupe
Liam Neeson : Père Ferreira
Yosuke Kubozuka : Kichijiro
Yoshi Oida : Ichizo
Issey Ogata : Inoue, le gouverneur
Shinya Tsukamoto : Mokichi
Ryo Kase : Juan
Ciaran Hinds : Valignano

Samedi dernier, j’aurais vu deux films très différents, mais ayant le même sujet central commun. Le sujet le plus universel qui soit, le plus indémodable. L’amour ! Car après avoir été voir la comédie française L’Ascension, j’ai été voir le drame historique américain Loving. Un film sur le combat pour les droits civiques, mais qui parle avant tout du droit à s’aimer et la manière donc ce sentiment peut souder deux êtres au-delà de toutes les épreuves.

Loving voit le réalisateur Jeff Nichols s’aventurer sur un terrain où on ne l’attendait pas forcément. Il nous avait habitué à enrober ses histoires d’un peu de mystère, flirtant avec l’ésotérique. Là on est dans les deux pieds dans une réalité assez brute, avec la ferme volonté de recréer une époque, une ambiance sociétale et aussi quelques faits historiques. Il garde pourtant son style, basé sur une narration au rythme régulier, mais relativement lent et une réalisation qui elle aussi prend le temps de nous montrer les personnages et les décors. Si sur son terrain habituel, ses histoires et son style entraient en synergie, cela est moins évident ici.

Il n’en reste pas moins que Loving est un film remarquable. Un quart d’heure de moins aurait pu le rendre meilleur, mais lui aurait fait sûrement perdre cette réelle personnalité insufflée par son réalisateur. Le propos reste remarquable par sa profondeur et son traitement, qui se focaliser avant tout sur les personnages. Le film reste éminemment politique, mais tout en plaçant le politique pur et dur dans un second plan relativement éloigné. Tout repose sur ce couple, magnifiquement interprété par Ruth Negga et Joel Edgerton. Ils parviennent parfaitement à transcender cette simple histoire d’amour en lui donnant une portée tout autre. Celle d’une histoire qui s’écrit pour le meilleur, même si des événements contemporains nous ont rappelé le chemin qui reste à parcourir.

LA NOTE : 14/20

Fiche technique :
Production : Big Beach Films, Raindog Films
Réalisation : Jeff Nichols
Scénario : Jeff Nichols
Montage : Julie Monroe
Photo : Adam Stone
Décors : Chad Keith
Distribution : Mars Film
Musique : David Wingo
Durée : 123 min

Casting :
Joel Edgerton : Richard Loving
Ruth Negga : Mildred Loving
Michael Shannon : Grey Villet
Nick Kroll : Bernie Cohen

Dans un monde qu’on a connu en meilleure forme, un peu de positive attitude ne fait pas de mal, loin de là. Non, je ne vous invite pas à acheter l’intégral de Laurie, mais à aller voir l’Ascension. Vous pourrez répondre que vous avez déjà vu la bande-annonce dix fois et que vous avez l’impression d’avoir déjà vu le début, le milieu et la fin. Vous n’avez pas totalement tort, mais le plaisir procuré par ce film est ailleurs. Mais il fait foutrement du bien.

Si le scénario n’a rien de surprenant, L’Ascension recèle quelques bonnes surprises. La réalisation tout d’abord. Certes, ce n’est pas du Kubrick, mais c’est plutôt bien filmé, alors que la montagne n’est pas toujours facile à mettre en image. Dans les moments les plus difficiles de cette ascension, le film prend furtivement des airs de grands films d’aventure. Il nous propose aussi des seconds rôles globalement réussis, notamment le sherpa qui accompagne le héros. Il est au final le personnage le plus intéressant du film et lui offre un petit supplément d’âme.

Tout ceci nous fait oublier quelques faiblesses. L’Ascension souffre de quelques baisses de rythme, de quelques seconds rôles plus caricaturaux et de dialogues pas toujours hyper convaincants. Mais tout ceci n’est pas suffisant pour gommer l’enthousiasme communicatif d’Ahmed Sylla qui signe là des débuts au cinéma très réussis. On finit par croire cette histoire improbable mais vraie, grâce à l’énergie qu’il déploie. En effet, il en faut un minimum pour arriver au sommet de l’Everest sans aucune expérience. Qu’il fasse ça par amour ressemble un peu à un cliché rose bonbon. Mais un peu de rose bonbon de nos jours, ça n’a pas de prix !

LA NOTE : 13/20

Fiche technique :
Réalisation : Ludovic Bernard, assisté de Mathieu Thouvenot et Catherine Gambier
Scénario : Nadire Dendoune, Olivier Ducray, Ludovic Bernard 
Décors : Sébastien Inizan
Costumes : Claire Lacaze
Photographie : Yannick Ressigeac
Son : Amaury de Nexon, Jean-Paul Hurier
Montage : Romain Rioult
Musique : Lucien Papalu, Laurent Sauvagnac
Production : Philippe Roux

Casting :
Ahmed Sylla : Samy Diakhaté
Alice Belaïdi : Nadia
Nicolas Wanczycki : Jeff
Denis Mpunga : Célestin Diakhaté
Maïmouna Gueye : Évelyne Diakhaté
Amir El Kacem : Kévin
Rabah Nait Oufella : Said
Waly Dia : Alex
Fadila Belkebla : Houria (la mère de Nadia)
Umesh Tamang : « Johnny » (le Sherpa)
Rabah Naït Oufella : Saïd
Oscar Copp : Nadir

Si tout le monde s’attend à ce que La La Land triomphe aux Oscars, il reste tout de même un challenger de taille. Moonlight constitue en effet un autre magnifique moment de cinéma. Si les deux films sont très différents à tout point de vue, au moins ils se retrouvent réunis par leur immense qualité globale. Bon courage aux jurés pour les départager. En attendant, les spectateurs, qui n’ont pas à faire ce choix cornélien, peuvent simplement savourer.

Moonlight aborde des sujets difficiles et décrit une réalité sociale sans fards. Loin de tout cliché et d’un quelconque manichéisme, il offre un propos d’une rare intelligence. Il offre une réflexion profonde sur le déchirement entre aspiration individuelle et pression sociale. S’il est question ici d’homosexualité dans les quartiers pauvres aux Etats-Unis, on pourrait le relier à d’autres films sur les mariages forcés au Moyen-Orient par exemple. A chaque fois, on retrouve le dilemme d’êtres humains obligés de choisir entre la tentation de renoncer au bonheur pour gagner une certaine tranquillité et la volonté d’être soi-même et de s’affirmer.

Moonlight se démarque cependant par une qualité artistique « oscarisable ». Barry Jenkins signe là une œuvre majeure, d’autant plus inattendu que sont précédent film n’a même pas été distribué en France. La photographie, la direction d’acteurs démontrent des qualités de réalisateur que l’on ne retrouve pas tous les quatre matins sur nos écrans. Quand la forme et le fond virent ainsi au sublime, le spectateur se régale, s’émeut et sort de la salle avec l’impression d’avoir été tiré vers le haut. N’est ce pas au fond le but ultime de l’art ?

LA NOTE : 15/20

Fiche technique :
Production : A24, Plan B Entertainment, Pastel Productions
Distribution : Mars Films
Réalisation : Barry Jenkins
Scénario : Barry Jenkins d’après la pièce de Tarell Alvin McCraney
Montage : Joi McMillon
Photo : James Laxton
Décors : Hannah Beachler
Musique : Nicholas Britell
Directeur artistique : Caroline Eselin-Schaefer
Durée : 111 min

Casting :
Trevante Rhodes : Chiron « Black »
Ashton Sanders : Teen Chiron
Alex Hibbert : Chiron « Little »
André Holland : Kevin
Jharrel Jerome : Teen Kevin
Jaden Piner : Kevin (jeune)
Janelle Monáe : Teresa
Naomie Harris : Paula
Mahershala Ali : Juan

Tout le monde sait que les frères Lumière ont inventé le cinéma. Mais même pour des grands cinéphiles comme moi, ils ont simplement inventé le procédé technique. Ils posaient une caméra devant une scène anodine et cela suffisait alors pour créer l’émerveillement. Le cinéma comme art a par contre pour inventeur George Méliès… Voilà une certitude bien ancrée. Quelle erreur ! Pour s’en convaincre, il suffit de voir Lumière ! L’Aventure Commence.

Assister à une naissance constitue toujours un moment émouvant. Tous les amoureux du cinéma seront émus par Lumière ! L’Aventure Commence. Car ils y assistent à la naissance de leur art préféré. De tout leur art. Car ce film démontre avec brio que dès les premières minutes couchées sur pellicule, tout était là. Les frères Lumière n’étaient pas que des techniciens de génie, mais d’incroyables artistes ayant saisi immédiatement comme sublimer artistiquement ces images animées.

Une compilation d’1h30 de films de 50 secondes tournées autour de 1897 aurait pu se révéler fastidieux à suivre. Il n’en est rien. Ces petits films ne constituent pas qu’une curiosité historique, mais bien autant de petits chefs d’œuvre artistiques. L’héritage légué des frères Lumière est immense. Nous en sommes les bénéficiaires dès que nous nous rendons dans une salle obscure. Mais Lumière ! L’Aventure Commence nous fait prendre conscience ce que nous leur devons. La passion d’une vie pour beaucoup. Pour moi par exemple…

LA NOTE : 14/20

Hasard du calendrier cinématographique, deux films du réalisateur chilien Pablo Larrain viennent de sortir successivement sur nos écrans. Après Neruda en décembre, voici Jackie en février. Deux biopics donc, mais deux films assez différents. Déjà parce que le dernier marque les débuts « hollywoodien » du cinéaste. Il garde cependant toute sa personnalité artistique pour nous offrir un film élégant et surprenant, même s’il est globalement inégal.

Pablo Larrain aime donc visiblement par dessus tout relater des moments d’histoire politiques. Ou plutôt des moments de la vie de ceux qui font l’histoire politique. Jackie est exactement ça. Le récit de trois jours de la vie de Jackie Kennedy, mais qui au travers lesquels il va réussir à traiter une multitude de sujets tournant autour de cette figure mythique. Mais il reste un film profondément humain, s’attachant bien plus aux acteurs qu’aux événements. Cela fait son originalité, mais aussi sa limite car cela affaiblit quelque peu la trame narrative. D’où quelques longueurs et notamment un vrai trou d’air au milieu du film. Heureusement, le dénouement donne finalement une grande force au récit.

Pablo Larrain garde avec Jackie une partie de son style. Une certaine lenteur, une caméra qui cherche à mettre avant tout en avant les acteurs. Les plans sont rarement larges, mais le plus souvent focalisés sur les visages et les émotions. Par contre, la photographie, brillante et lumineuse, a pris un tournant plus typique du cinéma américain… bien qu’elle soit signée par un directeur français. Mais Stéphane Fontaine n’en est pas à sa première incursion de ce côté de l’Atlantique, puisqu’il avait déjà œuvré sur le très beau Captain Fantastic. Un mot enfin sur la performance asse bluffante de Natalie Portman. La jeune adolescente de Léon est désormais très loin. Elle s’insère dans la grande lignée des acteurs qui ont su rentrer de manière troublante dans la peau d’un personnage historique. Ca leur a souvent valu un Oscar… Si elle en remporte un à la fin du mois, personne ne pourra dire qu’il est immérité.

LA NOTE : 13/20

Fiche technique :
Production : Jackie Productions, Wild Bunch, Fabula, LD Entertainment, Protozoa Pictures, Bliss Medias, Why Not productions
Distribution : Bac films
Réalisation : Pablo Larrain
Scénario : Noah Oppenheim
Montage : Sebastian Sepulveda
Photo : Stéphane Fontaine
Décors : Jean Rabasse
Musique : Mica Levi
Costumes : Madeline Fontaine
Durée : 100 min

Casting :
Natalie Portman : Jackie Kennedy
Peter Sarsgaard : Bobby Kennedy
Greta Gerwig : Nancy Tuckerman
Billy Crudup : le journaliste
John Hurt : Le prêtre
Richard E. Grant : Bill Walton
Caspar Phillipson : John Fitzgerald Kennedy
Beth Grant : Lady Bird Johnson

Les coïncidences étant inévitables comme le savent tous ceux qui ont un minimum de connaissance en probabilités, il arrive fréquemment que deux films traitant du même sujet sortent à quelques semaines d’écart. C’est encore une fois le cas avec Hedi, sorti fin décembre et Tempête de Sable, dont je vais vous livrer ici la critique. Mais cette fois-ci le parallèle entre les deux films s’apparente à une lecture en miroir. Un même thème, les mariages arrangés, mais pas tout à fait le même point de vue.

En effet, si Hedi racontant l’histoire d’un fils, Tempête de Sable raconte l’histoire du fille. A chaque fois, la relation aux parents jouent un rôle central dans le propos. Evidemment, elle diffère dans les deux cas, la pression, les attentes ne sont pas les mêmes. Si ce n’est la soumission à une tradition qui doit prévaloir sur l’aspiration au bonheur. Le film rend compte à merveille de ces mécaniques absurdes qui broient les individus, qu’ils soient d’ailleurs les victimes, comme les bourreaux. Personne ne sait pourquoi il doit obéir, mais il le doit. Tout ceci est remarquablement exposé dans ce film au scénario particulièrement brillant.

Tempête de Sable n’est pas qu’un témoignage. Il repose sur un vrai sens de la narration, où des rebondissements amènent des changements de perspective inattendus. Si on ajoute à ça une réalisation maîtrisée et un casting formidable, cela donne un film d’une grande force. Cela confirme également l’incroyable vigueur d’un cinéma israélien protéiforme et qui sait affronter les sujets les plus difficiles de front. Ce film n’est pas que féministe, il est avant tout humaniste et nous rappelle qu’il y a encore bien des combats à mener sur cette planète.

LA NOTE : 13,5/20

Fiche technique :
Réalisation : Elite Zexer
Scénario : Elite Zexer
Photographie : Shai Peleg
Montage : Ronit Porat
Musique : Ran Bagno
Pays d’origine : Israël
Langue originale : arabe
Genre : drame
Durée : 87 minutes

Casting :
Lamis Ammar : Layla
Ruba Blal : Jalila
Hitham Omari : Suliman
Khadija Al Akel : Tasnim
Jalal Masrwa : Anwar