Il est des films tellement indescriptible qu’il en est même difficile de décrire les sentiments qu’ils nous inspirent. C’est le cas de Upstream Color, un film relativement inclassable sur la forme et le fond. Une curiosité cinématographique sorti… il y a quatre ans de l’autre côté de l’Atlantique. Je ne sais donc pas très bien ce qui a poussé soudainement des distributeurs à finalement programmer ce film sur les écrans français. Je ne sais même pas trop quoi dire à son propos. Ni je dois inciter ou décourager les spectateurs éventuels. Bref, même avec quelques jours, je reste particulièrement circonspect.
Je vais donc essayer d’aborder ce film de manière objective. Sur la forme d’abord. L’histoire est racontée sans réels dialogues, sans continuité claire. Il est formé d’une succession de flashs plus ou moins long, certains fugaces, certains ressemblant quand même à des scènes au sens classique du terme. C’est ainsi que nous ai raconté l’histoire d’une manière un peu floue donc, puisque le spectateur doit combler beaucoup de vides. Cependant, on la comprend tout de même, mais sans vraiment avoir l’occasion notamment de connaître réellement les personnages. Du coup, il est bien difficile de s’y attacher. C’est sans doute là que réside la principale limite de Upstream Color, qui reste au fond avant tout un exercice de style intéressant, mais un peu froid.
Le fond de l’histoire n’est pas banal non plus. Entre science-fiction, polar, drame psychologique, teinté de comédie romantique. Upstream Color est à la fois totalement éloigné de ces étiquettes, tout en pouvant tout de même revendiquer de reprendre des éléments qui leur sont familiers. Finalement, il est difficile de savoir si avoir choisi à la fois un fond et une forme particulières rend le film particulièrement intéressant, ou au contraire trop obscur pour être pleinement apprécié. Bref, même en mettant des mots sur ce que j’ai pu ressentir devant ce film tout reste flou. Mais quelqu’un n’aurait pas-t-il dit « Quand c’est flou, y a un loup ? ».
LA NOTE : 12/20
Fiche technique :
Réalisation : Shane Carruth
Scénario : Shane Carruth
Photographie : Shane Carruth
Montage : Shane Carruth et David Lowery
Musique : Shane Carruth
Producteur : Shane Carruth, Casey Gooden et Ben LeClair
Durée : 96 minutes
Casting :
Amy Seimetz : Kris
Shane Carruth : Jeff
Andrew Sensenig : Le Sampler
Thiago Martins : Le Voleur
Mollie Milligan : Maggie
Kerry McCormick : Gyn
Charles Reynolds
Jeff Fenter : Rich
Marco Antonio Rodríguez : un technicien du MRI
Une Vie Violente est également soutenu par une réalisation qui vient amplifier la tension du récit. On se souviendra notamment du plan séquence final, qui place le spectateur dans une interminable attente avant de… Non, évidemment, je ne dirai rien ! Le film fonctionne aussi grâce à Jean Michelangeli qui donne vie à un personnage loin de tous les clichés sur les « bandits » corses, comme ceux que l’on avait pu voir dans la série Mafiosa par exemple. Un film donc indispensable à ceux qui s’intéressent de près ou de loin à l’Ile de Beauté.
Les Filles d’Avril représente l’occasion de découvrir deux formidables actrices. Enfin, pour Emma Suarez, on ne peut plus vraiment parler de découverte. Une valeur sûre du cinéma espagnole qui avait déjà ébloui à l’écran dans Julieta de Pedro Almodovar. Par contre Ana Valeria Becceril tient là un premier grand rôle remarquable et espérons le remarqué. Entre tristesse, force et détermination, elle interprète une foule de sentiments et d’attitude avec toujours le même talent. Ce duo d’actrice fait beaucoup pour la réussite de ce film pas indispensable, mais dont il serait dommage de se dispenser.
Les combats d’Atomic Blonde se caractérisent par des combattants qui refusent désespérément d’être KO, voire de mourir quand les armes à feu s’en mêlent. Ceci prête à sourire d’abord, puis quand on comprend que cela sera systématique, on se dit que cela tourne sérieusement au grand n’importe quoi. Mais au final, ce tic qui s’apparente à un running gag constitue le seul éclair d’intérêt dans ce grand néant. Un éclair ténu, mais on se raccroche à ce que l’on peut parfois.
Lola Pater offre un rôle sur mesure à Fanny Ardant. Le moins que l’on puisse dire est qu’elle occupe la place, ou du moins l’écran, avec un charisme et un talent hors du commun. Mais on n’en attendait pas moins d’une telle actrice qui se fait finalement assez rare. Cependant, son omniprésence ne doit pas faire oublier la très belle performance de Tewfik Jallab, dans un registre moins flamboyant néanmoins. C’est bien parce que le duo fonctionne que le film fonctionne également. Pour le plus grand bonheur des spectateurs.
Crash Test Aglaé doit beaucoup à la belle performance de India Hair, que l’on avait découvert il y a quelques temps déjà dans Camille Redouble. Elle prouve ici qu’elle possède vraiment l’étoffe d’un premier rôle. Elle porte une grande partie du film sur ses frêles épaules qui semblent donc beaucoup plus solides qu’elles en ont l’air. Son interprétation est parfaitement mise en valeur par le travail de réalisation d’Eric Gravel, donc la qualité est à souligner. Un roadmovie a toujours besoin d’une caméra capable de nous faire apprécier l’ambiance et l’esthétique des lieux. Il parvient à faire de ce film un joli voyage, plein de tendresse et ponctué d’une pointe d’humour. Un voyage que l’on ne regrette pas de mener en tout cas.
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