Rassembler tous les bons ingrédients reste le meilleur moyen pour préparer un plat savoureux. Mais le résultat sera nettement moins satisfaisant si vous vous évertuez à diluer tout ça dans une grande quantité d’eau… Bon, j’admets, j’abuse des métaphores culinaires quand je rédige mes critiques, mais c’est peut-être parce que j’aime aussi bien le bon cinéma que la bonne bouffe. Tout ça pour vous dire que Sils Maria, le dernier film d’Olivier Assayas dont je vais vous parler maintenant, aurait pu être un bon film s’il avait été beaucoup plus court.

Sils Maria dure deux heures, sauf qu’il ne devient vraiment intéressant qu’au bout d’une heure. Certes, toute histoire a besoin d’une introduction et il est parfois nécessaire de poser longuement les choses, aussi bien les circonstances que les protagonistes, mais à un moment donné, il faut quand même penser au spectateur qui commence à s’ennuyer ferme. La deuxième heure vient enfin et on on aurait pu presque tout pardonner si les scènes n’avaient pas tendance à s’étirer de manière quelque démesurée et se succéder parfois avec une redondance irritante. C’est bien de vouloir enfoncer le clou, mais une fois qu’il est bien rentré, inutile de continuer à donner des coups de marteau au cas où…

Sils Maria est donc relativement désastreux au niveau du rythme. Il n’y avait clairement pas matière à faire deux heures de film. On gardera cependant en mémoire ce très beau tête à tête entre deux actrices que beaucoup de choses séparent, mais certainement pas le talent. Kristen Stewart et Juliette Binoche se confondent littéralement avec leurs personnages. Une grande partie du film repose sur l’ambiguïté des dialogues, dont on ne sait jamais très bien s’ils correspondent à une vraie conversation entre les deux femmes ou bien si elles sont en train de réciter le texte de la pièce qu’elles sont en train de répéter. L’exercice demande beaucoup de subtilité et de maîtrise de la part des deux actrices, mais même l’admiration qui en résulte ne peut à elle seule faire oublier les trop nombreuses longueurs.

LA NOTE : 11/20

Décidemment, le cinéma français s’est définitivement approprié ce genre cinématographique si hollywoodien qu’est la comédie romantique. Et force est de constater qu’il arrive à y apporter sa singularité et ses qualités propres. Après Maestro, intello et gentillet, voici donc les Combattants, une des très bonne surprise de cet été qui se distingue par de nombreuses qualités et des personnages assez inattendus.

Les Combattants s’ouvre sur une première scène assez géniale. Le spectateur est donc tout de suite dans l’ambiance et sent immédiatement qu’il est devant un film qui sort de l’ordinaire. Thomas Cailley fait étalage d’un talent de réalisateur particulièrement prometteur. Cela à tient parfois à pas grand chose, un choix de cadrage, un sens du rythme qui démontre à la fois un grand sens de l’image et de la narration. Cela donne une dimension supplémentaire à cette histoire à la fois simple et pleine de surprises.

Les Combattants se démarque au final avant tout par ses personnages, notamment celui interprété par Adèle Haenel, qui, après L’Homme qu’on Aimait Trop, est décidément la star française de cet été. Certes, ce n’est pas la première fois que le cinéma nous offre une histoire d’amour avec un protagoniste quelque peu névrosé, mais cela représente toujours un risque car il est d’autant plus difficile de faire naître l’attachement chez le spectateur. C’est d’ailleurs là que repose la plus grande limite de ce film que l’on quitte en souhaitant bon courage au jeune homme, incarné par Kevin Azaïs. L’amour triomphe de tout, mais quand même…

Cependant, le scénario de Les Combattants fonctionne trop bien pour ne pas rentrer dans cette histoire et finalement vouloir par dessus tout que la romance naisse malgré tout. Surtout que l’histoire repose sur de nombreuses péripéties et rebondissements qui permettent aux personnages d’évoluer tout en proposant un fil narratif réellement consistant. On ne s’ennuie pas une seule seconde, on sourit, on est ému et on a envie d’être amoureux… Et ce dernier point demeure quand même la preuve ultime d’une comédie romantique réussie.

LA NOTE : 14,5/20

Les productions Marvel alternent le très bon et le beaucoup plus médiocre. Jusqu’alors en 2014, elles nous avaient proposé un second volet des aventures de Captain America très moyen, un X-Men : Days of Future Past convaincant et un Spider-Man 2 qu’on préfère oublier… Les lois de la probabilité nous permettaient donc d’espérer que les Gardiens de la Galaxie se situe du bon côté de l’histoire cinématographique… Le résultat est largement à la hauteur de nos espoirs et même au-delà.

On le pressentait dans la bande-annonce, les Gardiens de la Galaxie joue à fond la carte de l’humour, du second degré et flirte toujours avec la parodie. Le tout fonctionne parfaitement et si on ne rit jamais aux éclats, le film nous arrache bien des sourires. Mais à côté de ça, il s’insère néanmoins totalement dans l’univers des Avengers and co et nous propose un vrai film d’aventures galactiques spectaculaires. Il nous offre donc une double dose de plaisir pour un résultat particulièrement jouissif et qui ne se prend jamais au sérieux. Les personnages, une belle brochette d’anti-héros, sont en particulier particulièrement bien trouvés, à la fois drôles et attachants, tout en ayant la stature pour être les stars d’un space opéra. Ils sont de plus interprétés par un casting qui prend visiblement un plaisir fou à donner vie à ces figures atypiques.

Les Gardiens de la Galaxie est peut-être parti pour être le blockbuster purement divertissant de l’année. On pourra simplement lui reprocher quelques moments un peu cucul, qui décrédibilisent quelque peu la dimension épique de l’histoire. Sans cela, le scénario aurait pu donner par exemple une toute autre dimension au méchant, fanatique génocidaire, qui apparaît au final un peu en décalage avec tout le reste et largement sous-exploité. Mais il est vrai que l’équilibre avec l’humour et la parodie aurait peut-être été du coup assez difficile à trouver et que le résultat aurait perdu de sa fraîcheur jubilatoire. Il n’en reste pas moins qu’on est là face à un putain de bon film !

LA NOTE : 15/20

Les productions Marvel alternent le très bon et le beaucoup plus médiocre. Jusqu’alors en 2014, elles nous avaient proposé un second volet des aventures de Captain America très moyen, un X-Men : Days of Future Past convaincant et un Spider-Man 2 qu’on préfère oublier… Les lois de la probabilité nous permettaient donc d’espérer que les Gardiens de la Galaxie se situe du bon côté de l’histoire cinématographique… Le résultat est largement à la hauteur de nos espoirs et même au-delà.

 

On le pressentait dans la bande-annonce, les Gardiens de la Galaxie joue à fond la carte de l’humour, du second degré et flirte toujours avec la parodie. Le tout fonctionne parfaitement et si on ne rit jamais aux éclats, le film nous arrache bien des sourires. Mais à côté de ça, il s’insère néanmoins totalement dans l’univers des Avengers and co et nous propose un vrai film d’aventures galactiques spectaculaires. Il nous offre donc une double dose de plaisir pour un résultat particulièrement jouissif et qui ne se prend jamais au sérieux. Les personnages, une belle brochette d’anti-héros, sont en particulier particulièrement bien trouvés, à la fois drôles et attachants, tout en ayant la stature pour être les stars d’un space opéra. Ils sont de plus interprétés par un casting qui prend visiblement un plaisir fou à donner vie à ces figures atypiques.

 

Les Gardiens de la Galaxie est peut-être parti pour être le blockbuster purement divertissant de l’année. On pourra simplement lui reprocher quelques moments un peu cucul, qui décrédibilisent quelque peu la dimension épique de l’histoire. Sans cela, le scénario aurait pu donner par exemple une toute autre dimension au méchant, fanatique génocidaire, qui apparaît au final un peu en décalage avec tout le reste et largement sous-exploité. Mais il est vrai que l’équilibre avec l’humour et la parodie aurait peut-être été du coup assez difficile à trouver et que le résultat aurait perdu de sa fraîcheur jubilatoire. Il n’en reste pas moins qu’on est là face à un putain de bon film !

 

LA NOTE : 15/20

 

Fiche technique :

Enterprises, Moving Picture Company (MPC)

Distribution : Walt Disney Studios Motion Pictures France

Réalisation : James Gunn

Scénario : James Gunn, Nicole Perlman, d’après la série Comics Guardians of the Galaxy

Montage : Fred Raskin, Hughes Winborne, Craig Wood

Photo : Ben Davis

Décors : Charles Wood

Musique : Tyler Bates

Costumes : Alexandra Byrne

Durée : 121 mn

 

Casting :

Chris Pratt : Peter Quill

Zoe Saldana : Gamora

Dave Bautista : Drax

Vin Diesel : Groot (voix)

Bradley Cooper : Rocket (voix)

Lee Pace : Ronan

Djimon Hounsou : Korath

John C. Reilly : Corpsman Dey

Glenn Close : Nova Prime

Benicio Del Toro : le collectionneur

Après un premier volet vraiment réussi, voici La Planète des Singes : l’Affrontement, qui continue de nous raconter comment nos cousins sont parvenus à prendre le pas sur nous sommes simples humains. Cette nouvelle vision de la saga continue d’être d’un tout autre acabit que les nanars des années 70 (je ne parle pas de l’épisode originel, entendons-nous bien!), même si on ressort de ce deuxième épisode quand même sur un sentiment quelque peu partagé.

Ce qui manque à La Planète des Singes : l’Affrontement est un vrai souffle épique. En effet, les événements relatés sont au final assez anecdotiques. Certes, on sent qu’il s’agit d’un tournant dans une histoire plus globale, mais on a du mal à s’enthousiasmer vraiment quand on souhaiterait voir le monde entier basculer. Cela sera sûrement pour le troisième volet qui ne manquera certainement pas d’arriver, confirmant ainsi que le deuxième volet d’une trilogie a souvent bien du mal à passionner.

Reste que La Planète des Singes : l’Affrontement reste par moment très spectaculaire. Certaines scènes sont techniquement impressionnantes. Matt Reeves n’est peut-être pas Orson Welles, mais il n’est pas non plus maladroit derrière une caméra et arrive à donner un peu d’humanité et de profondeur à ce blockbuster. Mais sur ce point aussi, la comparaison avec le premier volet n’est pas en faveur de cette suite. Il n’en reste pas moins que ce film est globalement réussi, évite beaucoup des pièges et facilités dans lesquels il aurait pu facilement tomber, sans néanmoins proposer la petite étincelle qui aurait vraiment fait la différence.

LA NOTE : 11,5/20

The Raid, premier du nom, avait constitué une expérience cinématographique assez incroyable et inattendue venue d’Indonésie. Proposer une deuxième volet à la hauteur du premier constituait donc une exercice difficile, sachant que l’effet de surprise ne permettrait pas cette fois de faire oublier la moindre faiblesse. Le spectateur serait désormais exigeant. Exercice difficile… Peut-être trop…

The Raid 2 souffre d’un caractère beaucoup plus artificiel. En effet, dans le scénario du premier, il était assez logique que les protagonistes se retrouvent ainsi à se battre à mains nues avec une telle violence. Dans cette suite, si on prend deux secondes de recul, on se dit que pour régner sur la pègre de Jakarta, il suffirait juste d’acheter des pistolets… Voir un malfrat protégé par plusieurs gardes du corps armés uniquement de sabre permet certes de proposer un joli combat à l’arme blanche, mais ce n’est absolument pas crédible une seule seconde. Bref, le film tourne à l’exercice de style et du coup il sent quand même fortement le réchauffé.

The Raid 2 propose néanmoins toujours quelques chorégraphies de combats assez hallucinantes. Une des toutes dernières, un face à face, est même d’une violence, d’une rage, d’une force, d’une intensité comme jamais vue auparavant. Ce seul moment de bravoure justifie la vision de ce film. Mais il montre aussi ses limites : en voulant garder les mêmes éléments que dans le premier, sans introduire de vraies nouveautés, Gareth Evans s’est condamné à une course « au toujours plus » qui peut certes aboutir à des fulgurances jubilatoires, mais ne permet certainement pas de proposer tout un film à l’intérêt fulgurant.

LA NOTE : 11,5/20

The Raid, premier du nom, avait constitué une expérience cinématographique assez incroyable et inattendue venue d’Indonésie. Proposer une deuxième volet à la hauteur du premier constituait donc une exercice difficile, sachant que l’effet de surprise ne permettrait pas cette fois de faire oublier la moindre faiblesse. Le spectateur serait désormais exigeant. Exercice difficile… Peut-être trop…

 

The Raid 2 souffre d’un caractère beaucoup plus artificiel. En effet, dans le scénario du premier, il était assez logique que les protagonistes se retrouvent ainsi à se battre à mains nues avec une telle violence. Dans cette suite, si on prend deux secondes de recul, on se dit que pour régner sur la pègre de Jakarta, il suffirait juste d’acheter des pistolets… Voir un malfrat protégé par plusieurs gardes du corps armés uniquement de sabre permet certes de proposer un joli combat à l’arme blanche, mais ce n’est absolument pas crédible une seule seconde. Bref, le film tourne à l’exercice de style et du coup il sent quand même fortement le réchauffé.

 

The Raid 2 propose néanmoins toujours quelques chorégraphies de combats assez hallucinantes. Une des toutes dernières, un face à face, est même d’une violence, d’une rage, d’une force, d’une intensité comme jamais vue auparavant. Ce seul moment de bravoure justifie la vision de ce film. Mais il montre aussi ses limites : en voulant garder les mêmes éléments que dans le premier, sans introduire de vraies nouveautés, Gareth Evans s’est condamné à une course « au toujours plus » qui peut certes aboutir à des fulgurances jubilatoires, mais ne permet certainement pas de proposer tout un film à l’intérêt fulgurant.

 

LA NOTE : 11,5/20

 

Fiche technique :

Production : Pt. Merantau Films, XYZ Films

Distribution : Le Pacte

Réalisation : Gareth Evans

Scénario : Gareth Evans

Montage : Gareth Evans

Photo : Matt Flannery, Dimas Imam Subhono

Musique : Aria Prayogi, Joseph Trapanese, Fajar Yuskemal

Maquillage : Kumalasari Tanara

Durée : 150 mn

 

Casting :

Iko Uwais : Rama

Arifin Putra : Uco

Tio Pakusodewo : Bangun

Oka Antara : Eka

Alex Abbad : Bejo

Cecep Arif Rahman : l assassin

Julie Estelle : Alicia

Dans la série des films à l’idée de départ un peu éculée, mais assez bien foutu pour que l’on passe un très bon moment, voici Blue Ruin. Une histoire de type comme vous et moi amené à se venger et à affronter une bande de brutes de la pire espèce. Un film qui nous fait également plonger dans l’Amérique plus que profonde. Là encore, un décor moult fois utilisé, mais qui continue de faire peur !

Blue Ruin est un film noir, doté d’un scénario sans fioriture. 1h30, pas plus, pas moins, pour nous offrir juste l’essentiel. Il s’agit bien d’un film de personnages, où on assiste à la transformation d’un homme dans des circonstances exceptionnelles. La violence et l’action sont présentes mais constituent un décor plus qu’un élément réellement mis en avant. La tension narrative, le suspense sont palpables mais reposent autant sur des ressorts psychologiques que sur le simple « qui va tuer qui ? ».

Blue Ruin permet également de découvrir un réalisateur prometteur, Jeremy Saulnier, et un acteur étonnant faisant ses débuts sur le grand écran, Macon Blair. Ceci confirme encore une fois l’incroyable profondeur du cinéma indépendant américain capable de nous offrir un film maîtrisé sur absolument tous les plans, malgré l’inexpérience de l’équipe.

LA NOTE : 13/20

Dieu que j’aime aller voir un film sans rien en attendre pour en ressortir totalement enthousiaste. Avoir passé de longues minutes à élaborer son programme cinématographique en hésitant à y inclure ce film pour se dire qu’au final, cela aurait constitué une terrible erreur de passer à côté. Que c’est bon de sortir de la salle avec un sourire éclatant et le cœur léger ! Cela n’arrive pas si souvent que ça, alors il faut savoir savourer ces vrais moments de bonheur cinématographique. Comme celui que j’ai vécu en allant voir New York Melody.

Oui je sais, il y a une petite midinette qui sommeille au fond de moi. J’aime les comédies romantiques et j’assume. Cependant, New York Melody n’a rien de ces comédies romantiques au scénario écrit et connu d’avance. Un peu comme 500 Jours Ensemble (un de mes films culte également), New York Melody prouve que ce genre cinématographique peut parfois réserver des surprises et même proposer un certain suspense quant au dénouement. L’histoire racontée par ce film n’est peut-être pas la plus extraordinaire jamais comptée, mais elle est néanmoins remarquablement construire et permet d’apprécier pleinement toutes les qualités de ce film.

New York Melody comporte de mon point de vue une vraie révélation, en la personne de Keira Knightley. Evidemment, elle fait partie des valeurs sûres d’Hollywood depuis longtemps et employer ce terme à son propos semble totalement incongru. Mais jamais, je ne lui avais trouvé ce charme dévastateur, cette grâce étonnante et une telle profondeur dans son interprétation. Certes, j’aimerais toujours lui faire prendre 10 kilos, mais elle illumine néanmoins l’écran comme jamais, offrant à son personnage une épaisseur et une sympathie étonnantes.

New York Melody reste cependant avant tout un film sur la musique. Comment elle naît, comment une même partition peut donner tout aussi bien un titre confondant de platitude qu’un pur chef d’œuvre. Le film offre une scène assez extraordinaire où le personnage interprété par Mark Ruffalo écoute Keira Knightley jouer un morceau très simple à la guitare, face à un public totalement indifférent. Le film nous fait partager la manière dont il parvient à imaginer progressivement tous les arrangements, tous les accompagnements qui pourraient donner à cette chanson une toute autre dimension. Quant on est comme moi une très grand consommateur de musique, sans aucune capacité pour la jouer et encore moins l’écrire, tout ceci à quelque chose de parfaitement magique.

John Carney avait déjà signé en 2007 un très beau film sur la musique, Once, passé bien trop inaperçu, malgré l’Oscar de la meilleur chanson et le Prix du Public au Festival de Sundance. Il semble donc avoir un don particulier pour mêler ces deux univers de manière magistrale. Et comme en plus, il sait nous parler d’amour de manière intelligente et subtile et diriger les acteurs avec un brio remarquable, on espère qu’il nous proposera encore bien d’autres bijoux comme ce New York Melody.

LA NOTE : 15,5/20

Lorsqu’un fait divers fait la une de l’actualité, il est fréquent que l’opinion repeigne les événements et les protagonistes en noir et blanc. Créer une fiction à partir de l’un d’entre eux implique donc soit d’aller dans le sens de cette facilité intellectuelle, soit d’essayer de démontrer que rien n’est tout à fait aussi simple. C’est heureusement ce dernier choix qu’a réalisé André Téchniné pour son dernier film, L’Homme Qu’On Aimait Trop, qui revient sur l’affaire Agnelet. C’est en effet ce point de vue nuancé qui donne tout son intérêt à ce film… même s’il reste à relativiser.

L’Homme Qu’On Aimait Trop est un joli film de personnages et d’acteurs. On a beaucoup parlé de la performance remarquable de Catherine Deneuve. Mais celle de Guillaume Canet vaut aussi le détour. C’est cependant surtout celle de Adèle Haenel (dont j’aurais l’occasion de vous reparler très vite) qui insuffle une vraie humanité, une réelle profondeur à l’ensemble. L’ensemble des protagonistes, ainsi que leurs relations, sont particulièrement ambiguës et complexes. Ils constituent le cœur de ce film et à ce niveau-là, il n’y a pas grand chose à redire, si ce n’est exprimer son admiration.

Malheureusement, L’Homme Qu’On Aimait Trop repose sur une intrigue sans suprise, si on connaît un tant soit peu l’affaire. André Téchiné ne prend pas partie quant au fin mot de l’histoire et laisse planer le doute. Il est vrai que le contraire aurait été hasardeux, mais il s’agit là malgré tout d’une fiction, pas d’un documentaire. Du coup, le scénario se révèle dans l’absolu assez frustrant et inabouti, faute d’une vraie conclusion. Ceci rend tout ce qui a précédé un peu vain et c’est fort dommage.

LA NOTE : 11,5/20

Avant même de commencer la lecture de cette critique, vous êtes en droit de vous poser une question tout à fait légitime : mais pourquoi ?… Mais pourquoi être allé voir Transformers : l’Age de l’Extinction en sachant pertinemment qu’il s’agissait d’un navet, ce qui n’a rien d’étonnant au vu de la piètre qualité du deuxième et du troisième volet. Je pourrais répondre que c’est parce que je suis un homme plein d’espérance, qui continue de croire que Michael Bay est encore capable de retrouver la qualité de l’épisode initial. Bon, la vérité c’est que je n’ai pas pu résister à l’appel des Transformers dinosaures, qui ont fait rêver tous les petits garçons de mon âge, espérant que le Père Noël le placent dans leurs petits souliers.

Malheureusement, aucune bonne surprise, ou presque, n’est à signaler. L’intrigue de Transformers : l’Age de l’Extinction en elle-même est relativement sans intérêt, ou du moins aurait pu être écrit par à peu près n’importe qui. Le renouvellement des personnages n’apportent au final rien du tout, tant ces derniers sont totalement dénués d’épaisseur. Le traitement de leur psychologie et de leurs relations est assez affligeant et nous empêche d’éprouver pour eux la moindre sympathie, sans même parler d’empathie. Et les dernières secondes qui annoncent les deux films encore prévus nous fait pousser de gros soupirs désolés, plutôt que de nous faire trépigner d’impatience.

Cependant, malgré tout, il serait mal honnête de dire que l’on s’ennuie devant Transformers : l’Age de l’Extinction. Je sais bien que cela ne fait pas tout, mais cela reste quand même une qualité non négligeable pour un film de deux heures et demi. Les scènes d’action sont certes basiques et sans nouveauté par rapport aux précédents volets, mais restent néanmoins très spectaculaires, notamment l’affrontement final. On pourra tout de même également noter une petite amélioration dans la qualité de la réalisation. On sent que Pacific Rim de Guillermo Del Toro est passé par là et que Michael Bay a compris qu’il est autorisé de faire durer un plan plus d’un quart de seconde, même pendant une scène de combat. On se réjouit de ce qu’on peut !

LA NOTE : 8/20

La comédie romantique est un genre qui s’installe doucement dans le paysage cinématographique français. Voici même la comédie romantique intello avec Maestro, film qui rend hommage à Eric Rohmer, mais qui nous raconte surtout une rencontre entre un homme et une femme qui à première vue n’ont aucune chance de finir ensemble. Une trame donc très classique, même si le film essaye aussi de nous raconter autre chose.

Gentillet, voici le mot qui résume assez bien ce film. Certes, ce qualificatif s’applique à à peu près toutes les comédies romantiques du monde, mais qui est ici particulièrement pertinent. En effet, aussi bien l’aspect comédie, à l’humour très propre sur lui, que l’aspect romance, avec une le voyou quand même pas très voyou et la coincée quand même très coincée, présentent un aspect un peu lisse et un rien guindé. Cependant, cela n’empêche pas Maestro de fonctionner et de nous permettre de passer un agréable moment et de profiter pleinement du casting de qualité.

Reste enfin l’hommage à Rohmer. Bon, je ne suis certainement pas le mieux placé pour en parler vu que je ne voue aucune admiration à ce cinéaste, dont j’ai détesté à peu près tous les films que j’ai pu voir. Pour moi, il n’a rien d’un maître, mais passons. Car au fond, le personnage parfaitement interprété par Michael n’est qu’un second rôle, celui du mentor qui orient le héros perdu. Cela s’apparente donc plus au clin d’oeil qu’autre chose, même si ce clin d’oeil fera sûrement particulièrement plaisir aux admirateurs du réalisateur du Genou de Claire (le seul film de lui que j’ai vu ressemblant vaguement à quelque chose).

LA NOTE : 11,5/20