Le style caméra à l’épaule a été très en vogue ces dernières années. La mode semble être en train de passer. C’est tant mieux car entre de mauvaises mains, elle peut vite donner au spectateur une légère envie de vomir. Mais ce style a fait la gloire et la renommée de Kathryn Bigelow, lui valant même un Oscar pour Démineurs. Il est vrai qu’elle maîtrise cette manière de filmer à la perfection, sans jamais donné la moindre nausée à l’assistance. Une nouvelle preuve avec Detroit. Assurément le meilleur film de sa carrière.
Au-delà de chaque élément pris séparément, Detroit est un grand film car il signe la parfaite synergie entre un style visuel et un sujet. En nous racontant une histoire se déroulant quasiment en temps réel, elle justifie pleinement l’usage d’une technique qui nous plonge au cœur de l’action de manière assez directe. Pas d’artifice artistique, mais bien une manière de maximiser l’impact d’un propos qui résonne de manière forte avec le contexte actuel. Cet échos permet au film d’être infiniment plus qu’un simple récit de fait divers et en dit particulièrement long sur ce mal qui ronge les Etats-Unis et qui ne semble pas arriver à se dissiper.
Detroit fait partie de ces film traversé du début à la fin par une tension qui vous cloue à votre fauteuil. Chaque moment de calme semble annoncer une tempête à venir et ces dernières ne manquent pas de se déchaîner régulièrement. Ce sens du rythme et de la narration est une autre marque de fabrique de Kathryn Bigelow et elle nous offre une nouvelle démonstration de son immense talent en la matière. Elle n’est pas maladroite non plus dans la direction d’acteurs. J’ignore quelle carrière aura au final Will Poulter, mais il est quasiment certain qu’elle devra beaucoup à ce film, dans lequel il livre une performance tout à fait oscarisable. Mais il n’y a pas que lui qui soit dans ce cas… Le film l’est clairement et Kathryn Bigelow peut espérer d’entrer dans le cercle restreint des réalisateurs multioscarisés.
LA NOTE : 15/20
Fiche technique :
Production : Annapurna Pictures, First Light Productions, Page 1
Distribution : Mars Films
Réalisation : Kathryn Bigelow
Scénario : Mark Boal
Montage : William Goldenberg
Photo : Barry Ackroyd
Musique : James Newton Howard
Durée : 143 min
Casting :
Anthony Mackie : Greene
John Krasinski : Attorney Auerbach
Kaitlyn Dever : Karen
Algee Smith : Larry Reed
Hannah Murray : Julie Ann
Will Poulter : Philip Krauss
John Boyega : Melvin Dismukes
Du côté du scénario, Blade Runner 2049 est aussi réussi, mais connaît quelques limites. Si on entre le cerveau le premier dans l’histoire, on en ressort un peu frustré. L’histoire est finalement assez linéaire et se termine sans apporter de réponse à une foule de questions qui restent ouvertes. Ce ne constituerait pas forcément un problème en soi, si le film ne faisait pas près de 3 heures. Le rythme de narration est lent. Cela donne un style et une personnalité (et reste fidèle à l’œuvre de Ridley Scott) au film, mais au final un soupçon de rythme supplémentaire n’aurait pas été du luxe. S’il serait dommage de bouder son plaisir, on se dit que Denis Villeneuve est passé tout près du chef d’œuvre. Mais le pari reste tout de même réussi haut la main.
La multiplicité des personnages permet à Eric Toledano et Olivier Nakache de donner du rythme à leur récit. Et on sait à quel point le rythme est capital pour qu’une comédie fonctionne. Les séquences s’enchaînent et si une d’entre elles vous laissent froid, elle laissera vite la place à une autre qui vous arrachera un grand sourire. Le Sens de la Fête est à ce titre un modèle dont bien des réalisateurs français devrait s’inspirer. Si on ajoute à tout ça un casting prestigieux, mais parfaitement mis en valeur, avec un Jean-Pierre Bacri inspiré comme rarement, on ne peut que savourer cette friandise cinématographique succulente.
Le style d’Andrey Zvyagintsev peut rebuter. La narration est notamment très lente. L’histoire avance en faisant des cercles, se répétant tout en progressant malgré tout. Faute d’Amour n’a pas vraiment de longueurs à proprement parler. Il s’agit d’un vrai choix artistique de réalisation, auquel on adhère ou pas, mais qui colle merveilleusement bien avec le propos. La performance des deux acteurs principaux est aussi à saluer car jouer l’absence d’émotion est parfois plus difficile que d’incarner l’une d’entre elles. On ressort de ce film réellement troublé, prouvant que l’indifférence ne laisse pas toujours indifférent.
Demain et Tous les Autres Jours rassemble un joli casting. Le grand mérite de Noémie Lvovsky est d’arriver à réellement diriger les comédiens… y compris elle-même. Tous les personnages adoptent un ton très juste. En premier lieu la jeune Luce Rodriguez très à l’aise dans un rôle pourtant pas facile. Même Mathieu Amalric n’en fait pas trop, c’est dire. Tout ce petit monde contribue à faire de ce film un film émouvant, peut-être pas aussi drôle que ce à quoi on s’attendait, mais sans jamais être plombant ou pessimiste.
Mais le pire ne vient pas du fond, mais de la forme. Un Beau Soleil Intérieur repose sur une série de scènes où les comédiens ont eu visiblement carte blanche. Claire Denis se désintéresse visiblement totalement de la direction d’acteurs. Toutes les séquences sont interminables avec des comédiens qui semblent réellement improviser. Et comme on ne peut pas dire que la mise en scène ou la photographie soient particulièrement transcendante, cela donne un film sans rythme, sans souffle, sans rien en fait.
Au-delà du choix évoqué précédemment, le scénario cherche vraiment à être fidèle en tout point à l’œuvre originale, que ça soit au niveau des événements que des personnages. Les fans apprécieront… et les autres aussi car si le livre n’a pas connu un tel succès pour rien. On retrouve la réflexion sur l’adolescence et le passage à l’âge adulte qui marquent tant le roman. Et tout cela est amené intelligemment, en bon équilibre avec les passages d’horreur pure auquel on pourrait peut-être reproché un trop grand classicisme. On touche là la limite de l’exercice. Andres Muschietti s’applique avec talent à nous livrer un film fidèle à l’œuvre d’un autre. En tant que tel, le film n’a donc rien de personnel et ça se ressent. Mais personnellement, j’ai été heureux de voir enfin à l’écran de manière aussi réussie cette histoire qui m’a tant marqué lorsque je l’ai lue adolescent. Et je sais que je ne suis pas le seul !
Le Redoutable confirme que Michel Hazanavicius est un réalisateur libre qui fait les films qu’il a envie de faire sans se soucier du reste. Il n’aura jamais cherché à surfer sur le succès de The Artist en enchaînant avec des œuvres qui ne s’adressent pas vraiment au plus grand public. Il livre ici un film pour cinéphiles. Ces derniers sauront pleinement apprécier toute l’ironie de dialogues souvent savoureux. Certes, le film compte aussi quelques longueurs, mais la performance de Louis Garrel est assez extraordinaire pour que l’on ne trouve jamais le temps long. Et il serait injuste de passer sous silence celle de Stacy Martin, peut-être moins spectaculaire, mais qui donne tout son sens au film. C’est par son regard que l’on voit Jean-Luc Godard et son amour pour lui s’effriter. Un effritement partagé par tous.
Et Robert Pattinson dans tout cela ? Il porte littéralement Good Time sur ses épaules. Il réussit surtout à rendre crédible un personnage qui n’aurait pas supporté d’être mal joué. Il aurait pu si facilement en faire trop qu’on peut vraiment saluer le fait qu’il en fasse juste ce qu’il faut. Il est certainement aidé par la direction artistique des frères Safdie dont la réalisation constitue globalement un point fort de ce long métrage. Ils savent merveilleusement bien jouer avec les lumières de cette ville toujours éclairée et nous offre définitivement un film parfaitement maîtrisé, à défaut d’être totalement inoubliable.
Nos Années Folles est aussi un vrai film de cinéaste. Une réalisation empreinte de sensualité, d’une incroyable sensualité parfois, sans jamais un seul soupçon de vulgarité. Honnis soient les pauvres esprits qui on vu autre choses dans cette magnifique affiche. Une réalisation qui sublime le jeux d’acteurs touchés par la grâce. Le duo formé par Pierre Deladonchamps et Céline Sallette fonctionnent à la perfection, épaulés par une foule de merveilleux seconds rôles. André Techniné nous livre donc un film magnifique et surprenant, deux qualités assez rares pour valoir un César ou deux.
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