Sofia Coppola a toujours eu le don de me décevoir. Je n’ai été enthousiasmé par aucun de ses films. Seul Lost in Translation trouve grâce à mes yeux. Et encore, après l’avoir vu plusieurs fois, parce que la première impression ne fut pas fantastique. Cependant, je lui reconnais un réelle talent de cinéaste, une capacité à donner une personnalité narrative et visuelle à ses œuvres. Je n’accroche pas, mais je garde espoir que cela puisse vraiment marcher entre nous un jour. C’est avec cet espoir au cœur que j’ai été voir les Proies, sans trop y croire vu la tiédeur des critiques. Un espoir à nouveau déçu.
Les Proies constitue en fait un véritable gâchis. En effet, Sofia Coppola pose la situation de départ de manière magistrale, réunit tous les éléments pour nous offrir quelque chose de vraiment emballant. Mais au final, elle n’en fait rien. Au moment où l’intrigue devrait vraiment s’emballer, où la tension accumulée devrait se libérer, le scénario tombe dans une banalité et une platitude particulièrement décevantes. Comme si elle avait eu l’idée de cette situation ambiguë, mais qu’elle n’avait pas contre aucune idée de ce à quoi elle devait conduire. Elle n’est pas la première à qui cela arrive, mais là ça prend de rares proportions.
A côté de cela, sur la forme pure, Les Proies reste un film assez splendide. La manière dont Sofia Coppola capte les petits regards, les légers frémissements entre les personnages qui en disent long sur ce qui est en train de se nouer est tout simplement remarquable. La photographie est impeccable, créant une atmosphère particulière, permettant de dépasser l’impression de confinement qu’impose un huis-clos. Les acteurs sont parfaitement dirigés, même si la qualité du casting aide bien sûr. Mais tout cela ne suffit pas à insuffler un vrai souffle d’intérêt à ce film qui reste avant tout une idée de départ brillante mais absolument pas exploitée.
LA NOTE : 10/20
Fiche technique :
Production : American Zoetrope, FR Productions
Réalisation : Sofia Coppola
Scénario : Sofia Coppola, d’après le roman de Thomas Cullinan
Montage : Sarah Flack
Photo : Philippe Le Sourd
Décors : Anne Ross
Distribution : Universal Pictures International France
Directeur artistique : Jennifer Dehghan
Durée : 94 min
Casting :
Nicole Kidman : Martha Farnsworth
Kirsten Dunst : Edwina Dabney
Colin Farrell : Caporal John McBurney
Elle Fanning : Alicia
Angourie Rice : Jane
Oona Laurence : Amy
Addison Riecke : Marie
Emma Howard : Emily
Le fond de l’histoire n’est pas banal non plus. Entre science-fiction, polar, drame psychologique, teinté de comédie romantique. Upstream Color est à la fois totalement éloigné de ces étiquettes, tout en pouvant tout de même revendiquer de reprendre des éléments qui leur sont familiers. Finalement, il est difficile de savoir si avoir choisi à la fois un fond et une forme particulières rend le film particulièrement intéressant, ou au contraire trop obscur pour être pleinement apprécié. Bref, même en mettant des mots sur ce que j’ai pu ressentir devant ce film tout reste flou. Mais quelqu’un n’aurait pas-t-il dit « Quand c’est flou, y a un loup ? ».
Une Vie Violente est également soutenu par une réalisation qui vient amplifier la tension du récit. On se souviendra notamment du plan séquence final, qui place le spectateur dans une interminable attente avant de… Non, évidemment, je ne dirai rien ! Le film fonctionne aussi grâce à Jean Michelangeli qui donne vie à un personnage loin de tous les clichés sur les « bandits » corses, comme ceux que l’on avait pu voir dans la série Mafiosa par exemple. Un film donc indispensable à ceux qui s’intéressent de près ou de loin à l’Ile de Beauté.
Les Filles d’Avril représente l’occasion de découvrir deux formidables actrices. Enfin, pour Emma Suarez, on ne peut plus vraiment parler de découverte. Une valeur sûre du cinéma espagnole qui avait déjà ébloui à l’écran dans Julieta de Pedro Almodovar. Par contre Ana Valeria Becceril tient là un premier grand rôle remarquable et espérons le remarqué. Entre tristesse, force et détermination, elle interprète une foule de sentiments et d’attitude avec toujours le même talent. Ce duo d’actrice fait beaucoup pour la réussite de ce film pas indispensable, mais dont il serait dommage de se dispenser.
Les combats d’Atomic Blonde se caractérisent par des combattants qui refusent désespérément d’être KO, voire de mourir quand les armes à feu s’en mêlent. Ceci prête à sourire d’abord, puis quand on comprend que cela sera systématique, on se dit que cela tourne sérieusement au grand n’importe quoi. Mais au final, ce tic qui s’apparente à un running gag constitue le seul éclair d’intérêt dans ce grand néant. Un éclair ténu, mais on se raccroche à ce que l’on peut parfois.
Lola Pater offre un rôle sur mesure à Fanny Ardant. Le moins que l’on puisse dire est qu’elle occupe la place, ou du moins l’écran, avec un charisme et un talent hors du commun. Mais on n’en attendait pas moins d’une telle actrice qui se fait finalement assez rare. Cependant, son omniprésence ne doit pas faire oublier la très belle performance de Tewfik Jallab, dans un registre moins flamboyant néanmoins. C’est bien parce que le duo fonctionne que le film fonctionne également. Pour le plus grand bonheur des spectateurs.
Crash Test Aglaé doit beaucoup à la belle performance de India Hair, que l’on avait découvert il y a quelques temps déjà dans Camille Redouble. Elle prouve ici qu’elle possède vraiment l’étoffe d’un premier rôle. Elle porte une grande partie du film sur ses frêles épaules qui semblent donc beaucoup plus solides qu’elles en ont l’air. Son interprétation est parfaitement mise en valeur par le travail de réalisation d’Eric Gravel, donc la qualité est à souligner. Un roadmovie a toujours besoin d’une caméra capable de nous faire apprécier l’ambiance et l’esthétique des lieux. Il parvient à faire de ce film un joli voyage, plein de tendresse et ponctué d’une pointe d’humour. Un voyage que l’on ne regrette pas de mener en tout cas.
Sur la forme, on retrouve tout ce qui a toujours fait le charme du cinéma de Tony Gatlif. Il va encore plus loin ici, puisqu’on pourrait presque parler de comédie musicale. Ou disons que Djam est parcouru de moments musicaux que l’on écoute de bout en bout. Cela s’insère avec beaucoup de naturel dans ce récit polymorphe. Une pièce supplémentaire du puzzle, mais une pièce essentielle. Ce film est surtout l’occasion de découvrir Daphne Patakia, une jeune actrice belge qui crève littéralement l’écran. Elle sera à l’affiche de la saison 3 de Versailles à la rentrée et cela constitue une raison à elle seule d’attendre avec impatience cette dernière.
La Planète des Singes : Suprématie reste parfaitement réalisé techniquement par contre. Si le film manque de crédibilité, ce n’est sûrement pas à cause des effets spéciaux. Au contraire, ils restent demeurent assez bluffants. La mise en scène est aussi soignée, avec quelques beaux plans et des scènes d’action maîtrisées. Le film bénéficie aussi de la présente à l’écran d’un Woody Harrelson qui rentre totalement dans la peau de son personnage. On peut penser que la franchise s’arrêtera là et on se dit qu’elle ce n’est pas plus mal, pour éviter un déclin qui serait dommageable à la qualité globale de cette trilogie qui reste tout de même de premier plan.
Reste bien sûr le scénario. C’est bien par là que Valérian et la Cité des Mille Planètes pêche quelque peu. Non que l’on s’ennuie, mais il ne parvient pas à donner une véritable personnalité et originalité au film. Il y a bien de l’humour,de l’action et du rythme, mais peut-être pas assez pour marquer vraiment les esprits. Cela manque d’épaisseur sur à peu près tous les plans. Pas assez pour parler de film raté, mais trop pour en faire un film culte comme le Cinquième Elément. Les personnages sont un tantinet transparents et les acteurs manquent parfois d’un poil de conviction. Bref, tout cela donne l’impression d’un film inabouti pour avoir cherché à être trop consensuel. Avoir cherché à l’être a sans doute été l’erreur de Luc Besson. Une erreur qui pourrait lui coûter cher au sens premier du terme.
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