Depuis Génial, Mes Parents Divorcent à la fin des années 80, la famille recomposée est plutôt devenue un sujet de comédie, loin du drame à la Kramer contre Kramer. Il faut dire que les ressorts comiques qu’offre ce genre de situation sont relativement inépuisables. La preuve avec Lolo, comédie classique à tout point de vue, mais assez bien menée pour être convaincante… et drôle ! Ce qui est quand même le minimum pour une comédie.

Lolo est une nouvelle version du triangle amoureux, avec une mère célibataire, son nouvel amoureux et un fils possessif qui n’a pas du tout envie de voir cet intrus s’incruster. Il multipliera alors les stratagèmes de plus en plus élaborés pour casser le couple. Bref, Julie Delpy n’a donc pas non plus été cherché très loin l’idée de départ de son scénario. Mais elle a su lui donner l’épaisseur nécessaire pour en faire un film digne d’intérêt. Déjà en imprimant un rythme soutenu pour que les situations comiques s’enchaînent sans jamais tourner en rond.

Lolo brille aussi par la qualité de ses personnages. Non qu’ils soient réellement originaux ou vraiment surprenants, mais on s’y attache rapidement, rentrant ainsi facilement dans l’histoire. C’est surtout le rôle du fils, dont le film tire son nom qui apporte un petit quelque chose en plus. Il confirme également que je peux arrêter de détester Vincent Lacoste, que j’ai une nouvelle fois trouvé remarquable, après son magnifique rôle dans Hippocrate. Le duo Dany Boon – Julie Delpy fonctionne lui assez bien pour que tout le film tienne debout. Ils sont tous les deux bien dans leur rôle, dépensant l’énergie et faisant preuve de la conviction nécessaires pour nous faire passer un bon moment.

LA NOTE : 12,5/20

Fiche technique :
Production : The Film, France 2 Cinéma, Mars films, Wild Bunch, Tempête sous le crâne
Distribution : Mars distribution
Réalisation : Julie Delpy
Scénario : Julie Delpy, Eugénie Grandval
Montage : Virginie Bruant
Photo : Thierry Arbogast
Décors : Emmanuelle Duplay
Costumes : Pierre-Yves Gayraud
Durée : 99 min

Casting :
Dany Boon : Jean-René
Julie Delpy : Violette
Vincent Lacoste : Lolo
Karin Viard : Ariane
Antoine Lounguine : Lulu
Christophe Vadevelde : Gérard
Elise Larnicol : Elisabeth
Nicolas Wanczycki : le médecin de l’hôpital

L’école de l’animation française a toujours été particulièrement brillante et productive. Cela pouvait être mis en parallèle avec une école de bande-dessinée qui, en association avec nos amis belges, possède encore une renommée mondiale. Mais pendant plusieurs décennies, les deux n’étaient plus vraiment en relation. C’est visiblement en train de changer. Après un très bon et très moderne Asterix et le Domaine des Dieux, voici Avril et le Monde Truqué, adaptation sur grand écran de l’univers graphique de Tardi. Mais surtout une belle réussite.

Avril et le Monde Truqué repose premièrement sur une excellente histoire. Il est avant tout un vrai roman d’aventures, empli d’humour, de poésie et de fantastique. Une uchronie qui permet de donner sa pleine mesure à l’imagination des deux scénaristes. Ils arrivent à nous surprendre tout en offrant une vraie cohérence au monde qu’ils ont crée. Un monde peuplé de personnages remarquables et qui prennent vie grâce à un casting voix de très haut niveau.

Avril et le Monde Truqué est une réussite aussi parce que le film respecte totalement l’univers graphique de Tardi. Ce dernier assure la direction artistique pour ce film, mais ce sont évidemment toute l’équipe qui est à saluer car elle a su se mettre au niveau d’un des auteurs les plus brillants de l’école franco-belge actuelle. L’animation est fluide et conserve le charme unique du « vrai » dessin. L’ensemble de ses qualités fait d’ailleurs que l’on oublie vite que l’on est face à un film d’animation pour apprécier pleinement cet excellent film tout court.

LA NOTE : 14/20

Fiche technique :
Production : Je suis bien content, Studiocanal, Kaibou production, Need productions, Arte France Cinéma, Jouror, Tchack
Distribution : StudioCanal
Réalisation : Christian Desmares, Franck Ekinci
Scénario : Frank Ekinci, Benjamin Legrand
Montage : Nazim Meslem
Son : Yann Lacan
Musique : Valentin Hadjadj
Directeur artistique : Jacques Tardi
Durée : 105 min

Casting :
Marion Cotillard : Avril
Philippe Katerine : Darwin
Jean Rochefort : Pops
Marc-André Grondin : Julius
Olivier Gourmet : Paul
Bouli Lanners : Pizoni
Macha Grenon : Annette
Benoît Brière : Rodrigue
Anne Coesens : Chimène

Ridley Scott est un immense réalisateur. Un de ceux qui comptent vraiment dans l’histoire du 7ème art. Mais aussi un génie intermittent qui entrecoupe ces chefs d’œuvre de quelques navets. Les plus mauvaises langues diront que ces derniers prennent de plus en plus de place à mesure que l’artiste prend de l’âge. Je reste quant à moi plus mesuré, ayant été un des rares à vraiment adorer Prometeus. Cependant, je crois que le débat pourra s’éteindre au moins le temps d’un film. Seul Sur Mars est en effet un des films marquants de cette fin d’année cinématographique.

Seul Sur Mars n’est certainement pas le meilleur film qu’ait jamais réalisé Ridley Scott. Il reste un produit hollywoodien de pur divertissement. Il lui manque le supplément d’âme qui fait les très grands films. Il n’empêche qu’il s’agit d’un film parfaitement maîtrisé à tout point de vue, avec quelques moments de vraie grâce cinématographique. Si vous pensiez que le disco n’avait pas sa place dans le vide spatial, vous vous trompiez. Le temps d’une scène avec Abba en fond musical et vous compreniez à quel point un grand réalisateur peut vraiment faire la différence à partir de pas grand chose.

Seul Sur Mars se distingue par un scénario parfaitement construit, une course poursuite contre le temps, contre les problèmes, contre la distance, contre la mort. Le spectateur se prend immédiatement au jeu, attendant la prochaine difficulté et la prochaine réponse ingénieuse qui y sera apportée. Le ressort est classique, sans surprise il est vrai, mais assez jouissif. On est venu exprès pour cela, alors on oubliera vite qu’à côté de ça tout le reste manque quelque peu d’épaisseur. Heureusement, une touche d’humour est la bienvenue et les plus cinéphiles souriront quand ils verront Sean « Boromir » Bean faire référence au Seigneur des Anneaux. Du coup, je pardonne quelques approximations agronomiques.

Les personnages sont eux aussi assez superficiels. Mais le casting brillant et la direction d’acteur nous permettent de s’y attacher malgré tout. Matt Damon fait preuve de son charisme habituel, sans pour autant forcer son talent. Mais quand on en a autant, c’est largement suffisant. C’est du côté des rôles féminins que la petite différence ce fait, avec une Jessica Chastain qui s’affirme vraiment comme une formidable actrice et une Kristen Wiig tellement mieux mise en valeur que dans les 4 Fantastiques. Bon faut dire qu’il n’y avait pas de mal… En tout cas, tous les comédiens rendent ce voyage sur Mars vraiment plaisant et si on est heureux quand le personnage quitte enfin la planète rouge, on est un peu triste de partir avec lui.

LA NOTE : 15/20

Fiche technique :
Production : 20th Century Fox, TSG Entertainment, Genre Films, Scott Free Productions
Distribution : 20th Century Fox France
Réalisation : Ridley Scott
Scénario : Drew Goddard, d’après le roman d’Andy Weir
Montage : Pietro Scalia
Photo : Dariusz Wolski
Décors : Arthur Max
Musique : Harry Gregson-Williams
Costumes : Janty Yates
Durée : 144 mn

Casting :
Matt Damon : Mark Watney
Jessica Chastain : Melissa Lewis
Kristen Wiig : Annie Montrose
Jeff Daniels : Teddy Sanders
Michael Peña : Rick Martinez
Sean Bean : Mitch Henderson
Chiwetel Ejiofor : Vincent Kapoor

Beaucoup d’enfants acteurs ne survivent pas au passage à l’âge adulte. Surtout s’ils ont interprété un rôle pendant trop longtemps pour qu’il ne marque pas à jamais leur vie, ce qui même pour un comédien plus âgé promet des lendemains difficiles. Je doute fort que l’on verra encore longtemps Daniel Radcliffe, alias Harry Potter, sur nos écrans. Pas assez de charisme, ni de talent. Par contre, parmi ses partenaires de casting, une semble avoir tiré son épingle du jeu et s’affirme un peu à chaque nouveau film. Emma Watson pourrait bien connaître de son côté une longue et belle carrière et ne pas rester ad vitam æternam celle qui a joué Hermione Granger. Une nouvelle preuve avec Regression. Un film moyen mais où elle surnage quelque peu.

Regression est un excellent exemple de la capacité du cinéma américain à produire des films à partir de son histoire judiciaire. La France s’y met doucement, comme par exemple l’Affaire SK1 sur Guy George, mais cela reste une spécialité d’Outre-Atlantique. Nous plongeons là dans la psychose ayant sévi dans les années 90 autour de supposés rites satanistes, comprenant notamment à des sacrifices d’enfants. Des enquêtes très poussées ont tenté de les mettre à jour à partir de témoignages de rescapés, toujours sans succès. Manque de preuve ou complot pour protéger les coupables ? Voilà la question qui était alors posée.

Regression s’attache à décrire les mécanismes de la psychose, du doute qui s’installe et du biais qu’il engendre dans la perception des choses. C’est ici que réside le vrai sujet du film, bien plus que l’enquête en elle-même et la quête de la vérité. Ce point de vue n’est pas dénué d’intérêt, mais il est traité avec trop de cette froide efficacité qui peut engendrer les meilleurs thrillers, mais qui ici fait de ce film une réflexion lisse et superficielle. De plus, les ficelles de l’intrigue sont grosses et il faut vraiment être myopes pour ne pas voir arriver les rebondissements. Alejandor Amenabar a décidément du mal à trouver des scénarios qui réservent de vraies surprises… même si pour les Autres, ce n’était pas vraiment de sa faute.

Reste tout une même une réalisation assez élégante. Elle arrive à crée une certaine ambiance et de là une certaine tension qui permet au spectateur de rentrer dans le film. Par contre, les acteurs sont eux aussi marqués par cette froide efficacité, qui ne les conduira jamais dans leurs derniers retranchements de comédien. Au milieu de tout cela, Emma Watson apporte une touche en plus, mais quand même pas au point de transcender le résultat final. Regression en constitue donc une petite dans la carrière d’Alejandro Amenabar.

LA NOTE : 11,5

Fiche technique :
Production : First Generation Films, Himenóptero, Mod Producciones, First Generation Films, Telefonica Studios
Distribution : Metropolitan Filmexport
Réalisation : Alejandro Amenábar
Scénario : Alejandro Amenábar
Montage : Carolina Martinez Urbina
Photo : Daniel Aranyo
Décors : Carol Spier
Musique : Roque Banos
Durée : 107 mn

Casting :
Ethan Hawke : Bruce Kenner
Emma Watson : Angela Gray
David Thewlis : Dr Kenneth Raines
David Dencik : John Gray
Aaron Ashmore : Geroge Nesbitt
Devon Bostick : Roy Gray
DaleDickey : Rose Gray
Lothaire Bluteau : Reverend Murray

La notion de scénario ou au moins de pitch éculé a constitué le fil rouge de mes dernières critiques. Mais nous pouvons être rassuré, il existe encore des idées radicalement originales qui n’ont pas encore été portées à l’écran. La preuve avec The Lobster, un film dont le point de départ assez délirant est traité avec le plus grand sérieux pour un résultat surprenant et réussi.

Personnellement, je vous conseille de faire comme moi, c’est à dire d’aller voir The Lobster en en sachant le moins possible sur l’histoire. Vous passerez ainsi un premier quart d’heure les yeux écarquillés en vous disant : qu’est ce que c’est que ce délire ? ou What the Fuck ? si vous êtes plus grossier et anglophone. Puis une fois que vous aurez assimilé ce point de départ inattendu, vous vous laisserez charmer par ce scénario qui ne ressemble à aucun d’autres et qui continuera à vous proposer bien des surprises jusqu’au dénouement.

Il est clair que The Lobster s’adresse uniquement à ceux qui apprécient l’humour au 800ème degré et très, mais alors vraiment très, décalé. Il y a dans ce film très certainement la volonté de nous livrer une satyre de certains penchants de nos sociétés, mais ce qui domine c’est surtout le plaisir d’emmener le spectateur là où il ne s’imaginait pas aller un jour. Tous les acteurs jouent le jeu avec un talent et un aplomb remarquables. Ce n’est pas du grand cinéma, mais au moins on tient là le souffle de créativité pure qui manquait à cet automne cinématographique.

LA NOTE : 13,5/20

Fiche technique :
Production : Element Pictures, Haut et Court, Scarlet Films, Film4, Lemming Film, Faliro, Limp
Réalisation : Yorgos Lanthimos
Scénario : Yorgos Lanthimos, Efthimis Filippou
Montage : Yorgos Mavropsaridis
Photo : Thimios Bakatakis
Décors : Jacqueline Abrahams
Distribution : Haut et Court
Son : Johnnie Burn
Durée : 118 min

Casting :
Colin Farrell : David
Rachel Weisz : la femme myope
Olivia Colman : la gérante de l hôtel
Ben Whishaw : l’homme qui boite
Léa Seydoux : la chef des solitaires
John C. Reilly : l’homme qui zozotte

La famille reste une source inépuisable d’idées de scénario, en particulier pour un cinéma français particulièrement friand des histoires de ce type. Belles Familles nous en apporte une nouvelle preuve. A défaut de renouveler le 7ème art, ce genre de film nous fait généralement apprécier notre propre famille en nous faisant dire qu’on peut facilement trouver pire ou plus tordu ailleurs. C’est au moins une façon de se consoler quand le résultat est cinématographiquement moyen.

Belles Familles a bien des qualités à faire valoir. Un scénario bien construit, avec des rebondissements. Un casting de très haut niveau, offrant des rôles sur mesure à des pointures du cinéma français. Une réalisation signée Jean-Paul Rappeneau sobre, mais qui met ainsi en valeur le travail des comédiens. Une galerie de personnages savoureuse, à défaut d’être inoubliable. Tout semble donc réuni pour un très bon moment de cinéma. Simplement, un film n’est jamais tout à fait égal à la somme de ses parties.

Belles Familles est loin d’être un mauvais film. Mais il peut décevoir à plusieurs points de vue. Déjà parce qu’on peut s’étonner qu’un monstre du cinéma français ait attendu 12 ans pour revenir à l’écran avec un film aussi anodin. Jean-Paul Rappeneau est particulièrement peu profilique, on attend donc beaucoup plus de chacune de ses œuvres. De plus, il échoue à donner ce supplément d’âme, d’épaisseur à son scénario et à ses personnages pour donner au spectateur de vraies raisons de s’enthousiasmer. Au final, il nous livre un énième film familial, entre comédie des mœurs et vaudeville, qui se laisse regarder, mais s’oubliera vite.

LA NOTE : 11,5/20

Guillermo Del Toro est un réalisateur de génie. Un réalisateur qui a un sens parfait de l’image, qui transpire le cinéma à chaque scène qu’il tourne et qui ne croit pas que l’on doit forcément faire ressembler un film d’action à clip vidéo où chaque plan dure moins d’une seconde. Guillermo Del Toro est un scénariste nettement moins génial par contre. Son précédent film, Pacific Rim, était superbe mais avec une histoire tellement minimaliste et premier degré qu’il était difficile d’apprécier pleinement ses aspects les plus jouissifs. Un accident de parcours ? Malheureusement, Crimson Peak souffre du même déséquilibre.

J’ai beaucoup parlé de scénario éculé ces derniers temps, j’aurais pu en rajouter une couche avec Crimson Peak. Mais en plus, d’être déjà vu des dizaines de fois, l’histoire est largement cousue de fil blanc et les rebondissements arrivent exactement comme et quand on s’attendait à ce qu’ils arrivent. A ce niveau-là, ce sens du timing pourrait presque être objet d’admiration. Bon, j’exagère peut-être un peu, car le film se laisse globalement regarder, mais il est vraiment dommage de gâcher de telles qualités artistiques avec un scénario si banal. C’est de la confiture donnée aux cochons cinéphiles.

En effet, esthétiquement, Crimson Peak est vraiment superbe. En particulier, les décors sont parfois sublimes. Il est vraiment dommage que l’émotion qu’ils font naître ne viennent pas soutenir une intrigue plus solide. Côté casting, on notera surtout le charisme particulier de Tom Hiddleston. Rarement un acteur est arrivé à être aussi inexpressif tout en étant aussi présent à l’écran. C’est vraiment lui, et son personnage, qui donne le seul supplément d’âme à une histoire qui en manque cruellement. Allez Guillermo, un effort ! Accepte de raconter des histoires écrites par d’autres !

LA NOTE : 10,5/20

Faire un film social est un art difficile. Le manichéisme, le misérabilisme, la caricature ou l’enfoncement de portes ouvertes sont autant de danger qui guettent tous ceux qui veulent livrer une réflexion sur tout ce que exclut, fragilise, relègue les plus faibles d’entre nous. Beaucoup de films n’y échappent pas. Cette année, Mon Amie Victoria ou bien la Loi du Marché n’auront pas su éviter tous ces travers. Fatima a-t-il su esquiver tous ces pièges ?

Fatima n’est évidemment pas un film parfait, la perfection n’étant de toute façon pas de ce monde. Parmi les défauts que j’ai cité, on peut lui reprocher peut-être un léger manichéisme, puisqu’il se focalise avant tout sur tout ce qui renvoie l’héroïne à sa condition et ses différences. Du coup, on a un peu l’impression qu’elle ne croise dans son quotidien que des gens indifférents, quand ils ne sont pas détestables. Cela sert évidemment le propos, mais lui donne peut-être un léger côté artificiel, en éludant ce qui pourrait le contredire.

Il n’empêche que la démonstration est brillante, convaincante et particulièrement pertinente. Le casting formidable y est pour beaucoup, le choix aussi d’un film court, percutant et qui s’attache à l’essentiel. Mais le fond de la réflexion présente par elle-même un réel intérêt, en décortiquant ces petits riens, ces attitudes à première vue anodines qui peuvent enfermer autrui dans l’image que l’on s’en fait. Enfin, Fatima se démarque enfin par un certain courage, n’hésitant pas à aborder les rapports au sein même « des exclus ». Bref, tout le monde en prend pour son grade et donne à ce film un caractère objectif et particulièrement éclairant.

LA NOTE : 14/20

J’ai beaucoup parlé ces dernières critiques de scénarios quelque peu éculés et d’idées recyclées encore et encore. Comme si une épidémie de manque d’originalité avait frappé nos grands écrans. Mais cette maladie est-elle si terrible ? Pas forcément, quand on a un talent immense. M. Night Shyamalan en possède un d’un fort beau gabarit, bien qu’il ne l’ait pas toujours utilisé à bon escient. Il le prouve avec The Visit un film dont tous les éléments sont archi connus, mais qui possède une personnalité bien à lui.

The Visit recycle à peu près tous les éléments des films de maisons hantées avec des bruits bizarres et des gens qui ont des comportements étranges et inquiétants la nuit. Si on regarde superficiellement le déroulé du scénario, y compris le twist final, on se dit franchement qu’on a vu ça mille fois et que ça n’a a priori donc pas grand intérêt. Mais le film est rempli de petits détails qui font que l’on se retrouve devant une sorte de parodie tournée avec le plus grand sérieux. Dans un style différent, on retrouve là quelque peu la démarche d’un Quentin Tarantino, c’est à dire se moquer très gentiment de certains clichés des films de genre, tout en leur rendant hommage en les mettant en scène avec talent et application.

The Visit fait donc parfois rire, parfois peur. On est toujours partagé entre deux sentiments et si on sourit très souvent, c’est toujours quand même avec un peu de crispation. M. Night Shyamalan possède de plus ce sens de l’image et de la mise en scène pour créer une ambiance pesante à partir de pas grand chose, ce qui constitue la marque des plus grands films du genre. Mais il ajoute une petite touche en plus, avec un final particulièrement réussi et jouissif, où le cinéaste démontre à quel point tout cela est maîtrisé. Avec ce film, ne doutons pas que le réalisateur s’est fait un petit plaisir… mais qui nous fait également bien plaisir !

LA NOTE : 13,5/20