Je me permets décidément des néologismes dans mes critiques. Cette fois j’ai fusionné le mot « marivaudage » et le nom de Woody Allen. Il me fallait en effet un mot pour résumer Broadway Therapy, une histoire de marivaudage qui rappelle beaucoup la face la plus légère du cinéma de Woody Allen. Sauf que ce n’est pas Woody Allen derrière la caméra, mais Peter Bogdanovich, qui visiblement se porte très bien à 76 ans.

Broadway Therapy est une agréable comédie légère et bien huilée. Ca ressemble à du Feydeau parfois, mais dans un esprit très new-yorkais. Les comportements humains sont partout les mêmes, seuls les décors changent. Ce film en est la preuve ! C’est rythmé, vif, jamais vulgaire. Un vrai moment de légèreté qui ne fait pas forcément rire aux éclats à tout bout de champs, mais donne un grand sourire aux lèvres du début jusqu’à la fin.

Broadway Therapy se caractérise aussi par un casting savoureux. Parmi les valeurs sûres, je mettrai en avant les performances d’Owen Wilson et de Jennifer Anniston. Comme quoi, il y a rarement de mauvais acteurs, seulement des mauvais metteurs en scène. Bien dirigés, ces deux là dégagent une vraie force comique, sans cabotinage, ni lourdeur. Mais on retiendra avant tout de ce film la révélation d’Imogen Poots… Avec un nom comme celui-là, il faut du talent pour s’imposer. Elle prouve qu’elle en a beaucoup pour un premier rôle vraiment marquant qui en appelle d’autres.

LA NOTE : 13,5/20

Si le cinéma se nourrit de fictions, d’histoires inventées, il n’empêche que le but premier d’un metteur en scène reste d’arriver à faire que l’on croit à son scénario. Malheureusement, il suffit parfois d’un petit grain de sable pour saper sa crédibilité auprès d’un spectateur qui va du coup être incapable de rentrer vraiment dans le film et se laisser porter. C’est tout à fait ce qui se produit avec Dark Places. Un polar noir réalisé avec beaucoup de professionnalisme, mais auquel il est bien difficile de prêter beaucoup de crédit.

Si Dark Places ne fonctionne pas, c’est avant tout la faute à son casting. Le choix de Charlize Theron pour ce rôle est définitivement une fausse bonne idée. Avec son visage parfait, ses mains parfaite, sa silhouette parfaite, elle a bien du mal à nous faire croire qu’elle est une pauvre fille un peu paumée issue de l’Amérique profonde. Pour preuve, la tentative un peu pathétique de la « plouciser » (néologisme de mon invention) en lui faisant porter des t-shirts troués. Le problème, c’est qu’elle n’a pas l’air du tout d’une fille qui porte naturellement des t-shirts troués, juste d’une mannequin de chez Dior à qui on fait porter des t-shirts troués.

A côté de ça, Dark Places souffre d’un scénario bien mené, mais ne déborde ni d’imagination, ni d’originalité. Il est même beaucoup plus linéaire qu’attendu. J’ai été persuadé pendant une bonne partie du film que j’avais deviné bien à l’avance le retournement de situation final… Sauf que pas du tout, parce qu’il n’y a pas vraiment de retournement de situation final. Le fin mot de l’histoire nous est révélé sans réellement nous surprendre, même si on ne la voit pas forcément arriver de loin. Bref, le film manque un peu d’âme et au final un peu trop lisse pour être un film noir convainquant.

LA NOTE : 10,5/20

La mort est la seule chose d’absolument certaine dans la vie. C’est dire son importance ! Elle est pourtant rarement le sujet central d’une histoire car on est rarement ravi d’avoir à la regarder en face. On cherche plutôt à l’oublier ou l’exorciser. Mais rien n’y fait, on va bien mourir un jour… Et ce jour là, il faudra bien quelqu’un qui s’occupe de tout ce que l’on laissera derrière soi, même si on meurt seul et isolé. Voilà, le point de départ de Une Belle Fin. Un film sur la mort donc, mais plus optimiste et poétique que ce que laisserait penser un tel sujet.

Une Belle Fin porte très bien son nom puisque il se conclut sur un très joli dénouement, très émouvant. Il vient parachever un film touchant, qui parle de sujets plutôt graves mais d’une manière subtile et intelligente. Il ne s’agit pas vraiment d’une comédie à proprement parler. Il porte simplement un regard un peu décalé sur la mort, le deuil, la solitude. Il véhicule également de belles valeurs humanistes, dénonçant sans en avoir l’air une forme d’indifférence aux autres. Au final, ce film sur la mort nous livre une jolie leçon de vie. D’ailleurs, le titre original est « Still Life »…

Une Belle Fin repose en grande partie sur les épaules d’Eddie Marsan, que l’on avait pu découvrir notamment dans le Dernier Pub Avant la Fin du Monde ou la série Ray Donovan. Il tient là son premier grand rôle et s’en sort remarquablement bien. On soulignera qu’il a le physique de l’emploi, mais sa performance ne peut pas se résumer à ça. Il sait rendre son personnage attachant, nous apprend à l’aimer… et par la même occasion aimer ce film réussi, au message simple, mais très bien amené. Le seul reproche qu’on peut lui faire est peut-être de démarrer un peu trop doucement. En effet, le scénario, aussi réussi soit-il, n’a pas tout à fait assez de matière pour l’heure et demi minimale pour un long métrage.

LA NOTE : 13/20

Ryan Gosling est quand même un putain de beau gosse et par la même occasion une superstar planétaire ! Mais tous les putain de beaux gosses ne deviennent pas pour autant des superstars planétaires. Il faut pour ça beaucoup de talent et un peu de chance. Une rencontre, comme celle entre Ryan Gosling et le réalisateur Nicolas Winding Refn, qui l’a révélé dans Drive. Il n’est donc pas illogique qu’il s’inspire du cinéma de ce dernier en passant de l’autre côté de la caméra pour nous livrer Lost River. Simplement inspirer ou carrément imiter ?

Lost River dans son style, son rythme, sa réalisation, son scénario, pourrait être un film de Nicolas Winding Refn. Ce n’est pas un mal en soi, tant Drive nous avait émerveillés. Mais la filiation est tellement évidente que cela prive cette première œuvre de tout caractère personnel. Cela donne un film brillant et maîtrisé, mais aussi froid et un peu vain. L’esthétique ne peut masquer complètement le manque de propos et l’ambiance étouffante la linéarité de l’intrigue qui ne nous réserve guère de surprises.

Lost River ne possède pas la démesure qui peut caractériser le cinéma de Nicolas Winding Refn. Une démesure qui peut donner certes le meilleur (Drive), mais aussi le pire (Only God Forgives). Mais au moins, il ne laisse personne indifférent. Ryan Gosling reste donc au milieu du gué et n’arrive pas à donner à son film un intérêt profond. Le jeune homme a aussi du talent de ce côté de la caméra, c’est incontestable. Mais il lui manque encore la personnalité !

LA NOTE : 11,5/20

Parfois, dans la vie, on se demande ce qui nous a pris… Certes, on commet tous des erreurs, c’est inévitable. En me rendant au cinéma ce jour-là, j’ai bien commis une erreur. Enfin, pour le coup, à mon sens, ce sont surtout la plupart des critiques qui en ont commis une. 3,9/5 de moyenne sur Allociné pour Histoire de Judas fait partie de ces phénomènes inexplicables et hors de toute rationalité. Je sais bien qu’un avis sur une œuvre est forcément subjectif, mais dans ce cas-ci, mon incompréhension est totale.

Il est évidemment injuste de reprocher à un film son manque de moyen, même quand il est criant. Mais parfois, il est difficile de ne pas avoir un petit sourire moqueur face à ces décors qui ne sont pas du tout ce qu’ils devraient être, où trois murs en ruine sont censés représenter Jérusalem au temps de Jésus. Le problème est quand cela est couplé avec une interprétation relativement désastreuse. Aucun des acteurs n’adopte de ton juste, c’est soit surjoué, soit pas joué du tout. Or, je n’avais pas jamais vu rassemblé ces deux défauts poussés à ce point que dans les films X. Et je peux vous assurer que passer 1h30 à se dire « les acteurs sont aussi mauvais et les décors sont aussi peu crédibles que ceux qu’un film de cul », ça vous gâche un peu le spectacle.

Le plus gros problème, c’est qu’à côté de ça, le propos de Histoire de Judas n’a strictement aucun intérêt. Déjà, il parle au final assez peu de Judas… Et le seul fait qu’il n’est pas dans ce film le traître que la légende a forgé ne suffit pas en soi à sauter sur son siège d’enthousiasme. Surtout quand à côte de ça, il ne se passe pas grand chose et que les dialogues sont creux. Le film ne raconte rien, ne parle de rien. Bref, un moment de non cinéma…

LA NOTE : 3/20

Polar social, voici un genre cinématographique typique du 7ème art hexagonal. Une nouvelle preuve avec Jamais de la Vie, le nouveau film de Pierre Jolivet. Un mélange qui ne surprend guère de la part d’un réalisateur qui donne souvent un fond social à ses films, qu’ils soient sur le ton de la comédie ou beaucoup plus sombres. Ici, on est plus proche du film noir que du divertissement léger. On est surtout proche du très bon film.

Proche, mais pas tout à fait donc. La faute peut-être à un démarrage un peu lent, qui certes pose le décor et les personnages, mais cache aussi le fait que l’intrigue ne tient pas tout à fait une heure et demi. Jamais de la Vie est en fait une longue montée vers un final quelque peu attendu. On est donc proche du film d’ambiance, avec une tension d’abord impalpable qui se concrétise au fur et à mesure. Pierre Jolivet est à l’aise dans cet exercice, qui lui permet de nous démontrer toutes ces qualités de réalisateur, malgré le léger manque de rythme initial.

Jamais de la Vie repose très largement, pour ne pas dire exclusivement, sur les épaules d’Olivier Gourmet qui doit être présent, sauf erreur de ma part, 100% du temps (enfin au moins dans la scène, pas forcément cadré à l’écran). Le film nous raconte bien l’histoire d’un homme et il fallait un acteur aussi talentueux que lui pour donner assez d’épaisseur à son personnage et par la même occasion au film tout entier. Il serait cependant injuste de passer sous silence la jolie performance de Valérie Bonneton, une actrice que l’on a envie de voir ailleurs que dans de simple comédie.

LA NOTE : 13/20

Pourquoi j’ai Mangé mon Père est un des romans les plus drôles que je n’ai jamais lu. En plus, ce fut une merveilleuse surprise, puisque je l’ai acquis presque par hasard, sans du tout savoir de quoi il s’agissait. Malheureusement, mon enthousiasme est nettement moindre pour Pourquoi j’ai pas Mangé mon Père de Djamel Debbouze. Un film sympathique, mais inégal qui n’a pas su trouver le ton juste.

Déjà, le livre et le film n’ont pas grand chose à voir l’un avec l’autre, sinon une vague idée de départ. D’ailleurs, la différence dans le titre montre bien une différence d’état d’esprit… qui fait justement toute la différence. Pourquoi j’ai pas Mangé mon Père propose un humour souvent très premier degré et manque souvent de mordant. C’est dommage car c’est dans les quelques moments où le film sort un peu des gags quelque peu convenus qu’il devient vraiment drôle. L’anachronisme est un ressort comique toujours aussi efficace, mais qui n’a rien d’incompatible avec un peu de politiquement incorrect.

De plus, Pourquoi j’ai pas Mangé mon Père n’est pas tout à fait qu’une comédie. Il est aussi riche en rebondissements qui le rapprochent parfois d’un film d’aventures. Cependant, cela reste assez basique et enfantin, dans le mauvais sens du terme. Ca n’a pas un immense intérêt en soi, mais cela occupe une très grande place dans le film. On ne s’ennuie pas vraiment, mais on attend quand même avec un peu d’impatience le retour d’un passage plus tourné vers l’humour, car c’est encore ce qui fonctionne le mieux malgré les limites évoquées plus haut. Quant à l’animation, elle est de qualité, mais sans réelles qualités esthétiques.

LA NOTE : 10,5/20

Depuis l’adaptation cinématographique de la trilogie Millenium, les polars nordiques sont régulièrement présents sur nos écrans et depuis le succès de la série Borgen, le cinéma danois est à l’affiche de manière récurrente. C’est donc logique de voir finalement débarquer un polar danois, à savoir les Enquêtes du Département V : Profanation. Un film sombre, très sombre, violent, pour ne pas dire un peu gore.

Les Enquêtes du Département V : Profanation est en fait le deuxième volet d’une tétralogie. Le premier épisode n’a été distribué en France qu’en vidéo à la demande. Mais que le spectateur soucieux soit rassuré, cela ne nuit absolument pas à la compréhension et peut-être que certaines choses m’ont échappé, mais elles m’ont tellement échappé que je ne m’en suis pas du tout rendu compte. Il s’agit en fait d’une sorte de Cold Case, sauce Copenhague, imaginé par le romancier Jussi-Adler Olsen.

Comme indiqué plus haut, il vaut mieux avoir le cœur bien accroché pour voir Les Enquêtes du Département V : Profanation. Certaines scènes sont assez crues, même si les passages les plus durs sont souvent fugaces. Mikkel Nordgard choisit donc de montrer les choses telles qu’elles sont, de nous en faire mesurer toute l’horreur parfois, mais sans tomber dans le voyeurisme. Cela donne un fort impact à son film et maintient le spectateur dans un état de tension permanent. Tout cela vient appuyer un scénario policier assez classique, mais très solide.

Cependant, Les Enquêtes du Département V : Profanation est avant tout un film de personnages. J’ai presque envie de dire un polar noir à la française. En effet, l’intérêt de l’histoire repose bien plus sur le trio qui mène l’enquête et sur ceux sur lesquels ils enquêtent plutôt que sur un mécanisme de découverte d’une vérité qui n’est de toute façon jamais vraiment cachée. Tous les protagonistes sont particulièrement réussis, attachants ou effrayants, qui ne laissent jamais indifférents en tout cas. Cela donne vraiment envie de resituer ce film dans la série complète car on se dit que cette histoire n’a pas épuisé à elle seule le potentiel de ces personnages, remarquablement interprétés au demeurant.

LA NOTE : 13/20