Marvel a décidé d’inonder nos écrans de films de super-héros. Une invasion qui ravira les fans du genre. Mais parfois, on préfère la qualité à quantité. Force est de constater que le début de l’année avait été plutôt décevant avec un Captain America faiblard et un Spider-Man 2 frôlant le pathétique. Beaucoup d’espoirs reposaient sur X-Men : Days of the Future Past. Des espoirs qui reposaient sur le retour de Bryan Singer derrière la caméra, même si ce dernier n’avait pas forcément permis à la franchise de prendre le meilleur départ.

Au final, les espoirs sont plutôt comblés. Même si X-Men : Days of the Future Past n’est pas le plus grand chef d’œuvre du genre, il offre richesse, péripéties variées et grand spectacle. Richesse par le foisonnement des personnages, même si certains sont du coup totalement sous-exploités (Omar Sy est plus proche de la figuration que du rôle marquant, à l’inverse de Jennifer Lawrence qui est la grande star de ce film). Péripéties variées avec un croisement incessant des intrigues qui fait plonger constamment le spectateur d’un lieu et d’une époque à l’autre. Et grand spectacle avec des scènes de combats épiques, des poursuites… et un grand moment de cinéma.

X-Men : Days of the Future Past nous propose en effet un grand moment de cinéma. Une scène absolument géniale qui nous rappelle qu’il n’y a pas n’importe qui derrière la caméra. Ce genre de moment qui différencie les films d’actions simplement efficaces de ceux qui recèlent une petite part de magie créatrice. Certes, une scène ne fait pas tout un film. Mais celle-là fait de cet épisode des X-Men un film d’assez bonne qualité pour que les fans attendent la suite avec impatience. Surtout que la petite séquence de fin de générique fera saliver tous les fins connaisseurs de cet univers.

LA NOTE : 13/20

Je l’avoue… enfin non je n’avoue pas, ce n’est pas non plus un crime. Je dis simplement que je n’étais pas vraiment fan des frères Dardenne. Ou plutôt je trouvais l’enthousiasme critique vis-à-vis de certains de leurs films quelques peu exagéré, peut-être parce que je déteste ces films où on vous colle devant la misère et le malheur pour qu’on se sente obligé d’être ému, sous peine de culpabiliser. Mais cette fois, je dis chapeau bas les frangins avec ce Deux Jours, Une Nuit aussi bouleversant que magnifique.

Deux jours, Une Nuit a beaucoup fait parler de lui à travers la performance assez extraordinaire de Marion Cotillard. Elle confirme, après De Rouilles et d’Os, qu’elle est faite pour les rôles difficiles. Elle possède un talent rare que les grands directeurs d’acteurs savent transcender. Les frères Dardenne font partie de cette race là. Pourtant, la tâche était ardue car savoir se renouveler tout au long d’un film, quand on doit rejouer encore et encore la même situation, demande d’aller chercher au plus profond de soi. Ne doutons pas que Marion Cotillard a mis beaucoup d’elle même dans ce rôle et on ne peut que l’en remercier.

Pendant une partie du film, j’ai vraiment peur que Deux jours, Une Nuit ne s’enferme dans une sorte de voyeurisme, face à cette humiliation qui se répète encore et encore. On partage vraiment cette souffrance et on peut craindre à un moment que cela finisse par devenir insupportable et gratuit. Mais le scénario est assez bien construit pour dépasser cela très vite et tendre vers un vrai suspense. Jusqu’au bout, on se demandera quel sera le dénouement. De plus, ce dernier finira par délivrer un message plus complexe et ambiguë que ce que l’on pouvait craindre et qui change du discours totalement misérabiliste qu’ont parfois eu les Frères Dardenne.

Mais le plus grand exploit des Frères Dardenne est sans doute d’arriver à signer un film d’une telle force et d’une telle qualité, avec une réalisation aussi sobre. Mes voisins au cinéma ont fait souligné le fait qu’il n’y a pas de musique dans Deux Jours, Une Nuit. Mais sans ce commentaire, je ne l’aurais absolument pas remarqué tant ils arrivent, sans aucun artifice, à nous faire partager les sentiments des personnages et nous plonger au cœur de ce film qui aurait fait une très belle Palme d’Or.

LA NOTE : 15/20

David Cronenberg a signé au cours de sa longue carrière quelques chef d’œuvres, mais aussi un certains nombre de films tournant un peu au n’importe quoi. Map to the Stars fait partie de l’un ou de l’autre selon les critiques. Malheureusement pour moi, il appartient clairement à la deuxième catégorie. Pourtant j’aurais adoré adorer ce film. Mais au final, je n’ai pas trouvé grand chose auquel m’accrocher pour encenser ce film.

Maps to the Stars reprend une des grandes obsessions du réalisateur canadien : le malaise profond des gens qui ont beaucoup d’argent. Je suis bien d’accord que c’est un sujet comme un autre, mais bâtir une bonne partie de sa carrière là-dessus est quelque peu risqué. On a bien du mal à avoir le moindre sentiment d’empathie pour les personnages. Ce film n’est même pas vraiment une vision au vitriol d’Hollywood, comme certains ont essayé de nous le faire croire, mais juste le destin individuel d’enfants gâtés et pourris en profondeur.

David Cronenberg a évidemment mis sa patte artistique sur Maps to the Stars. Mais là encore, le résultat rappelle ce qu’il nous a déjà offert à de nombreuses reprises, sans arriver ici à rien nous proposer de nouveau. Qu’il n’ait pas son pareil pour filmer les coins les plus sombres des âmes torturées, à créer une ambiance de malaise, là où il ne devrait y avoir que paillettes et glamour, est une chose. Reste à lui donner un sens. Ici tout cela tourne un peu dans la vide et finit par faire ressembler ce film à un exercice de style un peu vain.

Par contre, je serai injuste si je ne saluais pas la performance extraordinaire de Julianne Moore. Mais peut-on en attendre moins d’une si grande actrice ? Allez, j’arrête de faire mon critique blasé pour apprécier à sa juste mesure cette interprétation magistrale.

LA NOTE : 08/20

Tommy Lee Jones se sera mis à la réalisation, en parallèle d’une carrière d’acteur d’une richesse rarement égalée, à plus de 60 ans, mais force est de constater que c’est une vraie réussite et qu’on peut amèrement regretter qu’il n’y ait pas pensé avant. Une nouvelle preuve avec ce très bon The Homesman. Un film qui prouve qu’il est encore possible de faire des westerns qui ne ressemblent pas au milliers de westerns qui les ont précédés.

The Homesman reprend pourtant des éléments assez classiques. La femme livrée à elle-même qui va trouver un appuis auprès d’un vieux routier de l’ouest a servi de base encore récemment au sympathique Sherrif Jackson. Par contre y introduire un thème social, le traitement des maladies mentales et de la dépression à une époque pré-freudienne, constitue une démarche beaucoup plus originale. Elle est menée avec beaucoup d’intelligence, menant dans un subtil équilibre les dangers que recouvrent la traversée d’un ouest encore sauvage avec une vraie émotion et un profond humanisme.

Si Tommy Lee Jones le réalisateur produit un travail remarquable avec The Homesman, Tommy Lee Jones, l’acteur est pas mal non plus. Mais il est vrai que ce dernier est quelque peu éclipsé par une Hilary Swank qui livre là une nouvelle performance magistrale. Si le rôle est moins fort que celui qu’elle a tenu dans Million Dollar Baby, elle l’interprète avec le même talent et la même intensité. Mais le reste du casting n’est pas mal non plus et c’est avec grand plaisir que l’on retrouve Mirand Otto, qui peut donc jouer autre chose que les princesses guerrières dans le Seigneur des Anneaux.

LA NOTE : 14/20

Le cinéma allemand s’est durablement installé sur nos écrans depuis l’immense succès de Goodbye Lenin puis de la Vie des Autres. C’est clairement grâce à eux qu’un film comme D’Une Vie à l’Autre est distribué dans notre beau pays. Un film qui revient une nouvelle fois sur les blessures causées par la chute du Mur. Mais un film aussi qui souffre de beaucoup trop de faiblesses pour être aussi mémorable que ses glorieux prédécesseurs.

D’Une Vie à l’Autre souffre d’une grosse faille dans son scénario. On comprend le fin de mot de l’histoire bien avant les personnages. Du coup, on passe une partie du film, surtout le dernier tiers, à avoir envie que les choses s’accélèrent. Le film essaye bien de faire comme ci et d’entretenir un suspense totalement artificiel, mais ça ne fonctionne pas du tout. Cela vient gâcher une première partie plutôt bien foutue, beaucoup mieux maîtrisée, où les éléments se dévoilaient progressivement les uns après les autres.

Pour le reste, la réalisation de D’Une Vie à l’Autre est sobre, sans éclat, mais totalement au service de l’histoire. Les personnages sont plutôt réussies. En fait, toutes les bases étaient vraiment réunies pour faire un très bon film. Ca aurait pu être le cas si Georg Mass avait su donner plus de corps à un sujet auquel il a su donner un intérêt, pas de souffle narratif.

LA NOTE : 10,5/20

Rachid Bouchareb fait partie de cette génération de cinéastes français qui n’hésitent désormais plus à franchir l’Atlantique pour tourner aux Etats-Unis. Après, Just Like a Woman l’année dernière le revoilà avec La Voie de l’Ennemi. Il s’agit d’un remake de Deux Hommes dans la Ville, sorti en 1973, qui mettait face à face Lino Ventura et Alain Delon. Cette fois-ci, c’est un duo composé de Forest Whitaker et Harvey Keitel qui occupe l’affiche. Et il faut avouer que ça a aussi de la gueule !

La Voie de l’Ennemi est un film globalement maîtrisé, mais quelque peu frustrant. La réalisation est impeccable, même si elle manque peut-être un peu de punch. Les deux principaux protagonistes sont remarquablement interprétés par deux grands acteurs. Mais à côté de ça, le scénario, s’il arrive à maintenir une tension constante avec beaucoup de subtilité, manque un peu de profondeur dans son propos. On a l’impression que l’histoire ne va pas au bout de ce qu’elle cherche à nous dire et cela se termine par une dénouement qui n’en est pas vraiment un et qui nous laisse quelque peu sur notre faim.

Le thème de la vengeance et de la rédemption est omniprésent au cinéma. Alors évidemment, on est quelque peu exigeant vis-à-vis des réflexions qui empruntent le même chemin. La Voie de l’Ennemi n’apporte pas vraiment d’éclairage nouveau et si le récit arrive à maintenir un vrai suspense, au final il n’y a rien de surprenant dans l’évolution et la réaction des personnages. Si on n’en ressort pas vraiment déçu, on ne peut pas en être complètement satisfait.

LA NOTE : 11,5/20

Parmi les monstres qui vivent dans les placards du 7ème art et de notre imaginaire, il y a un gros lézard nommé Godzilla. Une bébête gigantesque venue du Japon et qui avait déjà eu droit à une adaptation hollywoodienne en 1998 par le pire cinéaste de l’histoire (oui, bon, j’exagère) Roland Emmerich. Le voici de retour avec cette fois derrière la caméra Gareth Edwards, qui signe là son premier long métrage d’envergure. Un premier long métrage plaisant, qui recèle du bon et du moins bon.

Contrairement au film d’Emmerich, ce Godzilla a vraiment cherché à être un hommage à l’œuvre nipponne originale. Et c’est plutôt bienvenue parce que cela aboutit à un récit qui n’est pas tout à fait celui qu’on attendait. Ce n’est clairement pas le scénario du siècle, mais au moins n’est-il pas totalement cousu de fil blanc. On saluera ainsi la campagne promotionnelle du film, assez importante, mais qui a su parfaitement cacher les surprises que l’histoire réservait.

Par contre, la réalisation de Godzilla est très inégale. Certes, il y a quelques petits moments de grâce cinématographique, surtout vers la fin, comme des parachutistes traversant les nuages pour un plan de toute beauté… et surtout quelques scènes de destruction particulièrement réjouissantes. Mais cela reste reste très fugace et la mise en scène est parfois d’une désolante médiocrité ou bien d’une confondante maladresse. Et puis, le film souffre d’un problème de rythme. Il est nettement trop long avec des scènes qui s’étirent inutilement en longueur.

Au final, le résultat est contrasté. Mais ce Godzilla 2014 est nettement supérieur à son prédécesseur de 1998. Mais évidemment, aucun d’eux n’aura jamais le charme de l’original de 1954.