En tout modestie, je pense avoir une culture cinématographique légèrement supérieure à la moyenne. Pourtant, il me reste encore de grandes zones d’ombres. Je n’ai jamais vu les Enfants du Paradis (le truc que je n’ose dire au reste de ma famille sous peine d’être immédiatement déshérité… faut juste un jour que j’arrête d’oublier de piquer discrètement le DVD), je n’ai vu aucun Freddy (la première version) et jusqu’à jeudi dernier aucun Laurel et Hardy. Vous me direz, on peut vivre avec ça, mais je suis quand même heureux d’avoir complété ma culture avec C’est donc ton Frère du célèbre duo. Même si je ne pense pas devenir fan du jour au lendemain.

Stan Laurel et Oliver Hardy sont deux respectables hommes mariés. Un jour l’un d’eux reçoit une lettre de sa mère leur annonçant que Alf Laurel et Bert Hardy, leurs deux frères jumeaux, deux mauvais garçons, ont été pendus lors d’une mutinerie. Or ces derniers sont bien vivants et débarquent dans la même ville. Va s’en suivre de multiples quiproquos.

C’est donc ton Frère est sorti en 1936 et fait partie de la multitudes de films et courts métrages mettant en scène Stan Laurel et Olivier Hardy. On est en plein age d’or du cinéma burlesque américain, avec comme autres têtes d’affiche les Marx Brothers et Charlie Chaplin. Ce dernier a vraiment marqué la naissance de ma culture cinématographique et je connais bon nombre de ses films par cœur. Forcément, je n’ai pu m’empêcher d’établir des comparaisons. Et elles ne sont pas favorables au duo comique.

Le comique de C’est donc ton Frère repose sur deux ressorts principaux. Le premier tient par les quiproquos qui naissent de la présence de deux paires de jumeaux qui ignorent qu’il sont dans la même ville au même moment. Voilà un point de départ très classique pour un film burlesque ou une comédie de boulevard populaire. Ici l’idée est exploitée avec réussite, mais sans génie. Rien de vraiment surprenant ou d’inattendu. On rit plus d’une fois, mais pas aux éclats car on voit arriver bon nombre de situations de très très loin.

Le second ressort est un comique visuel très premier degré. On n’échappe d’ailleurs pas à la traditionnelle tarte à la crème. C’est là que l’écart se creuse avec un Charlie Chaplin capable de livrer de vrais morceaux de bravoure comme le numéro de patins à roulettes dans les Temps Modernes ou le rasage en musique du Dictateur. Là, on en est très très loin. C’est parfois drôle, mais souvent c’est un rien lourdingue et s’étire aussi quelque peu en longueur. Cela reste extrêmement basique, jamais marié d’un rien de poésie, ni avec une autre forme d’expression artistique comme le chant ou la danse.

La réalisation de C’est donc ton Frère est elle aussi très basique. Laurel et Hardy faisait des films à la chaîne et on sent bien que l’aspect artistique était totalement négligé. On est très loin, une nouvelle fois, du travail de photographie d’un Chaplin. Mais c’est vrai là devant une œuvre dont le format (65 minutes) et la qualité seraient plus ceux qu’une production purement télévisuelle. Mais d’une œuvre qui a traversé près d’un siècle, on attend un plus qu’un bonne émission de télé.

Reste tout de même le talent et le charme du duo. Si leur renommé a traversé le temps et ai connu par des gens qui, comme moi, n’ont jamais aucun de leur film, c’est tout de même qu’ils possédaient un génie exceptionnel. Cependant, on sent bien qu’il est ici sous-exploité dans une production réalisé avec trop peu de soin et d’attention artistique.

Bon, voilà c’est fait, j’ai enfin vu un film de Laurel et Hardy. Je me couche désormais moins idiot, à défaut d’être franchement convaincu. Bon maintenant, je vais penser à voir un film de Marx Brothers…

Fche techinque :
Titre original : Our Relations
Réalisation : Harry Lachman
D’après la nouvelle The Money box de W.W. Jacobs
Scénario : Felix Adler, Richard Connell, Charles Rogers, et Jack Jevne
Photographie : Rudolph Maté
Musique : Leroy Shield
Production : Stan Laurel et Hal Roach
Pays d’origine : États-Unis
Format : Noir et blanc
Genre : Burlesque
Durée : 65 minutes
Date de sortie : 1936

Casting :
Stan Laurel : Stan Laurel et Alf Laurel
Oliver Hardy : Oliver Hardy et Bert Hardy
James Finlayson : Finn
Alan Hale : Joe Grogan, le patron du café
Sidney Toler : le capitaine du SS Periwinkle
Daphne Pollard : Madame Daphné Hardy
Betty Healy : Madame Betty Laurel
Iris Adrian : Alice
Lona André : Lily
Arthur Housman : L’ivrogne
Ralf Harolde, Noel Madison : Les gangsters

Mission : Impossible est une des plus anciennes franchises cinématographiques tirées d’une série télévisée. Après des débuts franchement moyens, confirmant au passage le déclin irréversible de Brian De Palma, elle s’est améliorée au fur et à mesure des épisodes. Le 4ème volet, Mission : Impossible – Protocole Fantôme, confirme cette tendance en se montrant à la hauteur du volet précédent, grâce à un retour aux fondamentaux… même si l’esprit de la série n’est plus tout à fait là.

Lors d’une mission à Moscou, où ils sont tranquillement en train d’infiltrer le Kremlin, l’agence Mission : Impossible est piégée, accusée à tort d’un terrible attentat. Sa dissolution est décidée. Il ne reste plus qu’une seule chance pour Ethan Hunt et son équipe : mettre la main sur le véritable responsable qui cherche accessoirement à déclencher une guerre nucléaire pour anéantir une large part de l’humanité pour que cette dernière reparte sur de nouvelles bases.

Mission : Impossible – Protocole Fantôme est un excellent film, malgré tout un tas de défauts objectifs, pour la simple et bonne raison qu’il offre au spectateur exactement ce qu’il est venu chercher. C’est à dire de l’action, de l’action et encore de l’action. Des poursuites, des bagarres, des poursuites, des gadgets, des bagarres et des poursuites. Après tout le reste, franchement, cela passe au second plan.

Et dans ce domaine, Mission : Impossible – Protocole Fantôme nous en donne pour notre argent. Le film est incroyablement rythmé. Il sacrifie d’ailleurs les scènes intermédiaires, et par la même occasion la crédibilité du scénario, pour sauter directement d’une scène d’action à une autre. Ces dernières sont excellentes, spectaculaires et variées (avec tout de même une préférence pour les poursuites). Bref, on est face à une sorte de James Bond survitaminé. Le tout est aussi plausible qu’une victoire de Christine Boutin aux prochaines présidentielles, mais on en prend plein les mirettes. La scène d’escalade sur la plus haute tour de Dubaï vaut son pesant de cacahuètes, morceau de bravoure d’un film qui exclut toute forme d’ennui.

Après évidemment, le côté totalement basique du scénario ne fait pas de Mission : Impossible – Protocole Fantôme un pur chef d’œuvre. Encore une fois, on n’est de toute façon pas venu pour cela, mais il est vrai que pour accéder au rang de film culte, il aurait fallu réussir à marier les deux. Et puis bon, Ethan Hunt aura beau s’agiter tant qu’il ne voudra, il n’aura jamais la classe d’un 007 en smoking. Les personnages sont eux aussi vraiment bruts de décoffrage et on ne peut pas dire que les scénaristes se soient vraiment foulés pour leur donner la moindre épaisseur. Mais bon, on se prend vraiment au jeu et on passe un excellent moment. C’est vraiment le principal dans un film de ce genre. Les fans de la série regretteront par contre que l’action pure ait été à ce point privilégiée, ce qui n’a jamais été le point central de la version télévisée.

On retrouve une nouvelle fois à l’affiche d’un Mission : Impossible un Tom Cruise qui n’a décidément pas son pareil pour courir après ou poursuivi par des méchants. Il faudrait compter le nombre de kilomètres parcouru à pleine vitesse au fil de sa carrière car je pense vraiment qu’on tient là un record mondial. Mais bon, quand on fait les choses si bien, pourquoi s’en priver. On tient là une autre raisons pour laquelle le film fonctionne si bien. Le reste du casting est par contre vraiment anodin, même si Simon Pegg apporte un peu d’humour rafraîchissant. Par contre, on préférait nettement Michael Nykvist dans la trilogie Millenium.

Mission : Impossible – Protocole Fantôme remplit donc pleinement sa mission et ne s’autodétruit pas au bout de cinq secondes.

Fiche technique :
Production : Paramount pictures, Skydance Productions, Bad Robot, FilmWorks, Stillking Films
Distribution : Paramount Pictures France
Réalisation : Brad Bird
Scénario : Josh Appelbaum, André Nemec
Montage : Paul Hirsch
Photo : Robert Elswit
Décors : James D. Bissell
Musique : Michael Giacchino
Effets spéciaux : ILM
Durée : 133 mn

Casting :
Tom Cruise : Ethan Hunt
Paula Patton : Jane Carter
Jeremy Renner : Brandt
Simon Pegg : Benji Dunn
Ving Rhames : Luther Stickell
Josh Holloway : Trevor Hanaway
Michael Nyqvist : Kurt Jendricks
Anil Kapoor : Brij Nath

On peut inventer quelque chose destiné à connaître un succès mondial et sombrer soi-même dans l’oubli. La gloire ne va pas à ceux qui inventent, mais ceux qui savent se vendre. Steve Jobs en est la meilleure preuve. George Méliès en est une autre. A l’aube du 20ème siècle, il fut un des tous premiers cinéastes de l’histoire, le premier à créer des effets visuels pour faire vivre son imaginaire. Si aujourd’hui, on connaît avant tout son Voyage dans la Lune et la fameuse fusée plantée dans l’œil de notre satellite, l’homme a aussi connu de longues périodes d’oubli total, y compris de son vivant. Il ne pourra plus en être ainsi, grâce à ce merveilleux cadeau de Noël que nous offre Martin Scorcese avec son dernier film, Hugo Cabret.

Hugo Cabret est un orphelin qui vit caché dans les combles d’une gare parisienne dont il remonte les pendules. Le reste du temps, il essaye de réparer un automate que lui a laissé son père, à partir du carnet de notes de ce dernier. Le document tombe un jour dans les mains d’un vieil homme qui vend des jouets dans l’enceinte de la gare et qui est bouleversé par cette découverte. Il refuse d’expliquer pourquoi et de rendre le carnet au jeune garçon. Quels peuvent être les liens entre tous ces éléments ? Hugo va se mettre en quête des réponses qui pourront peut-être l’aider à comprendre les raisons de la mort de son père.

Hugo Cabret rend hommage à George Méliès, sans que ce dernier en soit le personnage principal. Ce n’est donc pas un biopic, mais une histoire où son œuvre joue un rôle important. D’ailleurs, le film prend un certain nombre de libertés avec la véracité historique, mais cela n’a guère d’importance. Surtout qu’il nous offre au final une formidable déclaration d’amour au cinéma en général, à la manière dont il donne vie à l’imaginaire et aux rêves les plus fous. Il nous ramène à l’émerveillement enfantin que provoque le cinéma, parfois enfoui sous une intellectualisation d’adulte, mais qui est la source de toute passion pour le cinéma.

Certains n’y verront que sentiments puérils, d’autres sauront y voir la trace d’une émotion éternelle, intemporelle, sans âge et surtout ô combien précieuse. George Méliès est le premier à l’avoir ressenti et le premier à l’avoir partagé, bien avant que la notion même de marketing ne soit inventé. Ce film m’a fait le même effet que « la Dernière Séance », la chanson d’Eddy Mitchell. Ces deux œuvres, qui n’ont rien à voir a priori, peuvent peuvent paraître lisses à beaucoup, mais fera vibrer le cœur de ceux qui partagent cet amour inconditionnel du 7ème art.

Cependant, Hugo Cabret pourra séduire un public beaucoup plus large. Car il est aussi, et avant tout quelque part, un film d’aventures un peu enfantines. Un divertissement familial, idéal pour les fêtes de Noël, mais qui n’est en rien synonyme de médiocrité. Martin Scorcese est derrière la caméra et ça se sent, avec un sens de la narration et de la mise en scène qui portent la marque des plus grands. Mais il est vrai que ceux qui ne resteront insensibles à ce que j’évoquais plus haut pourront reprocher à ce film de manquer quelque peu d’ambition et d’être au mieux très sympathique. De l’humour, du rythme, des rebondissements, mais pas de grands sentiments, de thèmes profonds et de grand souffle épique.

Hugo Cabret nous offre également un beau casting. Ben Kingsley et Sacha Baron Cohen sont les têtes d’affiche. Ils nous offrent deux très belles prestations. De toute façon, quand on est de si bons acteurs et qu’on est dirigé par un tel maître du 7ème art, il est difficile d’être mauvais. Mais les vrais stars sont les deux enfants. Le jeune Asa Butterfield est très convaincant et je ne veux même pas imaginer l’effet que feront ses yeux bleus sur la gente féminine une fois qu’il aura atteint l’adolescence. Enfin, le meilleur pour la fin, la fantastique Chloe Moretz illumine une nouvelle fois l’écran, après l’avoir crever dans 300 Jours Ensemble et surtout Kick-Ass. Rarement une actrice de son âge n’aura autant impressionné avec une telle constance.

Hugo Cabret est donc un joli film dans la hôte du Père Noël. Un film qui peut être vu avec des regards très différents. De 7 à 177 ans, on sera séduit par ces aventures divertissantes. Et les amoureux du 7ème art se rappelleront pourquoi cette passion brûle en eux. Et cela ça n’a pas de prix, alors merci Monsieur Scorcese.

Le deuil, voilà un nouvel exemple de sujet inépuisable, ayant déjà inspiré bien des œuvre qu’elles soient littéraires ou cinématographiques. Des Vents Contraires est désormais un peu de deux puisque le roman d’Olivier Adam a été adapté sur grand écran par Jalil Lespert, qui signe là son premier long métrage. Mais pour une première, c’est loin d’être une réussite.

La femme de Paul disparaît soudainement, le laissant seul, sans nouvelles, ni explications, avec ses deux enfants. Un an plus tard, il se décide à quitter Paris pour aller vivre à St Malo où il a grandi et où son frère lui offre un emploi dans l’auto-école qu’il dirige. Le but est de se reconstruire et d’oublier. Mais c’est un long chemin que celui du deuil, surtout quand planent tant d’incertitudes.

Une histoire proche de celle-là avait donné ce qui se fait de mieux dans le cinéma français : Sous le Sable de François Ozon. Des Vents Contraires constitue par contre ce que notre 7^ème engendre de pire. Des gens malheureux à qu’il arrive des choses tristes qui les rendent encore plus malheureux. Le tout filmé dans une totale contemplation, sans trame narrative, plein d’une fausse profondeur, comme si le caractère dramatique d’un évènement justifiait à lui seul l’intérêt de son récit. Bref, on est censé être touchés, mais, au final, on est surtout totalement indifférent face aux malheurs de ces personnages que l’on ne prend pas la peine de nous faire aimer.

Des Vents Contraires est également plombé par un grand nombre d’éléments narratifs auxquels on ne croit pas du tout. Mention spéciale dans ce domaine aux personnages de flics qui ne sont pas une seule seconde crédibles. La relation de Paul avec une de ses jeunes élèves ne tient elle aussi absolument pas debout et ne présente, de toute façon, strictement aucun intérêt. Enfin, certaines scènes sont totalement attendues, à la limite de la caricature, comme l’explication entre les deux frères après une soirée bien arrosée. La dimension pathos familial a été déjà été vue mille fois et en mille fois mieux. Le seul éclair d’intérêt ne vient pas de Paul ou de sa famille, mais d’un personnage secondaire, le déménageur interprété par Ramzy Bédia. Malheureusement, il ne fait qu’une courte apparition et reste mal et sous-exploité.

Pour ses premiers pas derrière la caméra, Jalil Lespert nous offre une réalisation ultra sobre. Ce n’est pas donc pas ses qualités artistiques qui viendront sauver Des Vents Contraires. Tout cela est à l’image de ce film qui manque cruellement de consistance. Il peut bien arracher quelques larmes, mais par une émotion facile, sans surprise et qui ne conduit absolument pas à l’enthousiasme. On ne ressent rien, au mieux, on constate.

Des Vents Contraires ne fera toujours pas de moi un fan de Benoît Magimel. Non qu’il soit spécialement mauvais ici. Il nous livre une prestation propre et professionnelle, mais qui ne cherche pas vraiment à tirer le film vers le haut. Isabelle Carré interprète un personnage de toute façon trop peu crédible pour qu’elle puisse briller. Les seuls raisons de s’enthousiasmer un peu viennent de la jolie performance de la jeune Marie-Ange Casta et surtout de Ramzy Bédia, très surprenant dans un rôle sérieux et dramatique.

Bref, Des Vents Contraires passe donc complètement à côté d’un sujet qui n’a pas attendu ce film pour être traité.

  

 

Adapter une pièce de théâtre sur grand écran est toujours un exercice délicat. En effet, voilà deux arts à la fois très proches et très différents. On est donc partagé entre l’envie d’être fidèle à l’œuvre originale et la transformer radicalement. Le premier choix peut aboutir à un résultat qui s’apparente plus à du théâtre filmé qu’à du véritable cinéma. Rares sont de toute façon, les adaptations qui arrivent à s’affranchir totalement de leur origine. Le nouveau Polanski, Carnage, ne cherche même pas à le faire. A tort ou a raison…

Deux couples, les Longstreet et les Cowan se rencontrent après que le rejeton des uns aient frappé le rejeton des autres avec un bâton et lui a cassé plusieurs dents. Cela doit être qu’une courte explication entre parents responsables. Mais très vite la conversation va se faire moins cordiale et tourner à l’affrontement généralisé.

Carnage est un huis-clos dans un appartement qui réunit quatre personnages pendant un peu moins d’une heure vingt pour un récit en temps réel. Rien que ces éléments revoient à l’art théâtral, pas au cinéma. Dans sa structure même, cette histoire est faite pour la scène, non pour le grand écran. Il y a bien deux petites tentatives de déplacer l’action sur le palier de l’appartement ou dans la salle de bain, mais 95% du film se déroule dans ce même salon, pas spécialement spacieux. Si ce genre de décor peut largement suffire pour que des acteurs s’expriment sur les planches, au cinéma, cela donne un film incroyablement statique.

Pourtant, on pourrait rétorquer que l’on peut faire d’excellents films dans des espaces réduits. Buried nous a prouvé l’année dernière qu’un simple cercueil peut suffire. Mais la grande différence est que ces films jouent justement sur cette exigüité pour créer un sentiment d’oppression et de confinement. Dans Carnage, on a juste l’impression d’être dans un décor tout simplement trop petit. Roman Polanski a beau varié les plans, on sent toujours sa caméra un peu à l’étroit.

Si la forme est le principal facteur limitant de Carnage, il propose heureusement un fond particulièrement savoureux. Le conflit entre les deux enfants va vite devenir un prétexte à un déballage généralisé des frustrations et des ressentiments refoulés des uns et des autres. La montée progressive de la tension et de l’agressivité des protagonistes est parfaitement dosée. Les bonnes manières et les bonnes intentions se craquellent peu à peu, chacun laissant apparaître un visage de moins en moins policé. Cette logique interne est poussée jusqu’à son terme et la courte durée du film (enfin de la pièce) fait que ce seul ressort est largement suffisant.

Mais encore une fois, on peut regretter que Roman Polanski n’ait pas su faire de sa caméra un outil au service de l’histoire, qui sublimerait le jeu des acteurs et qui ne se contenterait pas de nous le livrer de manière brute. En fait, si Carnage était une chanson, cette version serait un clip, plutôt bon certes, mais qui n’arriverait pas à la cheville de la version live.

Heureusement, ce qui permet tout de même à Carnage de faire passer un bon moment reste le casting. En effet, on aurait malheureusement bien du mal à voir un tel quatuor réuni sur une scène de théâtre. On peut bien sûr le regretter, mais à la fois, rare sont ceux qui auraient de toute façon eu les moyens de se rendre sur Broadway pour assister à une représentation. A-t-on vraiment besoin de départager Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz et John C. Reilly ? Non, tant ils sont tous parfaits et mettent dans leur rôle une énergie toute…théâtrale.

Carnage est une excellente pièce de théâtre. C’est la grande leçon à tirer de ce film qui n’en est pas un.

Fiche technique :
Production : SBS Productions, Constantin Film, Versatil Cinela, Zanagar Films, France 2 Cinema
Distribution : Wild Bunch distribution
Réalisation : Roman Polanski
Scénario : Roman Polanski, Yasmina Reza, d’après la pièce de Yasmina Reza
Montage : Hervé de Luze
Photo : Pawel Edelman
Décors : Dean Tavoularis
Musique : Alexandre Desplat
Durée : 78 mn

Casting :
Jodie Foster : Penelope Longstreet
Kate Winslet : Nancy Cowan
John C. Reilly : Michael Longstreet
Christoph Waltz : Alan Cowan

En 2001, naissait Shrek, pour le plus grand bonheur des petits et des grands. Mais son immense succès est aussi du à ses comparses, un âne survolté et un chat, chaussé de bottes, dont le regard irrésistible est susceptible de faire craquer les volontés les plus déterminées. Des personnages tellement populaires qu’il n’est guère surprenant d’en voir un des deux avoir droit à son propre film. C’est le cas avec le Chat Potté, un film d’animation distrayant, même s’il a perdu beaucoup de ce qui faisait l’originalité et le charme des aventures avec l’ogre vert.

Le Chat Potté est en fait un orphelin, élevé aux côtés de l’œuf Humpty Dumpty, qui depuis toujours rêve de mettre la main sur les haricots magiques qui lui donneront accès à l’oie magique, qui pont des œufs en or. Cette quête a fini par les séparer et les fâcher à mort. Ils finissent par se retrouver, par l’intermédiaire de la mystérieuse Kitty Pattes de Velours et décident de reprendre leurs recherches.

Le Chat Potté inspire un sentiment quelque peu ambivalent. En effet, on y retrouve avec un immense plaisir ce personnage si attachant et drôle, qui a largement les épaules pour avoir droit à son film bien à lui. Tous les éléments qui ont concouru à sa popularité sont bien là, fidèles à l’original et on est heureux d’en savoir un peu plus sur ce personnage, qui ne jouait que les faire-valoirs dans Shrek. Bref, l’impatience enfantine que l’on pouvait avoir à l’annonce de la sortie de ce film est donc largement satisfaite.

Mais les vrais fans de Shrek pourront aussi reprocher à Le Chat Potté d’avoir totalement abandonné ce qui avait fait réellement l’originalité de la série initiale au profit d’un pur divertissement familial. En effet, ne cherchez pas ici de politiquement incorrect, de détournement de références enfantines ou de second degré. Certes, le film propose quelques mini-allusions sexuelles, mais c’est bien tout. Cela reste vraiment accessible à tous, même aux plus jeunes, avec rien qui ne soient vraiment différent du reste des productions de ce types, en dehors des références aux contes de fées.

Cependant, Le Chat Potté n’en reste pas moins très réussi. Un simple divertissement familial certes, mais un très bon divertissement familial. C’est drôle, rythmé, avec quelques rebondissements. On passe donc un très bon moment, on ne s’ennuie jamais et on ne regrette absolument pas de s’y être rendu. Bon évidemment, avoir une carte d’abonnement rend sûrement moins exigeant, mais que ce soit sur grand écran ou en DVD, ce film permettra vraiment de s’offrir une distraction de premier choix.

Techniquement, le Chat Potté est dans la droite lignée de ce que propose d’habitude les studios Dreamworks. C’est à dire, qu’il n’y a rien à dire ! Par contre, je sais que c’est la mode de dire que la 3D ne sert à rien, mais je continue de trouver que pour le cinéma d’animation, cela donne vraiment une profondeur supplémentaire aux décors et aux personnages. Je trouve donc qu’elle a son utilité et sa justification ici. Après, très honnêtement, je ne suis quand même pas convaincu que son absence diminuerait quoi que ce soit au plaisir que nous procure ce film.

Il y a quelques semaines j’ai été consterné par la performance de Antonio Banderas dans Or Noir. Il est en tout cas beaucoup plus à l’aise dans le doublage du Chat Potté. Sa voix chaleureuse et latine collent totalement au personnage et lui donne vie et personnalité. En face de lui, Salma Hayek a du répondant et fait de Kitty Pattes de Velours un protagoniste à la hauteur de son partenaire. Le casting voix prestigieux est complété par les toujours excellents Zach Galifinakis, Benicio Del Toro et Billy Bob Thorhton.

Au final, Le Chat Potté se contente donc du minimum. Mais un minimum agréable et divertissant.

Fiche technique :
Production : DreamWorks Animation
Distribution : Paramount Pictures France
Réalisation : Chris Miller
Scénario : Tom Wheeler, sur une idée de Brian Lynch, Will Davies et Tom Wheeler
Montage : Eric Dapkewicz
Décors : Guillaume Aretos
Son : Richard King
Musique : Henry Jackman, Rodrigo y Gabriela
Costumes : Isis Mussenden
Directeur artistique : Christian Schellewald
Durée : 90 mn

Casting :
Antonio Banderas : Le chat potté
Salma Hayek : Kitty Pattes de velous
Zach Galifianakis : Humpty Alexandre Dumpty
Billy Bob Thornton : Jack
Guillermo del Toro : Comandante

En 2008, Steve McQueen (pas l’acteur de la Grande Evasion) avait fait sensation avec son premier film, Hunger. Un film sur la grève de la faim des prisonniers irlandais en Angleterre pendant les années 80. Un film dur qui avait exigé de Michael Fassbender de perdre 14 kilos pour le rôle. Le duo est à nouveau réuni dans Shame et une nouvelle fois le réalisateur a poussé son acteur assez loin. Mais cette fois, la réussite est nettement moins au rendez-vous.

Brandon a tout pour plaire. La trentaine, une belle gueule, une vraie réussite professionnelle et surtout des conquêtes multiples. Mais ces dernières cachent en fait une terrible souffrance provoquée par une addiction totale au sexe. Alors comment assumer une telle maladie ? Une seule solution, se couper un peu plus chaque jour des autres. Y compris de sa propre sœur.

Shame est un film « oui et ? ». Je crois que j’ai déjà développé le concept dans une autre critique, mais je n’arrive pas à me rappeler laquelle. En effet, le moins que l’on puisse dire, c’est que le film, malgré ses incontestables qualités, laisse quelque peu perplexe. On a un peu de mal à comprendre où Steve McQueen veut nous emmener et le dénouement ne nous éclaire guère. Le film a une certaine profondeur, mais ne délivre aucun message clairement identifié. A moins d’apprécier le contemplatif pur, on en ressort un peu décontenancé.

D’ailleurs Shame peut provoquer des réactions divers et variées. J’ai même vu un critique s’élever contre le caractère homophobe du propos. Il est vrai que la scène dans la boîte gay est celle qui m’a le plus déconcerté. Personnellement, je ne crois pas qu’il y ait la moindre volonté homophobe dans le propos. Mais comme ce dernier n’est absolument pas clair, forcément chacun peu y mettre un peu ce qu’il veut. Beaucoup parle aussi de son caractère moralisateur, je ne partage pas non plus mon avis… puisque pour moi, il n’y a pas de réelle morale à l’histoire.

Le thème de Shame pourrait paraître vraiment original et provoquant. Mais quand on y regarde de plus prêt, il s’agit d’un film sur l’addiction de façon générale. On aurait presque pu faire le même film sur un accro à l’alcool ou à une drogue diverse. Les exemples de ce type ne manque pas dans le 7ème art. Le seul axe quelque peu différent est le fait qu’une telle addiction ne va pas vraiment être reconnue comme une maladie par les autres. Un alcoolique ou un drogué va inspirer une certaine forme de pitié. Un cadre sup de 35 ans qui se fait surprendre par sa sœur entrain de se masturber dans la salle de bain, nettement moins. Pourtant, la souffrance est la même et les processus d’isolement et de déni identiques.

Au final, Shame se démarque avant tout par ses qualités visuelles. J’ai failli dire esthétiques, mais cela n’a rien de beau. Les scènes de sexe sont crues, presque pornographiques, mais elles sont tout sauf érotiques. Elles évoquent plutôt un processus destructeur. Steve McQueen fait preuve une nouvelle fois d’une remarquable virtuosité pour retranscrire à l’écran la souffrance de manière très subtile et forte. Certains trouveront d’ailleurs qu’il se laisse un peu aller à une certaine forme d’autosatisfaction formelle, une sorte d’art pour l’art, ce qui pourrait expliquer les faiblesses du fond.

Mais ce qu’on retiendra avant tout de Shame, c’est la nouvelle performance incroyable de Michael Fassbender, qui confirme ici son statut de futur très grand. Encore une fois, il va très loin dans l’investissement physique. La manière dont il arrive à mimer des rapports sexuels de manière très intense (ce qui déjà en soi ne doit pas être évident) tout en exprimant un désespoir toujours plus profond est bluffante. Tout dans son rôle passe par les expressions et le regard puisque un des thèmes centraux du film est l’impossibilité de verbaliser cette souffrance. A ses côtés, Carrey Mullingan s’impose elle aussi comme un des talents les plus sûrs du cinéma actuel.

Au final Shame m’a inspiré un sentiment plutôt mitigé, qui m’a conduit vers une abîme de perplexité. Mais à force de ne pas vraiment savoir si on a aimé ou détesté, on finit par être persuadé que l’on a de toute façon pas été enthousiasmé.

Fiche technique :
Production : Film4, See Saw Films, UK Film council, Momentum Pictures, Lipsync productions, HanWay Films
Distribution : MK2 Diffusion
Réalisation : Steve McQueen (II)
Scénario : Steve McQueen, Abi Morgan
Montage : Joe Walker
Photo : Sean Bobbitt
Décors : Judy Becker
Musique : Harry Escott
Directeur artistique : Charles Kulsziski
Durée : 99 mn

Casting :
Michael Fassbender : Brandon
Carey Mulligan : Sissy
James Badge Dale : David Fisher
Nicole Beharie : Marianne
Alex Manette : Steven

Les gangsters constituent une inépuisable source d’inspiration pour les cinéastes de tous les pays. Il faut dire qu’ils forment des héros les plus ambigus qui soient. Attirants par les risques qu’ils prennent, leur code de l’honneur d’un autre temps et leur rébellion face à l’autorité, ils effrayent également tout de même par le sang qu’ils ont sur les mains et la violence dont ils peuvent faire preuve. Olivier Marshall, ancien flic, est très certainement le meilleur réalisateur de polar noir de l’hexagone. Il était donc normal qu’il s’attaque à cette figure mythique. C’est chose faite avec Les Lyonnais.

Les Lyonnais a tout, ou presque, d’un très bon film. Un scénario solide, un casting de haut niveau et un réalisateur qui sait magner une caméra. D’ailleurs, on ne s’ennuie pas et on se laisse prendre par cette histoire où l’on hésite toujours entre affection et haine, fascination et répulsion envers ces hommes à la fois barbares et chevaleresques. C’est propre, bien filmé, rythmé et avec les quelques rebondissements qui vont bien.

Ensuite, ce qui gâche un tout petit peu le plaisir, c’est le caractère hautement prévisible du twist final que l’on voit arriver 100 kilomètres en avance. Du coup, ce qui doit constituer le climax de l’intrigue tombe un peu à plat. Mais peut-être qu’un spectateur totalement néophyte à ce genre cinématographique pourra se laisser surprendre. Les autres ont toutes les chances de deviner à l’avance le fin mot de l’histoire.

Gérard Lanvin était fait pour se rôle, ou inversement, on ne sait pas très bien. Il y est donc parfaitement à l’aise. Cela fait plaisir de revoir Tcheky Karyo qui se fait de plus en plus rare. Qui se fait aussi de plus en plus vieux, mais ça, cela nous guète tous. Les Lyonnais nous propose aussi une belle brochette de seconds rôles très réussis, au premier rang desquels Olivier Rabourdin, déjà remarqué dans Des Hommes et des Dieux.

Fiche technique :
Production : Gaumont, Hatalom, LGM productions, Nexus Factory, France 2 Cinéma, Rhône-Alpes Cinéma
Distribution : Gaumont distribution
Réalisation : Olivier Marchal
Scénario : Olivier Marchal, d’après l’oeuvre d’Edmond Vidal
Montage : Raphaële Urtin
Photo : Denis Rouden
Décors : Ambre Sansonetti
Musique : Erwann Kermovant
Durée : 102 mn

En 1997, Andrew Niccol nous livrait un des meilleurs films de science-fiction de l’histoire du 7ème art, Bienvenue à Gattaca. Depuis, le Néo-Zélandais s’est fait rare derrière la caméra, mais a signé le très bon Simone et le fantastique Lord of War. Son retour était donc très attendu, surtout qu’il revenait à ses premières amours avec Time Out. Au final, il nous livre un film distrayant, mais tout de même assez loin de ce à quoi il nous avait habitués.

Le temps, c’est de l’argent. Dans un futur proche, le lieu commun est devenu réalité. Et si votre compteur arrive à zéro, c’est la mort qui vous attend. Du coup, les pauvres sont habitués à courir, quand les riches prennent leur temps et ne sont pas loin d’être immortels. Will Salas, en sauvant un homme fortuné venu traîner dans les bas-fonds, se voit offrir une fortune par ce dernier… ce qui revient à un suicide. Mais accusé de meurtre, il lui sera difficile de profiter du temps qui lui est offert.

Bon, allez, il y avait longtemps que je n’avais pas poussé un coup de gueule contre une traduction de titre. En effet, en Anglais, Time Out s’appelle In Time… Allez comprendre… Bon, revenons à nos moutons. Andrew Niccol marche vraiment sur les pas de Bienvenue à Gattaca avec la vision d’un futur où une minorité oppresse le reste de la population, le tout dans un contexte « technologique » proche du notre. Une nouvelle fois, il se focalise sur son idée de base et ne noie pas le poisson à coups d’effets spéciaux ou de gadgets futuristes. Mais cette fois, le fond n’est pas tout à fait exploité jusqu’au bout.

Time Out possède cependant quelques fulgurances qui le fait tout de même sortir du lot. Une course mortelle d’une mère vers son fils, quelques belles poursuites… bref, quelques bons moments de cinéma qui nous rappelle qu’il y a du talent derrière la caméra. Tout cela contribue à faire de ce film un vrai bon divertissement. Le film se laisse regarder, on ne s’ennuie jamais. Sans Andrew Niccol derrière la caméra, on dirait même qu’il surprend agréablement, car la bande-annonce pouvait faire croire au navet. Dans l’absolu, on est donc plutôt devant un bon film de genre, mais définitivement pas devant un chef d’œuvre.

Ce qui pêche dans Time Out réside dans un nombre un peu trop élevé d’invraisemblances dans le scénario. Pas d’incohérences flagrantes, simplement, on a un peu de mal à croire à tout ça. Du coup, l’univers de ce film n’est pas vraiment immersif, on reste très spectateur. On ne ressent pas vraiment le caractère oppressant de cette société, on ne partage par les angoisses de personnages que l’on aime sans vraiment s’y attacher. Les deux personnages jouant le rôle de méchants sont vraiment faibles et caricaturaux. On est donc diverti, pas passionné.

Pour en finir avec la comparaison avec Bienvenue à Gattaca, on notera immédiatement une légère différence dans le choix de l’acteur principal. Je ne veux absolument pas insinuer par là que Justin Timberlake soit dénué de toute qualité d’acteur, il a déjà largement prouvé le contraire dans plusieurs comédies. Cependant, il est quand même loin de posséder le charisme d’un Ethan Hawke. Et dans le style de « je cours tout le temps parce que j’ai des méchants à mes trousses », il y a longtemps de Tom Cruise ou Matt Damon ont fait mieux. Par contre, Amanda Seyfried est infiniment mieux que dans l’horrible Mamma Mia ! Cillian Murphy confirme quant à lui qu’il est un des meilleurs seconds rôles d’Hollywood.

Time Out est donc un des meilleurs films de science-fiction de l’année. Mais on pouvait attendre beaucoup plus d’un tel réalisateur. Ca sera pour la prochaine fois, n’en doutons pas !

Fiche technique :
Production : Regency Enterprises, New Regency, Strike Entertainment
Distribution : 20th Century Fox France
Réalisation : Andrew Niccol
Scénario : Andrew Niccol
Montage : Zach Staenberg
Photo : Roger Deakins
Décors : Alex McDowell
Musique : Craig Armstrong
Durée : 109 mn

Casting :
Justin Timberlake : Will Salas
Amanda Seyfried : Sylvia Weis
Cillian Murphy : Raymond Leon
Shyloh Ootswald : Maya
Johnny Galecki : Borel
Olivia Wilde : Rachel Salas