Après le succès mérité de Indigènes, Rachid Bouchareb s’attaque à un autre épisode douloureux du passé de notre pays et des relations avec ses anciennes colonies. Avec Hors-la-loi, il s’attaque également à un sujet peu connu, celui des conséquences de la guerre d’Algérie sur le territoire métropolitain. Malheureusement, il se montre cette fois loin d’être à la hauteur du propos qu’il essaye de tenir.

Chassé de leur terre, Abdelkader et ses deux frères voient leur vie bouleversée par le massacre de Sétif en 1945. L’un va en prison, l’autre part faire la guerre d’Indochine, le troisième emmène sa mère pour s’installer à Paris, dans le bidonville qu’est alors Nanterre. Mais les évènements sur le territoire algérien vont vite les rattraper tous les trois et chacun réagira différemment face au combat mené par, mais également au sein, de leur communauté.

Hors-la-Loi est donc une fresque familiale qui s’étale sur plusieurs décennies. Il est donc assez classique dans la forme, même si le contexte est une nouvelle fois encore relativement inexplorée par le cinéma hexagonal. Il y’a une certaine ambition dans la reconstitution historique du scénario, qui cherche à la fois à développer une intrigue et à la fois posséder un caractère démonstratif et explicatif. Je ne rentrerai évidemment pas dans la polémique autour de ce dernier aspect. Ce n’est pas non plus un documentaire, mais une œuvre forcément empreinte de la subjectivité de son auteur mais qui m’a, personnellement, donné envie de creuser le sujet un peu plus profondément.

Reste donc l’intrigue, et c’est là que ça pêche. Hors-la-loi est basé sur le parcours parallèle des trois frères, dont les destins se croisent, s’épousent et parfois se heurtent. Il s’agit donc là d’un triple portrait de trois archétypes des personnages qu’une telle situation peut engendrer : l’indifférent qui cherche à faire son beurre, l’idéaliste jusqu’à l’aveuglement et l’homme de main. Mais les trois personnages sont bancals, pas toujours vraiment crédibles et pas toujours très intéressants.

Rachid Bouchareb a cherché à montrer comment les évènements peuvent écraser les personnalités. Ces dernières sont ici trop caricaturales pour réserver la moindre surprise. Du coup, les relations entre protagonistes sont convenues et cela nuit considérablement à l’intérêt de l’ensemble. De plus, certaines scènes frisent le ridicule, notamment celle où Jamel Debouzze débarque au milieu d’une fusillade dans sa voiture de parvenu et arrive échapper, en compagnie de ses deux frères, à une petite armée de policiers qui ont visiblement une conception assez étrange de l’encerclement.

Le trio Jamel Debouzze, Sami Bouajila et Roschdy Zem retrouve sa complicité acquise avec Indigènes. On sent bien que la fraternité va au-delà de l’écran. Malheureusement, la faiblesse de leur personnage ne leur permet vraiment pas de briller. Leur jeu sonne souvent faux, mais pas plus faux que les personnages auquel ils tentent tant bien que mal de donner vie. Bien que le propos soutenu par le film leur tient très certainement particulièrement à cœur, leur talent n’était pas suffisant pour vraiment transformer Hors-la-loi en réussite.

Le plus grand mérite de Hors-la-loi est celui d’ouvrir un débat et de posséder malgré tout un caractère « documentaire ». Mais sur le sujet, on préférera cent fois revoir l’Ennemi Intime qui était moins démonstratif, mais constituait une vraie réussite cinématographique.

Fiche technique :
Production : Tessalit productions, Novak production, France 2, StudioCanal
Réalisation : Rachid Bouchareb
Scénario : Rachid Bouchareb
Montage : Yannick Kergoat
Photo : Christophe Beaucarne
Décors : Yan Arlaud
Distribution : StudioCanal
Musique : Armand Amar
Costumes: Edith Vesperini

Casting :
Jamel Debbouze : Saïd
Sami Bouajila : Abdelkader
Roschdy Zem : Messaoud
Bernard Blancan : Colonel Faivre

Le plus dur dans une critique, c’est de savoir quoi dire en introduction. Généralement, après, ça va tout seul. Quand j’écris la critique d’un film coréen, je n’ai d’habitude pas de problème puisque je profite des premières lignes pour rappeler à quel point j’apprécie ce cinéma. Mais, ces derniers temps, les sorties venues du Pays du Matin Calme ont été relativement nombreuses, alors je me dis que ça va commencer à se voir. Il faut donc que je trouve autre chose. Quoi ? On me dit dans l’oreillette que mon temps imparti pour l’introduction est écoulé. Passons donc au synopsis de The Housemaid, film dont je dois vous parler ici.

Euny est embauché comme gouvernante chez un riche homme d’affaires coréen, dont la femme attend des jumelles. Très vite, il la prend comme maîtresse et comme d’habitude, ce genre de relation va quelque peu perturber la vie de la maison.

Les amateurs de films troublants et un peu malsains se souviennent sûrement de l’excellent La Secrétaire. Pendant une petite moitié, The Housemaid y fait largement penser. En effet, la jeune Euny est loin d’être l’oie blanche qu’elle peut paraître dans les premières minutes. En fait, dans ce film, aucun personnage n’est tel qu’il semble l’être à première vue. C’est même-là tout l’intérêt du film. C’est souvent chez les plus propres sur eux que se cachent la plus grande perversité.

Ce serait un crime de dévoiler ne serait qu’un temps soit peu la tournure que prennent les évènements et les relations entre personnages. Vous aurez bien du mal à deviner à l’avance comment tout cela finit. Alors certains diront peut-être que le film part un tantinet en sucette sur la fin. Mais au moins, cela garde le goût de la surprise. De tout façon, le scénario est tout sauf formaté et possède le même petit (gros) grain de folie que les personnages qu’il met en scène. Bref, un film un peu barré, mais ça fait du bien parfois.

Néanmoins, il ne faut pas croire que Im Sang-soo ne maîtrise pas totalement son sujet. The Housemaid développe un univers esthétique tout asiatique, qui a le goût de l’exotisme, mais aussi un tantinet de la perversion. La photographie est très travaillée et participe largement à créer l’ambiance si particulière qui fait tout l’intérêt de ce film. La direction d’acteur est elle-aussi sans reproche. Jamais les acteurs ne se laissent aller même dans les moments où le scénario dérive un peu vers le n’importe quoi organisé.

On saluera donc la double performance des deux acteurs principaux : Jeon Do-youn et Lee Yung-jae. Les deux arrivent parfaitement à retranscrire la dualité de leurs personnages respectifs. Ils contribuent donc largement aussi à la réussite de The Housemaid, tout comme Youn Yuh-jung, qui joue un second rôle mais dont l’apport à l’écran est loin d’être négligeable.

The Housemaid n’est pas le film coréen qui m’a le plus enthousiasmé. Mais il confirme la richesse incroyable de ce cinéma qui nous réserve toujours des surprises et dont la maîtrise technique est toujours impressionnante.

Fiche technique :
Production : Mirovision
Réalisation : Im Sang-soo
Scénario : Im Sang-soo
Montage : Lee Eun-soo
Photo : Lee Hyung-deok
Distribution : Pretty pictures
Musique : Kim Hong-jip
Directeur artistique : Lee Ha-jun
Durée : 107 mn

Casting :
Jeon Do-youn : Euny
Lee jung-jae : Hoon
Youn Yuh-jung : Byung-shik
Seo Woo : Hera

Certains films semblent pour moi frappés d’une malédiction qui m’empêchent inlassablement de les voir. Casablanca en faisait partie… Mais grâce à Arte et à mon antique magnétoscope, j’ai pu enfin triompher de la bête et du démon et découvrir après tant d’années ce chef d’œuvre du 7ème art. Un des plus grands classiques du cinéma qui n’a pas pris une ride…ou si peu…

Rick Blaine, américain, est le patron d’un night-club de Casablanca pendant l’occupation allemande. Il reste au maximum en dehors des tensions et des conflits qui règnent entre collaborateurs et résistants. Sa neutralité va cependant être mise à mal par l’arrivée de Ugarte, un petit truand qui lui confie, avant de mourir, deux précieux sauf-conduits, permettant à n’importe qui de partir pour l’Amérique. Mais aussi celle de Ilsa avec qui il avait vécu une intense histoire d’amour quelques années plus tôt à Paris.

Casablanca reste avant tout le plus grand rôle de Humphrey Bogart, ce qui n’est évidemment pas peu dire. Son charisme, son regard, sa voix à nuls autres pareils ont fait de lui l’archétype du mâle, du pur, du vrai. Le personnage de Rick Blaine est sans doute celui dans lequel il s’incarna le plus parfaitement. Sa présence irradie l’écran comme peu d’acteurs dans l’histoire du cinéma ont pu le faire. Il n’y a rien de spectaculaire dans son jeu, jamais de grimaces ou d’élans dramatiques expansifs. Mais il est là et c’est bien suffisant.

Mais delà de Bogart lui-même, c’est le couple qu’il forme avec Ingrid Bergman qui a propulsé à jamais Casablanca dans la légende du 7ème art. Deux monstres sacrés réunis à l’écran pour un moment inoubliable de cinéma, échappé d’un temps, avant les effets spéciaux et le numérique, où les acteurs et les actrices étaient à la base de tout. Un temps où les stars faisaient réellement rêver et n’étaient jamais photographiées complètement saoules ou seins nus dans de la presse à bas prix.

Bon, arrêtons un peu la séquence nostalgie, surtout que même ma mère n’était pas née à l’époque où Casablanca est sorti au cinéma. Revenons un peu à cette histoire, car il y’en a une, indépendamment de ses protagonistes. Sans un grand scénario, ce film n’aurait évidemment pas autant marqué l’imaginaire collectif. Pour aboutir à la scène finale de l’aéroport, une des plus célèbres de l’histoire, il aura fallu bien des rebondissements, des revirements et des trahisons. Histoire d’amour, politique, instinct de survie, devoir, les motivations des personnages sont nombreuses et s’entremêlent et bien souvent s’entrechoquent, avant un dénouement légendaire.

Casablanca est aussi une ambiance. Bien sûr, tout cela fait un peu carte postale. Un univers recrée depuis l’autre côté de l’Atlantique dans un monde en guerre. Il cherche à nous faire pénétrer au cœur de la petite société coloniale et occidentale de Casablanca, où tout le monde se connaît, mais où, en ces temps troublés, tout le monde peut trahir tout le monde. Le film se déroule en grande partie dans le night-club tenu par Rick Blaine, en endroit dédié à l’amusement et à la détente, mais où bien d’autres choses se jouent, à une époque où il était bien difficile de garder l’esprit à la bagatelle.

Casablanca est à la fois un chef d’œuvre intemporel et un film bien dans son époque. Par le sujet bien sûr déjà, mais aussi évidemment par une manière de filmer et de diriger les acteurs qui n’ont évidemment plus court aujourd’hui. Cela va bien au-delà de l’emploi du noir et blanc. Mais le cinéma est un art vivant qui a connu des évolutions techniques et artistiques et un chef d’œuvre rester un chef d’œuvre pour toujours.

J’ai donc bouché un gros trou dans ma culture cinématographique en voyant enfin Casablanca. Il me reste encore bien des cavités à combler, alors, même si je ne le ferai jamais aussi bien que Bogart, je prends mon air de mâle dominateur et sûr de lui pour vous dire à bientôt !

Fiche technique :
Réalisation : Michael Curtiz
Scénario : Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch d’après la pièce Everybody Comes to Rick’s de Murray Burnett et Joan Alison
Photographie : Arthur Edeson
Montage : Owen Marks
Direction artistique : Carl Jules Weyl
Costumes : Orry-Kelly
Musique : Max Steiner
Production : Hal B. Wallis (producteur) et Jack Warner (producteur délégué)
Sociétés de production : Warner Bros. et First National Pictures
Société de distribution : Warner Bros.
Budget : 1 039 000 $
Format[4] : Noir et blanc – Son monophonique (RCA Sound System) – 1,37:1 – 35 mm
Genre : Drame romantique
Durée : 102 minutes
Pays d’origine : États-Unis
Dates de sortie :
États-Unis : Avant-première à New York le 26 novembre 1942. Sortie nationale le 23 janvier 1943
France : 23 mai 1947

Casting :
Humphrey Bogart : Rick Blaine
Ingrid Bergman : Ilsa Lund
Paul Henreid : Victor Laszlo
Claude Rains : Capitaine Renault
Conrad Veidt : Major Strasser
Sydney Greenstreet : Señor Ferrari
Peter Lorre : Ugarte
S. Z. Sakall : Carl
Madeleine Lebeau : Yvonne
Dooley Wilson : Sam
Joy Page : Annina Brandel
John Qualen : Berger
Leonid Kinskey : Sascha

Le biopic musical est devenu un genre cinématographique à part entière ces dernières années. Il faut dire que les rock-stars ont souvent une existence suffisamment épique pour valoir le coup d’être portée à l’écran. C’est au tour des Runaways, le premier groupe de Joan Jett, de faire l’objet d’un long métrage. Ma méconnaissance de leur histoire ne m’aurait jamais donné l’idée d’en faire un film… et ça n’aurait pas été forcément plus mal.

Les jeunes Joan Jett et Cherie Currie ont à peine 15 ans quand elles croisent Kim Fowley, producteur de rock, avec qui elles vont créer les Runaways, un groupe provoquant qui connaîtra vite un succès phénoménal. Mais en pleine adolescence, ces deux jeunes rebelles sont elles prêtes à vivre un telle aventure.

Les Runaways m’aura au moins appris que Joan Jett avait eu une vie avant d’aimer le rock’n’roll. C’est déjà bien, mais pas tout à fait suffisant pour faire un film. En fait, Flora Sigismondi axe surtout l’intrigue sur le « couple » Joan Jett – Cherie Currie. Le reste n’est qu’anecdotes qui intéresseront néanmoins tous ceux qui souhaitent mieux connaître l’histoire du rock. Malheureusement, le récit de cette relation ambiguë et forte, au milieu du succès, de la drogue et de la musique, ne passionne jamais vraiment. Du coup, c’est tout le film qui ne déchaîne guère l’enthousiasme.

Les Runaways est sauvé par la musique. Comme dans de nombreux film du genre, celui-là laisse une large place à la découverte des morceaux composés par le groupe. Il n’y a pas de longue scène purement musicale, mais les œuvres du groupe sont omniprésentes. L’énergie de leur musique vient donc largement compenser la relative indifférence qu’inspire le scénario. Mais bon du coup, au lieu de dépenser le prix du ticket de cinéma, vaut mieux carrément investir dans un de leurs albums, même si c’est toujours agréable de mieux connaître l’histoire d’une musique pour mieux l’apprécier.

Un autre élément qui sauve les Runaways est la performance de ses deux actrices principales, Kristen Stewart et Dakota Fanning. La première a été révélée très jeune par le film Panic Room, avant de décrocher le premier rôle dans la saga Twilight. La seconde a débuté en jouant le rôle d’Ally McBeal à l’âge de 5 ans avant d’elle aussi jouer dans Twilight. En tout cas, elles tiennent là deux beaux rôles de composition dont elles s’acquittent avec brio et talent. On retrouve là une opposition classique blonde contre brune, introvertie contre délurée… Elles apportent cependant surtout une touche d’ambiguïté et de sensualité un peu dérangeante pour des personnages censés avoir 15 ans. Mais c’est bien tout l’intérêt et l’épaisseur de ses personnages à la fois familiers (enfin surtout Joan Jett pour ma part), attachants et intrigants.

La réalisation de Flora Sigismondi est elle aussi non dénuée de qualités. C’est encore dans la sensualité que les Runaways se distinguent avec une scène particulièrement élégante et troublante, sans être une seule seconde vulgaire. L’expression sexe, drogue et rock’n’roll prend ici tout son sens et le scénario nous compte tout autant le succès de ces jeunes filles que leur dérive. Mais jamais, la réalisatrice ne tombe dans un spectaculaire trash qui n’aurait pas du tout été de bon aloi.

Les Runaways est donc un film doté de qualités non négligeables, mais gâchées par un scénario un peu trop faible et trop peu emballant.

Fiche technique :
Titre original : The Runaways
Réalisation : Floria Sigismondi
Scénario : Floria Sigismondi, d’après l’autobiographie de Cherie Currie
Photographie : Benoît Debie
Montage : Richard Chew
Décors : Eugenio Caballero
Costumes : Carol Beadle
Production : Art Linson, John Linson et William Pohlad
Co-production : David Grace
Production exécutive : Joan Jett, Kenny Laguna et Brian Young
Production associée : Jonathan Sanford et Sabrina Sipantzi
Société de production : River Road Entertainment, Linson Entertainment, Road Rebel et Runaway Productions
Pays d’origine : États-Unis
Format : Couleurs – 2,35:1 – Super 16 – Dolby Digital
Durée : 109 minutes

Casting :
Kristen Stewart : Joan Jett
Dakota Fanning : Cherie Currie
Scout Taylor-Compton : Lita Ford
Stella Maeve : Sandy West
Alia Shawkat : Robin
Michael Shannon : Kim Fowley
Tatum O’Neal : mère de Cherie
Johnny Lewis : Scottie