Rejouer plusieurs fois la même scène, mais tournée de différents points de vue, pour découvrir que ce que l’on avait cru voir la première fois ne correspondait pas tout à fait, voire pas du tout, à la réalité, n’est pas un procédé révolutionnaire. Bien des films exploitent déjà cette ficelle, mais assez peu de films français à ma connaissance. C’est le cas de Rien de Personnel, un film très réussi sur l’univers impitoyable des cadres des grandes entreprises.

Müller, un grand groupe pharmaceutique, organise une soirée de gala pour ses cadres. Parmi eux, Bruno Couffe, la cinquantaine, dirige une ligne de production. Il a été embauché il y’a un peu moins d’un an et termine sa période d’essai dans dix jours. S’il n’est pas conservé, il sait qu’il aura bien du mal à retrouver un nouveau travail. Alors quand sa superviseur vient lui parler de venir l’aider à améliorer ses résultats, il comprend qu’il est sur la sellette. La pression est alors insupportable et, malgré le soutien d’un délégué syndical, il tente d’avaler des morceaux de verre. Mais est-ce exactement cela qui s’est passé ?

Rien de Personnel est un film qui souffre quand même de deux défauts. Tout d’abord, le propos, dénonçant le manageriat des grandes entreprises a quelques faiblesses. A l’heure de la multiplication des suicides, notamment chez France Telecom, ce film aurait du recevoir un très fort échos. Cependant, le propos y est ici un peu trop caricatural et superficiel. En fait, le fond a été quelque peu été délaissé au profit de la forme, qui, elle, est très réussie. De plus, le film manque un tout petit peu de substance. On sent bien que Mathias Gokalp a quelque peu lutté pour atteindre l’heure et demi minimale pour un long métrage. Du coup, on a quelque peu l’impression de tourner en rond sur la fin.

Voilà, le négatif est évacué, passons au positif nettement dominant dans ce film. Tout d’abord, si le procédé n’a, encore une fois, rien de nouveau, il donne à Rien de Personnel un réel intérêt scénaristique. En effet, le procédé est ici parfaitement maîtrisé et les surprises qu’il engendre, réelles. Il est quasi impossible de déceler le vrai du faux avant d’avoir vu l’ensemble du film. Il y’a là un vrai travail, une vraie maîtrise qui méritent d’être signalés. Du coup, même si le film s’étire un peu sur la fin, on ne s’y ennuie pas et on prend un vrai plaisir à se laisser surprendre par chacun des renversements de perspective.

Le casting est lui aussi de grande qualité. Pourtant l’exercice n’est pas facile pour les acteurs qui doivent fournir des prestations qui pourront être interprétées de manière diamétralement différentes selon le point de vue, les coupes et le montage. Mais Rien de Personnel fait appel à de nombreuses valeurs sûres du cinéma français avec Jean-Pierre Darroussin, Denis Podalydes, Zabou Breitman, Pascal Gregory et, ce qui ne gâche rien au plaisir des yeux, la magnifique Mélanie Doutet. Chacun d’eux livrent ici une prestation digne de leur talent.

Rien de Personnel a quelque chose de l’exercice de style. Mais parfaitement maîtrisé, il fait oublier ses quelques faiblesses pour nous offrir un bon moment de cinéma.

Il y’a des films avec qui l’histoire semblait pourtant mal barrée, mais avec qui ça se termine bien. Un peu comme au cinéma donc. C’est le cas de District 9. Un jour des amis m’ont parlé d’une bande-annonce d’un film qui avait l’air pathétique, avec un parallèle à 30 centimes d’euros entre des aliens et l’apartheid. Quelques jours plus tard, j’ai moi-même vu la fameuse bande-annonce. Et là, je fus partagé. Certes, on pouvait craindre que le film s’avère être un gros navet, mais à la fois, j’ai réalisé qu’il s’agissait de District 9, le nouveau projet produit par Peter Jackson et qui était très attendu. Et lorsqu’il est sorti et que j’ai lu des critiques relativement unanimes, j’ai été quelque peu étonné. Je m’y suis donc rendu moi-même et je dois admettre que District 9 est réellement un excellent film, très différent de ce que l’on aurait pu croire au départ.

En fait, je conseille à tous ceux qui ont de toute façon l’intention de le voir d’en lire le minimum à son sujet, car ce film vous surprendra agréablement et il serait dommage de gâcher ça.

Dans un futur plus ou moins proche, la Terre est abordée par un vaisseau alien qui se met à flotter immobile au-dessus de Johannesburg. A l’intérieur, un gros million d’extra-terrestres, affamés et en mauvaise santé. Ils sont recueillis sur Terre, mais la cohabitation est difficile. Ils se retrouvent alors dans un camp qui se transforme vite en bidonville, clôturé et gardé par les militaires, appelé District 9. Mais celui-ci se trouve encore trop près des populations humaines. Les autorités décident donc de procéder au déplacement du camp entier vers une nouvelle installation.

Le film est en fait en grande partie tournée comme un reportage. Diverses personnes témoignent donc d’évènements passés. On comprend donc très vite que quelque chose d’exceptionnel s’est passé et que le film est centré, non sur l’évacuation en elle-même, mais sur le destin d’un homme, Wikus van der Merwe, le responsable administratif de terrain de cette évacuation. En fait, dès le premier quart d’heure, on comprend que l’on ne va pas du tout assister au film auquel on s’attendait.

Allergiques à la science-fiction et aux Space Operas, District 9 peut être quand même fait pour vous. Bien sûr, il faut accepter l’aspect imaginaire du contexte, mais il n’en reste pas moins que le scénario n’est absolument pas le scénario d’un film d’action basique. Il n’y en a d’ailleurs pas tant que ça, on est plus proche d’un polar que de Star Trek à ce niveau là. Seules les vingt dernières minutes sont vraiment « musclées ».

Et pour ceux qui auraient peur, non, District 9 n’est en rien une histoire sur la réconciliation des peuples qui se sont battus, sur la compréhension qui peut se faire malgré les différences. Non, c’est un film sur la haine entre les peuples, sur la haine de la différence et rien ne vient ajouter une note d’optimisme. D’ailleurs, la fin est absolument remarquable, non, par ce que l’on y trouve, mais par ce que l’on n’y trouve pas, alors que les perches sont plusieurs fois lancées et que 99% des films hollywoodiens les auraient saisi.

Plus généralement, District 9 trouve autant son intérêt dans ce qu’il est, un film intelligent, avec un réel suspense que dans ce qu’il n’est pas et aurait pu être tellement facilement. On est tellement habitué aux codes hollywoodiens, à la barrière entre les genres, à un certain manque de créativité, que l’on passe les deux petites heures de ce film à être surpris très agréablement.

Si District 9 prend un malin plaisir à casser un certain nombre des codes hollywoodiens, il en respecte d’autres, ce qu’il y’a de meilleur en fait. Si les scènes d’action ne sont pas du tout le cœur du film, il n’empêche qu’elles sont particulièrement spectaculaires. De manière générale les effets spéciaux sont superbes. A la fois, c’est une production Peter Jackson, il ne fallait pas s’attendre à quelque chose de médiocre à ce niveau là. Bref, District 9 est la preuve qu’on a le droit de faire d’excellents films, qui vont au delà du simple divertissement, même avec un gros budget et des équipes techniques pléthoriques.

Enfin, un mot sur la prestation de Shartlo Copley, dont le rôle est tellement central dans le film, que de sa prestation découlait forcément une bonne partie de la réussite de ce film. Et là, encore, rien à redire. Il passe à merveille du rôle de fonctionnaire zélé, tête à claques et un peu benêt à celui de fugitif devant redoubler d’ingéniosité pour échapper à ses poursuivants. Un acteur sorti de nul part et qu’on aura la chance de retrouver à l’affiche de la prochaine adaptation de l’Agence Tous Risques sur grand écran… On ne peut pas jouer que dans des grands moments de cinéma…

District 9 est donc un film étonnant, bousculant beaucoup d’idées reçues sur ce que peut être un film à gros budget avec des extra-terrestres dedans. Mais au final, c’est avant tout, un excellent film.

Fiche technique :
Production : Qued International, WingNut Films
Distribution : Metropolitan Film Export
Réalisation : Neill Blomkamp
Scénario : Neill Blomkamp, Terri Tachell
Montage : Julian Clarke
Photo : Trent Opaloch
Format : 35mm
Décors : Philip Ivey
Musique : Clinton Shorter
Effets spéciaux : Steve Ingram, Max Podman
Durée : 112 mn

Casting :
Sharlto Copley : Wikus van der Merwe
David James : Koobus
Jason Cope : Christopher
William Allen Young : Dirk Michael
Nathalie Boltt : Sarah Livingston

Si on pense à un justicier qui séduit les femmes d’un seul regard et qui combat des hommes sans foi, ni loi, la plupart d’entre nous penseront à…James Bond ! Mais il n’en a pas toujours été ainsi car à une époque, cette définition aurait été immédiatement associée à Philipp Marlowe, le détective privé auquel nul, et surtout nulle, ne résiste. Ses aventures de nombreuses fois adaptées à l’écran, il a surtout été rendu célèbre par le Grand Sommeil et l’immense Humphrey Bogart.

Philipp Marlowe est appelé par le général Sternwood, dont les deux filles, belles mais incontrôlables, ont une fâcheuse tendance à se mettre dans le pétrin. Et certaines de leurs fréquentations mal intentionnées en profitent pour faire chanter le vieux général. Ce dernier avait déjà chargé quelqu’un d’y mettre fin, mais ce dernier a disparu, apparemment parti avec la femme d’un truand local. Philipp Marlowe découvrira vite que tout cela n’est que la partie visible d’un iceberg sur lequel coulera beaucoup de sang.

Le Grand Sommeil fut longtemps considéré comme une des intrigues les plus complexes de l’histoire du 7ème art. De l’eau a coulé sous les ponts et les cinémas depuis, mais il n’en reste pas moins que ce film possède un scénario parfois quelque peu difficile à suivre. Il comporte beaucoup de personnages, dont les relations les uns avec les autres ne sont parfois pas très claires. Mais d’un autre côté, ceci donne l’impression de partager le point de vue de Philipp Marlowe, qui, lui aussi, met un peu de temps à s’y retrouver.

De toute façon, l’intérêt principal de ce film ne réside pas tant dans son histoire, somme toute très classique pour un polar. Le Grand Sommeil est surtout l’occasion de contempler un des couples les plus inoubliables du cinéma : Humphrey Bogart et Lauren Bacall. Il suffit de regarder ce film et le Faucon Maltais (qui n’est pas une aventure de Philipp Marlowe, contrairement à ce que je pensais…mais qui aurait pu) pour se demander si le métier de détective privé n’a pas été spécialement inventé pour Bogart. Son menton carré, son regard dur, son sourire jamais franc, en font l’archétype du mâle dur et viril, tout en gardant en toute occasion une certaine classe.

Le détail le plus typique de ce film est la manière dont Philipp Marlowe croise sans arrêt des personnages féminins qui lui font immédiatement de l’œil. Evidemment, il se laisse faire sans jamais vraiment céder, restant impassible dans l’expression du visage, tout en balançant des compliments tous faits qui font soupirer les belles en question. Parmi les personnages, on trouve même un chauffeur de taxi qui est…une femme. Je ne sais pas si vous avez déjà vu une « chauffeuse » de taxi, moi jamais… Elle lui sort un « I am your girl », dans le sens de « je suis votre homme », non « je suis votre petite amie ». Il lui répond presque froidement, comme elle est naturellement très jolie, « I wish you were » (littéralement « j’aimerais que vous le soyez »… Bon, je ne sais pas si les pas doués en anglais auront bien compris le jeu de mots). Bref, tout ça est d’un charme désuet tout à fait savoureux, typique d’une époque où le désir sexuel ne pouvait être exprimé que sous forme d’allusion. Aujourd’hui, on verrait Philipp Marlowe conclure certains de ses échanges dans un lit, ici, il n’en est évidemment pas question.

Reste aussi le charme de la photographie en noir et blanc. Howard Hawkes fut un maître du genre et chacun de ses films est un régal pour les yeux. Il n’a pas son pareil pour mettre en lumière et surtout en valeur le visage de ses acteurs. Et quand on dirige Lauren Bacall et Humphrey Bogart, on a de quoi faire des plans tout ce qu’il y’a de plus magnifiques.

Le grand Sommeil est un grand classique, que tout cinéphile digne de ce nom doit avoir vu… Ok, bon dans ce cas là, avant lundi soir, je n’étais pas un cinéphile digne de ce nom… Bref, ceci est un autre débat. Le film reste un cran en dessous du Faucon Maltais, mais reste un grand mythe du polar hollywoodien.

Fiche technique :
Titre : Le Grand Sommeil
Titre original : The Big Sleep
Réalisateur : Howard Hawks
Scénario : William Faulkner, Leigh Brackett, Jules Furthman, d’après le roman The Big Sleep de Raymond Chandler
Production : Jack Warner et Howard Hawks pour la Warner Bros. Pictures
Musique : Max Steiner
Photographie : Sid Hickox
Montage : Christian Nyby
Décors : Carl Jules Weyl
Costumes : Leah Rhodes
Pays d’origine : États-Unis
Format : Noir et blanc
Genre : film noir, polar
Durée : 114 minutes
Date de sortie : 23 août 1946 première (USA)

Casting :
Humphrey Bogart : Philip Marlowe
Lauren Bacall : Vivian Sternwood
Martha Vickers : Carmen Sternwood
Lois Jean Heydt : Joe Brody
John Ridgely : Eddie Mars
Dorothy Malone : la fille de la librairie
Elisha Cook Jr. : Jones
Regis Toomey : Bernie Ohls
Sonia Darrin : Agnes
Bob Steele : Canino
Tom Rafferty : Carol Lundgren
Charles Waldron : le général Sternwood
Peggy Knudsen : Mona Mars

Ah qu’est ce qu’on ne dit pas comme conneries sous l’effet de l’alcool ! On se sent souvent très courageux, prêt à relever tous les défis. Mais une fois, l’effet disparu, on fait nettement moins le fier et on n’a bien du mal à assumer ce que l’on a dit la veille. C’est sur cette idée de départ, que l’on a tous plus ou moins expérimenté, qu’est basé Humpday, un petit film indépendant américain qui aurait pu être génial. Oui, qui aurait pu…

Andrew et Ben sont deux copains de fac au parcours très différent. L’un est marié, rangé, ingénieur, l’autre mène une vie de bohème, dans un milieu artistique totalement désargenté. Quand l’un débarque chez l’autre à l’improviste à deux heures du matin, ils sont heureux de se retrouver, sous le regard quelque peu surpris de la femme de Ben. Le lendemain, lors d’une soirée arrosée, ils en viennent à parler d’un festival porno amateur… et décide d’y participer en se filmant en train de faire l’amour l’un avec l’autre. Qu’en sera-t-il le lendemain,  une fois  la gueule de bois dissipée ?

Humpday nous est vendu comme une comédie. C’est certes le genre cinématographique dans lequel il semble le plus à sa place, mais plutôt du côté des comédies de mœurs. Il n’y pas ici à proprement parlé de « gags », simplement des situations saugrenues et quelques répliques savoureuses… noyées dans un océan de dialogue.

Humpday est en effet un film extrêmement bavard. En fait, toutes les scènes consistent en une discussion entre deux ou trois personnes. Ca aurait donc presque pu ressembler à du Woody Allen, mais malheureusement on n’en est loin. Là où notre new-yorkais préféré insuffle rythme et énergie dans les échanges entre ses personnages, Lynn Shelton se contente de filmer sans aucune imagination ses acteurs qui débitent leur texte avec plus ou moins de conviction. Non que ces derniers soient mauvais, loin de là, mais simplement, on aurait aimé plus de peps et plus d’énergie. Du coup, le film ne décolle jamais vraiment et l’enthousiasme du spectateur non plus !

Ce qui sauve quand même Humpday, c’est l’envie du spectateur de savoir comment tout cela va bien pouvoir finir. Là, on peut reconnaître une grande intelligence à Lynn Shelton qui a su nous préserver d’un dénouement cousu de fil blanc. Mais la fin, à l’image du reste du film, souffre d’un manque de souffle qui ne permet pas d’apprécier à sa juste valeur son intelligence et sa subtilité.

Humpday est vraiment l’archétype du scénario gâché par une mise en scène trop plate. Car les thèmes abordés sont riches : l’amitié, le couple, la fierté, mais surtout une belle réflexion sur l’écart entre l’image qu’on a de soi-même, l’image qu’ont les autres de soi et ce que l’on est vraiment. Tous ces ingrédients auraient pu donner un résultat vraiment intéressant, mais on flirte trop souvent avec l’ennui dans ce film pour pouvoir l’apprécier.

Humpday n’est donc pas le film surprise qu’il aurait pu être. La médiocrité de la mise en scène constitue un handicap trop lourd pour que l’originalité se suffise à elle-même.