Et le prix du scénario le plus éculé revient haut la main à L’Etudiante et Monsieur Henri. Parce que l’histoire du vieux bougon qui finit par s’attendrir au contact d’une personne beaucoup plus jeune que lui est une de celles qui a été le plus souvent racontées au cinéma. Etait-il vraiment nécessaire de nous proposer une nouvelle version ? Pas sûr… même si on a parfois la faiblesse se faire avoir encore et encore par les mêmes grosses ficelles.

L’Etudiante et Monsieur Henri, au-delà de son non-originalité la plus complète, souffre d’une direction d’acteurs quelque peu défaillante. Le casting surjoue et chacun semble vouloir en faire plus que le voisin en la matière. Au final, c’est sans doute la jeune Noémie Schmidt, révélation venue de Suisse et que l’on attend avec impatience dans la série Versailles qui va bientôt débarquer sur Canal+, qui s’en sort le mieux. Par contre, le trio Claude Brasseur, Guillaume de Tonquédec et surtout Frédérique Bel s’en donne à cœur joie dans des numéros mal maîtrisés.

Ivan Calbérac nous livre donc un film largement imparfait à partir d’une histoire que l’on connaît déjà. Pourtant, c’est peut-être cette imperfection qui finit par sauver le film. Cela lui donne une certaine fraîcheur assez réjouissante. Certes, les acteurs en font trop, mais ce surplus d’énergie a quelque chose d’assez communicatif. L’Etudiante et Monsieur Henri ne nous emballe pas, mais il arrive tout de même à nous divertir, à nous arracher quelques vrais sourires. Après tout, on ne lui en demandait pas tellement plus.

LA NOTE : 11,5/20

Ah l’Amérique Latine ! Sa cuisine, sa musique, son folklore ! Et bien sûr ces trafiquants de drogue sanguinaires et violents. Sans eux, le cinéma actuel perdrait une grande source d’inspiration, puisque les films où ils occupent une place centrale peuplent nos écrans de manière régulière. Peut-être trop ? C’est ce qu’on peut se demander en voyant Sicario, un film solide et sombre, mais qui n’apporte vraiment rien de nouveau sur le sujet.

Si Sicario sort un tout petit peu du lot, c’est avant tout par son casting prestigieux. Benicio Del Toro, Josh Brolin et Emily Blunt forment un trio de comédiens de très haut niveau, apportant chacun leur forte personnalité. Leurs personnages leur permettent de s’en donner à cœur joie et de donner la pleine mesure de leur talent. Ils ne sont pas loin d’en faire un peu trop, mais savent ce petit rien de retenu qui distingue le numéro d’acteur du cabotinage éhonté. Rien que pour ça, le film peut mériter le coup d’œil.

Le reste n’est pas dénué de qualité, mais totalement d’originalité. On a droit à un polar sombre, parfois violent, où l’ambiguïté des personnages créent une tension constante car chacun sait qu’il ne peut faire totalement confiance aux autres. C’est bien construit, offre quelques rebondissements qui vont bien, mais rien qu’on ait jamais vu. La réalisation colle assez bien à l’ambiance et a au moins le mérite de chercher à mettre avant tout en avant les acteurs. Rien à reprocher à ce film donc, mais sans pour autant avoir de réelles raisons de s’enthousiasmer.

LA NOTE : 12,5/20

J’ai cru remarquer au cours de ma brève existence (enfin de moins en moins brève au fur et à mesure des années) que le connard est une espèce qui a beaucoup de succès auprès de la gente féminine. Ok, la remarque marche sûrement dans le sens inverse avec les connasses, mais ce n’est pas le sujet ici. En effet, Mon Roi, le nouveau film de Maïwenn, constitue l’illustration parfaite de l’histoire d’amour entre une fille bien et un homme qui tient plus de la nuisance que du bienfait. Un film qui a reçu un accueil mitigé, tant il est vrai qu’il provoque une impression contrastée.

Mon Roi fait partie de ces films dont vous ne savez pas très bien si vous les avez adoré ou si vous l’avais détesté. Parce que vous lui trouvez d’immenses qualités, mais d’un autre côté, vous avez un peu l’impression de vous être fait avoir par des tours de passe-passe. Maïwenn n’est peut-être pas magicienne, mais une cinéaste au talent assez rare pour masquer les faiblesses des histoires qu’elle raconte. Et le scénario en possède ici beaucoup. Le propos manque vraiment de profondeur et certains éléments, comme un parallèle entre l’histoire d’amour et une rééducation du genou, laissent perplexes… ou pire totalement indifférents.

A côté de ça, Maïwenn possède une faculté rare à sublimer le jeu de ses acteurs. Si Emmanuelle Bercot, qui est pourtant avant tout une réalisatrice, a reçu un prix d’interprétation à Cannes, ce n’est pas non plus pour rien. Elle en éclipserai presque un Vincent Cassel pourtant assez incroyable. Mais c’est l’ensemble du casting qui est sublimé, avec même un Norman vraiment excellent. Le jeu d’acteurs donne vie à cette histoire, transmet beaucoup d’émotion, sans arriver à masquer totalement la vacuité d’une histoire qui en rappelle beaucoup d’autres (et des réelles), mais sans rien en dire.

LA NOTE : 12,5/20

Matthias Schoenaerts est désormais à peu près aussi souvent à l’affiche que Kad Merad à une certaine époque. A la différence que l’acteur belge occupe les écrans des deux côtés de l’Atlantique et un peu partout en Europe. Un acteur polyglotte, doté d’une présence à l’écran assez phénoménale. C’est donc un plaisir, jamais une corvée de le voir figurer au casting. Surtout que ses très larges épaules (c’est le moins que l’on puisse dire) sont capables de supporter à elles seules tout le poids d’un film, comme ici avec Maryland.

Maryland est un polar à quasi huis-clos un rien paranoïaque. Un film dont le principal ressort est une tension qui va en grandissant au fur et à mesure qu’un danger d’abord imperceptible se concrétise. Rien de très nouveau ici et Alice Winocour déroule son film avec un grand académisme. On ne s’ennuie pas, mais on guette tout de même un éclair d’originalité, à défaut de génie, qui nous sortirait d’un chemin trop bien balisé. C’est propre, c’est net, mais cela manque au final d’épaisseur et de personnalité.

Si Maryland reste tout de même un minimum plaisant, c’est grâce au plaisir que procure la prestation de Matthias Schoenaerts. Certes, ce n’est pas ici que l’acteur sera repoussé dans ces derniers retranchements de comédien, mais sa seule présence suffit. Il éclipse totalement une Diane Kruger qui ne fait pas le poids dans un rôle il est vrai pas particulièrement intéressant. Il est la star de ce film en incarnant un personnage taillé pour lui. Et tailler quelque chose pour Matthias Schoenaerts n’a rien d’évident, vu le gabarit du bonhomme !

LA NOTE : 12/20

Doit-on toujours être forcément misérabiliste pour parler de certains sujets ou de certains populations ? Le cinéma nous a souvent prouvé que non, il n’y aucune obligation en la matière. Nouvelle preuve avec ce très beau Much Loved. Un long métrage qui nous transportera dans le quotidien mouvementé de prostituées de Marrakech, à travers des personnages qui nous transmettent leur énergie, leur humour et leurs émotions.

Much Loved est un film de personnages. Il nous raconte une histoire, mais nous permet avant tout de faire des belles rencontres. De ces rencontres inoubliables qui valent bien un film ! On ressent pour ces femmes magnifiques une infinie et immédiate sympathie. Mais jamais la moindre trace de pitié. On partage avec elles leurs aspirations à autre chose ou à un ailleurs, sans pour autant devoir porter un jugement sur leur vie, sur leurs choix. Nabil Ayouch arrive à les filmer de manière à créer un véritable sentiment d’intimité avec ses personnages, en échappant totalement à l’impudeur ou au voyeurisme.

Much Loved n’élude évidemment pas l’horreur de certaines situations. Il n’y a là aucune apologie de la prostitution. Mais ce n’est pas parce qu’il ne nous présente pas des personnages brisés par ces difficultés que l’on en vient à dire que finalement leur situation n’est pas si terrible. La beauté des actrices, la beauté des images nous éblouissent, mais ne nous rendent pas aveugles. Le regard sur les clients est lui naturellement plus sévères, même s’il reste plein de cet humanisme qui caractérise ce très beau film.

LA NOTE : 14/20

Chaque année revient la déclaration de revenus et le Woody Allen. Celui de 2014, Magic in the Moonlight était un pur bijou, prouvant que le réalisateur américain ne perd rien de son imagination, de son talent et de sa capacité à nous offrir des histoires réjouissantes et originales avec les années. Sa capacité aussi à diriger merveilleusement bien les acteurs qu’il accueille devant sa caméra. Le voir tourner avec Joaquin Phoenix dans L’Homme Irrationnel faisait particulièrement envie.

A force de faire un film chaque année, Woody Allen nous aura livré un très grand nombre de scénarios. A force, évidemment, on retrouve certains éléments redondants d’un script à l’autre. Avec l’Homme Irrationnel, j’ai trouvé quand même beaucoup de ressemblance notamment avec Match Point. Ce n’est pas grave en soi puisque c’est vraiment un de mes films préférés, mais cela a quelque peu limité mon enthousiasme. Certains diront que je suis quelque peu sévère, puisque les différences entre les deux sont tout aussi flagrantes. De toute façon, je ne dis pas du tout qu’il s’agit là d’un mauvais film, ni même d’un film moyen.

En effet, il reste le plaisir procuré par le numéro de duettiste entre Joaquin Phoenix et Emma Stone. Les deux sont vraiment excellents, même si l’aura du premier reste tout de même relativement écrasante. Mais la jeune actrice ne s’en laisse pas compter pour autant. Encore une fois, Woody Allen brille par sa direction d’acteurs. Il brille également par son écriture de personnages sortant de l’ordinaire, tout en renvoyant à des sentiments, des faiblesses que l’on rencontre chez le commun des mortels. L’Homme Irrationnel n’est donc pas son meilleur film, mais il serait irrationnel de ne pas aller le voir simplement pour ça.

LA NOTE : 13/20

Pendant très longtemps, le public fréquentant les cinémas pouvait être segmenté en deux groupes distincts : les grands et les petits, ou si vous préférez les adultes et les enfants. Et puis, les producteurs ont découvert une troisième catégorie d’êtres humains susceptibles de se rendre en masse dans les salles obscures : les adolescents. Cette espèce à part semble particulièrement friande de fantastique… bon ou alors les producteurs ont tout simplement voulu imiter le succès de la saga Twillight. Bon, ce n’est pas le débat du jour, qui peut se résumer ainsi : Le Labyrinthe : la Terre Brûlée est il un bon film ?

Après un premier épisode plutôt bien foutu, mélangeant Hunger Games et Cube, voici un deuxième opus également plutôt bien troussé qui tire son influence de Mad Max… et bon de Hunger Games toujours, parce qu’il faut bien suivre les franchises qui cartonnent. Bien sûr, ça reste assez gentillet, faudrait pas traumatiser le boutonneux, mais Le Labyrinthe : la Terre Brûlée est rythmé, convaincant et assez différent du premier épisode pour que l’on échappe à l’impression de réchauffé. On prend plaisir à retrouver les personnages et d’assister à leur évolution dans des décors spectaculaires.

Le Labyrinthe : la Terre Brûlée reste néanmoins un film assez mineur dans son genre. Déjà parce que les thèmes abordés, les éléments de l’intrigue, sont eux quand même quelque peu usés à force d’être utilisés dans la plupart des œuvres du genre, combien même le résultat tient ici debout. La saga manque aussi d’un personnage et d’acteurs vraiment charismatiques. N’est pas Jennifer Lawrence qui veut. Bref, un film qui est un bon moyen d’attendre la conclusion de Hunger Games. Un sorte d’apéro avant le plat principal !

LA NOTE : 12,5/20