Cocorico ! Je ne sais pas pourquoi, mais j’ai envie de faire de cette critique un moment d’autosatisfaction nationale ! Peut-être parce qu’à bien des niveaux, dire tout le bien que je pense de la Famille Bélier va me pousser à émettre des opinions inhabituelles pour moi. Alors, moi qui me désespère souvent du cinéma français, j’ai envie de crier cette fois-ci à sa suprématie ! Ca durera peut-être uniquement le temps de quelques paragraphes, mais ce film m’aura donné les arguments pour le faire, alors autant en profiter.

Si la Famille Bélier avait été un film américain, il aurait été un très mauvais film. D’ailleurs, pendant un petite demi-heure, j’ai eu l’impression qu’il prenait ce chemin et je commençais à regretter mon choix. Hollywood nous propose souvent ces « feel good movie », bref ces films qui donnent le moral, où se mêlent la comédie, le mélo avec derrière toujours une leçon de vie. Ok, parfois ça donne un très bon résultat, comme pour Happiness Therapy, mais cela donne le plus souvent souvent des films lourdingues, à l’humour lourdingue, à l’émotion lourdingue et à la morale lourdingue. On échappe ici à tout cela.

Commençons par l’humour. Dans une comédie américaine, il y a toujours un passage d’humour scatophile. Peut-être parce qu’avec ça, Hollywood est persuadé d’être transgressif et politiquement incorrect. Il n’en est rien, c’est juste une autre manière d’être horriblement conformisme, en plus de ne jamais m’arracher personnellement ne serait-ce qu’un sourire. Dans la Famille Bélier, il y a aussi de l’humour à propos de fluides corporels, mais sans être une seule seconde vulgaire, alors cette fois, oui, j’ai ri aux éclats ! Ca n’a rien d’artificiel, c’est juste la vie qui est comme ça. On reste peut-être au premier degré, mais au moins c’est vraiment drôle. Bon, je veux bien admettre que dès que ça parle de cul, ça me fait rire, mais quand même !

La Famille Bélier fait aussi un peu pleurer. Ok, là aussi, les esprits chagrins feront remarquer que je pleure à la fin des épisodes de Cold Case et que je ne suis donc pas une référence en la matière. Mais ce film reste un beau film sur l’adolescence. Et dieu sait si je déteste au plus haut point la plupart des films sur l’adolescence. Certes, je dois admettre que ce n’est pas la première fois ces derniers temps que j’apprécie un film sur ce sujet (Respire notamment… mais c’est aussi un film français, donc tout va bien). Peut-être que je vieillis et que j’oublie ce que c’était vraiment que cette période de la vie. Mais je ne crois pas. Enfin si, je vieillis bel et bien, mais telle n’est pas la question ici…

La Famille Bélier est aussi un film sur la différence. Dis comme ça, ça peut faire peur. Il y avait un milliers de pièges tendus devant Eric Lartigau et ils les évitent tous brillamment. Il y a une morale à cette histoire, mais elle n’est jamais assénée avec les gros sabots que l’on pouvait craindre. Déjà parce que le scénario s’amuse à renverser constamment les rôles. Parce que le message n’est pas simplement « faut être gentil avec les gens différents », mais aussi « les gens différents, faites un effort vous aussi ! ». Et ça, jamais un film hollywoodien ne l’aurait dit ! Bien sûr, cela ne suffit pas de rendre ce film digne des meilleurs traités de philosophie, mais le propos n’en reste pas moins convaincant et réellement enthousiasmant ! On en ressort le cœur léger, un petite larme aux coins des yeux, mais surtout un sourire aux lèvres qui mettra de longues minutes à disparaître.

De toute façon, j’étais obligé d’adorer la Famille Bélier, parce qu’il offre la scène de meeting électoral que tout élu local ou militant politique rêverait de vivre. Alors rien que pour ça, merci Monsieur Lartigau !

La Famille Bélier est aussi un film sur la musique. Je sais que, à la base, j’adore les films sur la musique. Si mon autre moment d’enthousiasme comparable à celui-ci cette année a été pour New York Melody, ce n’est certainement pas pour rien. Et là, je lis dans les yeux de beaucoup d’entre vous… Michel Sardou… putain Michel Sardou !!!!! Alors déjà, soyons clair, on n’entend pas Michel Sardou chanter une seule seconde dans ce film, il n’y apparaît pas et on ne l’entend jamais ! Et ce film prouve une chose, c’est que la valeur d’une chanson dépend beaucoup de celle de son interprète ! Peut-être que le film aurait été encore meilleur si Eric Lartigau avait choisi Brel à la place. Mais ça n’enlève rien à la performance assez étonnante de Louane Emera et ce qu’elle arrive à susciter dans les scènes où elle chante.

Certes Louane Emera chante certainement mieux qu’elle ne joue la comédie. Mais franchement, il n’y a pas grand chose à reprocher à sa performance, si ce n’est qu’elle ne constitue pas la révélation dramatique du siècle. Cependant, c’est juste insupportable de voir tous les commentaires se focaliser sur François Damiens, Karine Viard et Eric Elmosnino, sous prétexte qu’ils ont déjà leur diplôme de vrais acteurs adultes. C’est la jeune fille qui porte la Famille Bélier sur ses épaules et c’est avant tout elle qu’on doit féliciter pour la grande réussite que constitue ce film. Un mot tout de même sur les autres : François Damiens est excellent, Karine Viard aussi et Eric Elmosnino insupportable. Ah merde… ça, c’est que j’aurais logiquement du dire si je ne déviais pas de mes habitudes. Bon je maintiens la première partie de ma phrase. Par contre, Karine Viard en fait quand même des tonnes (pardon Karine, je reste ton plus grand fan, je ne dirai plus jamais du mal de toi, promis) et Eric Elmosnino est juste génial, lui qui d’habitude me donne des boutons.

Et pour conclure, je ne dirais qu’une seule chose : la vie c’est plus marrant, c’est moins désespérant, en chantant…

PS : ce film m’a fait prendre conscience qu’à part détester l’homme et ses prises de position, je ne connaissais pas du tout la discographie de Michel Sardou, vu qu’aucun de ses disques de lui n’a jamais franchi le seuil de la maison. C’est clair que Sardou par Sardou, avec sa voix toute plate, ça le fait quand même nettement moins…

LA NOTE : 15,5

Le Domaine des Dieux est, avec la Zizanie, mon album d’Astérix préféré. Enfant, je l’ai lu des dizaines de fois sans me lasser. C’est dire si je le connais par cœur. C’est dire surtout que c’est avec un grande impatiente que j’attendais son adaptation à sur grand écran. Avec une petite appréhension aussi car un seul album offre rarement à lui seul assez de contenu pour un long métrage. Le film allait donc proposer des péripéties supplémentaires. Allaient-elles être dignes du génie de Goscinny ? Dis comme ça, c’est sûr que ce n’était pas gagné.

Heureusement, ces ajouts ont été signés Alexandre Astier. Un choix réellement judicieux car les univers des deux hommes ont quelques similitudes. Si dans une première moitié, Astérix – le Domaine des Dieux est strictement fidèle à l’album, la seconde sort elle de l’imagination de l’auteur de Kaamelott. Mais il faut vraiment connaître l’original pour s’en rendre compte ! C’est sans doute là la plus grande réussite de ce film qui ravira petits et grands. Les grands aussi car cet album est certainement un de ceux où Goscinny se moquait le plus des travers de son époque par l’intermédiaire de ces Gaulois qui ressemblent en fait étrangement aux Français d’aujourd’hui.

Graphiquement ensuite, Astérix – le Domaine des Dieux est très beau. Le style d’animation rompt totalement avec tout ce qui avait été fait auparavant pour Astérix pour entrer pleinement dans le 21ème siècle. La transition est parfaitement réussie, le film était à la fois extrêmement moderne et respectant totalement le pinceau d’Uderzo. Par contre tout est plus fluide et surtout beaucoup élaboré en termes de mise en scène. Cela permet de rentrer dans le film comme on le ferait pour un film « normal ». Mais jamais le film ne cherche à proposer un dessin réaliste. Une jolie prouesse à ce niveau là qui fait de ce film définitivement une réussite.

LA NOTE : 13,5/20

Lorsque mes voyages se terminent, je dis toujours que je suis triste de partir, mais que je suis content de rentrer. C’est à peu près ce sentiment qui domine avec le Hobbit : la Bataille des Cinq Armées, dernier moment cinématographique passé en Terre du Milieu. Car si on est forcément un peu chagrin de quitter cet univers auquel Peter Jackson aura donné vie, après des décennies d’attente, il faut bien avouer qu’il était temps de stopper ici ce séjour avant de définitivement tourner en rond, faute de nouvelles idées.

Il n’est pas question ici de cracher dans la soupe. On trouve dans le Hobbit : la Bataille des Cinq Armées exactement ce que l’on avait envie de voir : un combat spectaculaire et démesuré. Et à ce niveau-là, on en a pour notre argent. Les autres aspects du récit sont d’ailleurs vite expédiés au cours des premières minutes du film, sans que l’on s’en plaigne outre mesure. Et dans l’absolu, ce dernier volet constitue une même réussite technique et visuelle que les épisodes précédents. Mais justement peut-être un peu trop la même…

En effet, il est clair que Peter Jackson a largement épuisé son stock d’idées pendant la vingtaine d’heures de films qui auront précédé ce final. Le Hobbit : la Bataille des Cinq Armées ressemble parfois à un « best of » des meilleures scènes de tous les films précédents. Et je doute que la volonté de Peter Jackson ait été de proposer des clins d’œil au reste de son œuvre. Il ne sait tout simplement plus quoi inventer de nouveau. Et que Legolas défie la gravité, et que je filme le champ de bataille vu du dessus, et que les trolls sont transformés en machines de siège, et que le méchant a une grosse masse d’arme, et que les aigles arrivent à la fin… Ah oui, non, pour le dernier point, c’est Tolkien qui est à blâmer. Enfin bref, sans être déçu, on a bien du mal à s’enthousiasmer pour cet air de déjà-vu.

A l’échelle de ces six films, on n’en voudra cependant pas outre mesure au réalisateur néo-zélandais pour cette baisse de régime finale. Merci pour tout Monsieur Jackson ! And farewell Middle-Earth !

LA NOTE : 12/20

Un film est un film, c’est à dire une fiction. Un documentaire est un documentaire, c’est à dire qu’il essaye de nous présenter des faits aussi proches que possible de la vérité. Ce sont deux choses bien distinctes. Cependant, ces derniers temps certaines œuvres semblent vouloir brouiller un peu les pistes. Certes, le film à thèse est un genre tout à fait acceptable. Mais tout comme JFK en son temps, Secret d’Etat est à prendre pour ce qu’il est, c’est à dire une vision romancée de ce que l’auteur imagine être la vérité. Et si c’est le cas, alors on est là devant un très bon film.

Je ne veux pas nier l’intérêt « historique » de Secret d’Etat. Il nous relate la relation trouble entre la CIA et les trafiquants de drogue du Nicaragua, dans le cadre du financement de la guérilla contre le pouvoir communiste en place dans les années 80. Une partie des faits ont été depuis reconnus officiellement. La vérité a surgi suite au combat de Gary Webb, obscur journaliste qui a poursuivi inlassablement son enquête malgré les pressions. C’est le héros de ce film. Il y est représenté comme un vrai héros défenseur du bien contre le mal. Son manque d’ambiguïté constitue la plus grande limite de ce film, mais aussi la principale raison qui nous incite à la prudence quand à l’objectivité des faits.

Au-delà de ça, Secret d’Etat est un très bon film d’enquête journalistique. La tension est réelle de bout en bout et même si aucun rebondissement n’est réellement original, au moins ne les voit-on pas venir de trop loin. Le casting des seconds rôles est plutôt prestigieux avec notamment Andy Garcia et Ray Liotta. Et demi-surprise, Jeremy Renner est presque bon dans le rôle titre. Quand on connaît sont inexpressivité habituelle, c’est déjà pas mal pour lui. En tout cas, il ne tire pas ce bon film vers le bas et on l’en remercie.

LA NOTE : 12,5/20

Qui n’a jamais rêvé de rentrer dans la peau d’un autre, ne serait-ce que l’espace de quelques heures ? Or certains sont prêts à tout pour réaliser leurs rêves, même les plus fous. C’est le cas du personnage principal de Un Illustre Inconnu qui, pour fuir sa vie totalement transparente, vit celle des autres de manière totale, en changeant même d’apparence physique. Un point de départ qui aboutit au final à un film réussi et maîtrisé.

Un Illustre Inconnu est un film à deux dimensions. C’est avant tout un film portrait où tout tourne autour du personnage central, mais il repose aussi sur une intrigue solide qui propose un vrai suspense qui ne s’éteindra que dans les dernières secondes. Les deux aspects sont traités d’une manière assez convaincante et solide. Ils se complètent l’un l’autre pour créer une vraie tension narrative et maintenir en éveil l’intérêt du spectateur. Le film manque peut-être cependant d’une profondeur supplémentaire pour que l’on quitte le stade de la simple curiosité.

Un Illustre Inconnu offre un rôle très riche à Matthieu Kassowitz, qui doit rentrer dans la peau de plusieurs protagonistes. Sa prestation est à la hauteur du défi, mais manque sans doute d’un trait de génie pour donner au film une autre dimension. Il est d’ailleurs plus convaincant quand son personnage est lui-même, c’est à dire un homme effacé et en retrait, que lorsqu’il doit donner vie à un artiste à la personnalité flamboyante. Il est donc à l’image du film, solide, mais jamais enthousiasmant.

LA NOTE : 12,5/20

Après avoir connu un immense succès, le plus dur est évidemment d’enchaîner. Après Intouchables, le duo Eric Toledano et Olivier Nakache a plutôt bien réussi son coup avec Samba qui, sans atteindre les mêmes sommets, a connu un nouveau succès commercial et critique. Par contre, on peut s’étonner de la totale indifférence dans laquelle est sorti sur nos écrans The Search, nouveau film de Michel Hazanavicius. Il faut dire qu’il n’a strictement rien à voir avec The Artist. Et ne rencontrera pas du tout le même succès. Dommage ?

C’est sûr qu’en choisissant comme sujet la guerre en Tchétchénie pour The Search, Michel Hazanavicius n’a pas chois la légèreté. Il nous présente trois destins et trois points de vue différents : celui des victimes, à travers le parcours de deux réfugiés, celui des « bourreaux » à travers celui d’un jeune Russe enrôlé plus ou moins de force dans l’armée et celui d’une fonctionnaire de l’Union Européenne qui enquête sur les exactions russes et se heurte à l’indifférence politique des démocraties occidentales. Il y avait donc matière à proposer un propos riche et convaincant. Le résultat est au final assez inégal.

En fait, The Search dit beaucoup de choses que le cinéma répète encore et encore. Oui, la guerre, c’est mal, horrible, cela déshumanise aussi bien les victimes que ceux qui la font. Le propos est certes salutaire, mais sans surprise et donc au final sans fort impact. Michel Hazanvicius n’a pas su traiter dans son film les aspects vraiment spécifiques de ce conflit (l’attitude russe concomitante à l’arrivée de Vladimir Poutine au poste de Premier Ministre, la passivité de l’UE…) qui sont au final juste évoqués, comme une toile de fond, sans constituer réellement le sujet du film. Le film aurait pu avoir une dimension politique très forte, il n’en est rien. Heureusement, il nous offre par ailleurs de vrais beaux moments à travers les rapports humains qu’entretiennent les personnages entre eux. Certains passages auraient pu se passer dans un tout autre contexte, mais ça ne leur empêche pas d’apporter une vraie touche d’émotion à un film qui n’atteint peut-être pas le son but premier, mais qui ne méritait sûrement pas tant d’indifférence.

LA NOTE : 13/20

Jake Gyllenhaal est depuis 14 ans, et sa révélation dans Donnie Darko, un des acteurs majeurs du cinéma américain. Mais aussi un des plus discrets, ne possédant pas l’aura médiatique d’un Brad Pitt ou d’un George Clooney. Il s’affirme pourtant, film après film, rôle après rôle, comme un grand comédien, à l’aise sur tous les terrains. Il lui manque peut-être désormais un deuxième vrai grand rôle dans un vrai grand film après le Secret de Brokeback Moutain, il y a maintenant dix ans. Night Call ne sera pas celui-là. Mais il nous offre néanmoins une nouvelle occasion de mesurer l’étendu de son talent.

Allez, commençons par le petit aparté spécial « traduction de titre ridicule ». En effet, Night Call a pour titre original en anglais… Nightcrawler. Oui, je sais ce terme est relativement intraduisible en français (d’ailleurs le super-héros qui porte ce nom en VO s’appelle Diablo en VF, ce qui n’a rien à voir), mais alors pourquoi lui donner un nouveau titre en anglais ? Soit on garde le titre anglais original, soit on lui donne un titre en français, quitte à passer pour des Québecois. Bon, je sais, je me répète, mais ça m’énerve, je n’y peux rien.

Bon cette parenthèse refermée, parlons plus précisément de ce film. Voilà le genre de long métrage qui nous fait haïr et aimer les Etats-Unis. Haïr car il nous plonge dans ses pires aspects. Ici le voyeurisme des chaînes de télévision locales, pour lesquelles des « journalistes » circulent la nuit à l’affût du moindre fait divers pour en tirer les images les plus choquantes possibles qu’ils vendront au plus offrant. A côté, BFM TV, c’est le Monde Diplomatique. Aimer aussi car Night Call confirme l’incroyable faculté de ce pays à dénoncer ses propres travers avec une force et une audace bien trop rare dans l’Hexagone.

Night Call est un film très réussi avec un scénario brillant, qui nous happe peu à peu, doté d’une tension narrative qui monte toujours en intensité et qui démontre que l’on peut encore surprendre les spectateurs sans se sentir obligé de proposer des rebondissements toutes les dix minutes. Le film est très réussi grâce à son personnage central d’une ambiguïté étonnante et subversive, pour ne pas dire effrayante. C’est bien l’immense talent de Jake Gyllenhaal qui lui donne vie et le rend si convaincant. Il est la pierre angulaire de ce film, mais a largement les épaules pour supporter un tel poids et rendre le film globalement aussi convaincant que sa propre interprétation.

LA NOTE : 13,5/20

Pensez à la personne la plus atrocement méchante, vicieuse et manipulatrice que vous ayez jamais croisé. Bref pensez à votre ex. Et bien dites vous que ce n’est rien par rapport à Sarah, une des deux protagonistes de Respire, premier film de Mélanie Laurent, qui fait décidément toujours prevue de beaucoup de talent dans tout ce qu’elle entreprend. Un film sur l’adolescence dur et cruel, mais globalement bien maîtrisé.

Respire se démarque par une scénario au tempo parfaitement ajusté. Il n’y a rien de vraiment inattendu dans ce film, à part le dénouement sur lequel je reviendrai, mais il se déroule de manière assez intelligente et subtile pour que la tension narrative soit toujours particulièrement forte. Cette histoire d’amitié qui tourne à la relation malsaine et destructrice est un modèle de construction dans la progressivité d’une évolution que l’on sait inéluctable (sinon il n’y aurait pas de film), mais qu’on aurait envie à chaque instant d’arrêter.

Respire est aussi l’occasion de confirmer le grand talent de deux jeunes actrices. Celui de Lou De Laâge, qui a déjà eu l’honneur d’une nomination aux César du Meilleur Espoir Féminin pour son rôle dans Jappeloup, et qui est absolument terrifiante dans ce rôle. Mais la vraie révélation de Respire reste Joséphine Japy, que l’on avait déjà remarquée dans le Moine et en dans le rôle de France Gall dans Cloclo. La réussite de ce film doit beaucoup à ses deux actrices, mais on peut évidemment souligner la direction remarquable de Mélanie Laurent.

On peut cependant émettre deux petites critiques à propos de Respire. Tout d’abord, si le propos est parfaitement construit, il cosntitue au final un spectacle un peu voyeur et sadique. Certes, il retranscrit parfaitement la cruauté que revêt parfois l’adolescence, mais ne va guère au-delà du constat et de la reconstitution méthodique et exhaustive. Ensuite, le dénouement m’a laissé quelque peu circonspect. Evidemment je n’en dirai rien et je laissera à chacun le loisir de se faire sa propre opinion.

LA NOTE : 12/20

Après un épisode initial très réussi et devenu culte et un deuxième plutôt raté et sans grand intérêt, revoici la saga Hunger Games, avec la première partie du troisième volet (je sais c’est subtil… mais Harry Potter nous avait déjà habitué à ça). Un épisode qui sort alors que des symboles de cet univers sont repris par les opposants au pouvoir en Thaïlande, ce qui montre quand même son impact sur l’imaginaire collectif mondial. Les attentes étaient donc grandes. Le résultat est au final… allez gardons encore un peu de suspense pour quelques lignes…

Hunger Games : la Révolte Partie 1 ressemble au deuxième épisode dans le sens où le contenu est relativement limité. On est en droit de se demander si cette division en deux parties du chapitre final était vraiment nécessaire. Franchement, le film aurait pu tenir en une grosse heure sans que l’histoire n’en souffre vraiment. Le récit est quand même largement dilué et se concentre longuement sur les états d’âme des personnages, beaucoup plus que sur l’avancée de l’intrigue qui fait du surplace.

Hunger Games : la Révolte Partie 1 ne ressemble pas du tout au deuxième épisode dans le sens où ce qui est raconté présente un réel intérêt. Le rythme de narration est lent, mais à force de voir des séries télévisées (ou des films asiatiques), on est habitué à ce tempo et on se dit qu’on ne fait que prolonger le plaisir. Car le plaisir est réel de voir l’histoire s’attarder ainsi sur des personnages qui nous tiennent à cœur. Surtout que le propos n’est pas dénué d’un minimum de subtilité et réserve un peu d’inattendu.

Hunger Games : la Révolte Partie 1 ressemble surtout au premier épisode dans le sens où il nous réserve de beaux moments de cinéma. On retrouve dans certaines séquences la qualité de la réalisation et l’esprit épique qui nous avaient cloués au fauteuil au premier round et on ne peut que s’en réjouir. Certes, cet épisode est beaucoup plus inégal que le premier et certaines séquences font parfois sourire par une maladresse flagrante. Mais on se régale devant ces petits moments enthousiasmants, un enthousiasme que l’on redoutait de ne jamais retrouver et qui nous fait attendre la conclusion avec une réelle impatience.

Reste enfin la grâce de Jennifer Lawrence. Elle possède ce petit quelque chose en plus qui fait les grandes actrices. Sa présence, son charisme compensent largement les dialogues parfois un peu faibles, même parfois, à de rares moments heureusement, un peu ridicules. Cette saga a fait d’elle une star mondiale. Elle connaîtra, et a déjà connu, de plus grands rôles, dirigés par de vrais grands réalisateurs (sans faire injure à Francis Lawrence), mais elle restera à jamais dans le cœur de beaucoup de cinéphile Katniss Everdeen.

LA NOTE : 12/20

L’adaptation de faits divers ou d’affaires criminelles réelles est devenue une idée récurrente chez les réalisateurs français. Et visiblement, pour cela, il pense immédiatement à Guillaume Canet pour incarner le psychopathe de service. Après sa prestation dans L’Homme Qu’on Aimait Trop (dont le scénariste n’était autre que… Cédric Anger), le voici à l’affiche de La Prochaine Fois Je Viserai le Coeur, un film de… Cédric Anger. Un film portrait plutôt qu’un film policier.

La Prochaine Fois Je Viserai le Coeur nous confronte à ce que l’on nommera de manière simpliste la folie. Non tant sur ses racines, mais dans la manière dont elle se manifeste, peut consumer un homme et le pousser à commettre les pires atrocités, poussé par des pulsions incontrôlables. Le film aurait donc pu facilement être vain, un peu voyeur et dénué de profondeur. Il n’en est rien. Cédric Anger évite les pièges dans lequel il aurait pu tomber et livre un propos convaincant, une plongée fascinante dans les méandres de l’âme humaine. Il n’y a pas de morale finale à cette histoire, mais on en ressort quand même quelque peu secoué.

La réussite tient aussi à la réalisation tout en sensibilité de Cédric Anger. La Prochaine Fois Je Viserai le Coeur n’est pas dénué de qualités esthétiques, mais elles restent toujours au service du propos et des personnages. La caméra est là pour nous faire partager des sentiments, aussi incompréhensibles soient-ils, non pour donner un caractère spectaculaire. Tout cela contribue à ce que le film soit parcouru tout du long par une réelle intensité narrative, bien que l’on se doute bien comment tout cela va finir. Une belle réussite cinématographique donc.

LA NOTE : 13/20