Une récente affaire, dont on a assez peu parlé dans les médias, entre un homme politique et une femme de chambre, a engendré moult comparaisons entre les systèmes judiciaires français et américains. Beaucoup de critiques ont été émises contre ce dernier. Je suis persuadé qu’aucune ne provenait de cinéphiles éclairés. Car s’il y a bien quelque chose qui est à l’origine de sacrés bons films, c’est la nécessité pour les avocats de la défense de réaliser leurs propres enquêtes. Le dernier d’entre eux s’appelle la Défense Lincoln.

Michael Haller est un des avocats préférés des petits voyous de Los Angeles. Grâce à sa Lincoln Continental, il va de tribunaux en tribunaux, de prison en prison, exercer ses talents et son habilité. Un jour, il est embauché par une riche famille pour défendre le grand fiston, accusé d’agression sexuelle. Une grosse affaire, comme il en a eu rarement à traiter. Mais rapidement, il va s’apercevoir qu’il ne s’agit par contre pas d’une bonne affaire…

La Défense Lincoln se situe dans la longue tradition des films hollywoodiens de procès. Et même si ce genre ne se réinvente que très rarement, il faut bien avouer que, lorsque le résultat est réussi, le plaisir est toujours aussi intense. On a vraiment l’impression que ce système judiciaire a été conçu uniquement pour offrir aux scénaristes une source d’inspiration sans fin. Et comme ce film est l’adaptation d’un roman de Michael Connelly, star du polar, on est là dans le haut du panier de ce genre de production.

La Défense Lincoln est donc archi-classique, mais se donne tous les moyens de réussir. Des personnages très réussis tout d’abord. Là encore, on recycle de vieilles recettes, mais avec beaucoup de goût et de talent. Les protagonistes sont ambiguës dans l’absolu, mais, très vite, sympathie et antipathie vont se focaliser sur certains. Les doutes qui assaillent l’avocat lui donnent une sorte de caution morale (au fond, il n’est pas si pourri que ça et cherche à s’amender), mais le charme avait agi depuis longtemps et, même sans cela, on lui aurait pardonné dans tous les cas.

Le scénario est bien construit, rythmé et recèle quelques surprises. Il n’y a pas d’énormes rebondissements dans la Défense Lincoln, plutôt quelques doutes qui naissent peu à peu, quelques fausses pistes et quelques plans machiavéliques que l’on devine sans très bien les comprendre dans un premier temps. La tension et l’intérêt sont donc maximum tout du long et ne tiennent pas uniquement dans un twist final attendu, comme bien trop de polar de nos jours. Un scénario consistant donc, tel qu’on pouvait l’attendre pour une adaptation d’un maître du genre.

La réalisation est quant à elle sobre et classieuse. Le travail de photographie donne à la Défense Lincoln un petit aspect rétro, hommage aux polars des années 60-70 (Bullit, les 3 Jours du Condor…). Le ton tire parfois sur le film noir, mais Brad Furman reste sur sa ligne directrice visuelle qui empêche le film de se prendre trop au sérieux. L’image de macho au grand cœur, l’importance donnée à sa voiture renvoie aux personnages interprétés par Boggart, même si c’était alors la figure du détective privée qui primait, non celle de l’avocat. En tout cas, pour un premier film, on ne peut que saluer ce travail, même si certains trouveront peut-être qu’il manque du coup un peu de personnalité.

Matthew McConaughey tient là un de ses rares premiers rôles, depuis En Direct sur Ed TV en 1999. Il s’en sort brillamment, rendant crédible un personnage classique certes, mais qui demande beaucoup de classe pour être crédible. En face de lui, Ryan Phillips que l’on avait un peu perdu de vue depuis son interprétation d’un Valmont moderne dans Sexe Intentions. Un retour remarquable dans un rôle ambiguë qui lui va à ravir.

La Défense Lincoln est donc le dernier né d’une longue tradition hollywoodienne. Mais le bébé est vraiment réussi et donne envie de faire perdurer les coutumes.

Fiche technique :
Production : Sidney Kimmel
Distribution : Metropolitan Filmexport
Réalisation : Brad Furman
Scénario : John Romano, d’après le livre de Michael Connelly
Montage : Jeff McEvoy
Photo : Lukas Ettlin
Décors : Charisse Cardenas
Son : Steven A. Morrow, C.A.S
Musique : Gregory Tripi
Effets spéciaux : Dennis Dion
Maquillage : Melanie Hugues-Weaver
Durée : 118 mn

Casting :
Matthew McConaughey : Mick Haller
Marisa Tomei : Maggie McPherson
Ryan Philippe : Louis Roulet
Michael Peña : Jesus martinez
Frances Fischer : Mary Windsor
William H. Macy : Franck Levin

Il paraît que nous avons tous du talent. Il est parfois plus ou moins caché, mais il semblerait qu’il y a toujours un domaine dans laquelle nous excellons. Enfin, certains ont quand même été plus vernis que d’autres. Voire même, pour certains, cela tourne à l’indécence, empilant les talents comme d’autres les arriérés d’impôt, sans penser une seule seconde à en donner un peu aux autres. Parmi ces personnes détestables, il y a Jodie Foster. Parce qu’en plus d’être une immense actrice, elle nous prouve avec son premier film, le Complexe du Castor, qu’elle est également une grande réalisatrice. Il n’y pas de justice !

Walter est dépressif. Quand il ne passe pas son temps à ne rien faire, il dort. Cette situation devient peu à peu totalement insupportable pour sa famille et il finit par quitter le foyer familial pour vivre à l’hôtel. Après une tentative de suicide ratée, il tombe par hasard sur une marionnette de castor, abandonnée dans une poubelle. Il en fait un personnage capable de dire tout ce qu’il n’est plus capable d’exprimer. Un moyen de thérapie efficace ?

Pour résumer, le Complexe du Castor est un film sur un type qui n’est plus capable de parler qu’à travers une marionnette de castor enfilée sur sa main gauche. Dis comme ça, cela ne donne pas vraiment envie et a de quoi intriguer. Mais s’il y a bien un terme pour qualifier les débuts de Jodie Foster derrière la caméra, ce serait « surprenant ». Surprenant pas son scénario incroyablement original et riche. Et surprenant par la qualité de la mise en scène, qui n’a rien de celle d’une débutante.

Il serait dommage d’en dire trop sur cette histoire hors du commun. Je soulignerais simplement la variété des tons qu’elle prend tour à tour : drôle, touchant, sombre, inquiétant, dramatique, optimiste, sensuel, émouvant,… Bref tout un panel de sentiments que le spectateur partage avec force et surtout enthousiasme. L’intrigue se déroule avec un vrai rythme et une vrai fil conducteur, le Complexe du Castor n’est en rien un catalogue. Pourtant, jamais il ne s’appesantit trop longtemps sur un aspect ou un autre, pouvant ainsi séduire un très large public, qui sera totalement préservé de l’ennui.

Le Complexe du Castor brille donc aussi bien par le fond et l’originalité du scénario que par la forme de sa mise en scène. Et au-delà du rythme, il y a une vraie élégance dans la caméra de Jodie Foster. Mais aussi une certaine virtuosité dans la manière dont elle fait de cette marionnette un personnage à part entière. Le choix des cadrages jouent un rôle capital dans la construction de l’intrigue et l’évolution du couple Walter-castor. On aurait pu facilement sombrer dans le ridicule, ou du moins sourire à des moments qui n’auraient pas du s’y prêter. Mais au contraire, on entre totalement dans cette histoire, qui pouvait pourtant nous sembler si improbable à l’origine.

Pour ses débuts à la réalisation, Jodie Foster a aussi su s’entourer d’un très beau casting, en commençant évidemment par elle-même. Quand on a une telle classe, un tel talent naturel, on facilite grandement le travail de son metteur en scène. Et quand il s’agit d’une seule et même personne, cela donne évidemment une synergie parfaite. A ses côtés, on retrouve un Mel Gibson comme on n’en avait pas vu depuis fort longtemps. Je ne suis vraiment pas fan de l’acteur, encore moins de l’homme, mais dans le Complexe du Castor, il nous rappelle avec brio pourquoi il figure encore dans les plus grandes stars d’Hollywood.

Le Complexe du Castor apparaît comme le plus film le plus surprenant, le plus original et le plus intelligent de cette année 2011. Il annonce surtout sans doute une seconde carrière pour Jodie Foster. Si elle est aussi riche et brillante que la première, cela nous promet d’autres très bons moments de cinéma comme celui-là.

Fiche technique :
Production : Summit Entertainment
Réalisation : Jodie Foster
Scénario : Kyle Killen
Montage : Lynzee Klingman
Photo : Hagen Bogdanski
Décors : Rebecca Meis DeMarco
Distribution : SND
Musique : Marcelo Zarvos
Durée : 90 mn

Casting :
Mel Gibson : Walter Black
Cherry Jones : la vice-présidente
Jodie Foster : Meredith Black
Anton Yelchin : Porter Black
Riley Thomas Stewart : Henry Black
Zachary Booth : Jared
Jennifer Lawrence : Norah

Un film politique, qui plus est extrêmement réaliste, ne semble pas vraiment rimer avec comédie. Pourtant, avec une caméra qui cherche à nous montrer les êtres humains, avec leurs défauts et leurs faiblesses, on se rend vite compte que les arcanes du pouvoir sont le lieu rêvé pour un excellent vaudeville. Grands et petits de ce monde sont souvent frappés des mêmes travers, que l’Histoire, avec un grand H, a tendance à effacer. La Conquête constituait un pari osé, qui nous plonge au cœur de l’histoire avec un petit h de l’arrivée au pouvoir de Nicolas Sarkozy. Le résultat est particulièrement convaincant, malgré quelques limites.

2002, Jacques Chirac est réélu Président de la République. Comme premier ministre, il choisit Jean-Pierre Raffarin, au grand dam de Nicolas Sarkozy. Mais ce dernier, ne va pas tarder à afficher clairement ses ambitions présidentielles pour 2007. Et rien, ni personne ne l’arrêtera. Surtout avec Cécilia à ses côtés…

On a beaucoup parlé de la performance de Denis Podalydes, imitateur bluffant de notre Président. La voix, les tics, la démarche, le regard, tout y est. Un travail aussi impressionnant que celui de Marion Cotillard dans la Môme. Après, on peut toujours débattre sur la valeur réelle de tels rôles d’imitation plus que de composition. Surtout, que cela concerne à peu près tous les personnages. Bernard Le Coq en Chirac et Samuel Labarthe en De Villepin sont eux-aussi criants de ressemblance. Et vous n’aurez aucun mal à reconnaître d’autres personnalités politiques, pas forcément nommés, comme Rachida Dati ou Frédérique Lefebvre.

L’axe principal du scénario se situe sur la relation entre Nicolas Sarkozy et sa femme Cécilia. Quelque part, la conquête du pouvoir n’est qu’un décor pour ce mélo dont la fin est déjà connue. Un décor qui prend beaucoup de place, mais le fil rouge reste bien le déchirement de ce couple qui doit malgré tout sauver les apparences jusqu’au jour de l’élection. Notre Président y apparaît comme un homme éperdument amoureux, constamment partagé entre l’amour pour sa femme et son amour du pouvoir. On sait bien celui qui finir par l’emporter, mais la Conquête nous montre bien comment un tel destin en mouvement est inarrêtable.

Mais la Conquête reste néanmoins sans complaisance pour ses personnages et il est difficile de dire qu’il les rend plus sympathiques en les rendant plus humains. Au contraire, on plonge en plein cœur du décalage entre leur médiocrité d’hommes et la grandeur qu’ils doivent afficher en public. Ce décalage, s’il est inévitable en politique, donne un air de farce à chacun de leur agissement, alors que c’est le destin même du pays qui se joue. D’ailleurs, la musique est là pour le souligner constamment, avec des airs que l’on attendrait plus sur la piste d’un cirque que dans les salons de l’Elysée. Si on ajoute à cela des répliques sûrement trop bonnes et cinglantes pour être véridiques, ce film nous offre quelques moments d’anthologie délectables, comme le dernier déjeuner de travail entre Domique De Villepin qui vient de prendre la tempête CPE en pleine figure et un Nicolas Sarkozy qui sati pertinemment qu’il n’a plus rien à craindre de lui. Tout cela est étonnamment drôle, même si, parfois, on aimerait penser que tout cela n’est pas vrai.

Mais toutes ces qualités constituent au final la grande limite de La Conquête. A force de vouloir nous raconter les évènements au plus près de ce qui s’est réellement passé, on n’apprend au final pas grand chose… pour peu qu’on s’intéresse un minimum à la politique. Certes, vous me direz, tel n’était pas du tout là le propos de ce film. Mais il lui manque quand même des éléments qui en ferait autre chose qu’une imitation du réel même particulièrement réussie. Chaque médaille a son revers, on ne peut pas voir le beurre et l’argent du beurre… Bref, il était sûrement impossible de franchir cette limite sans changer radicalement le film, alors apprécions-le pour ce qu’il est.

La Conquête est donc un exercice cinématographique osé, mais parfaitement exécuté. Mais le partie pris d’un récit qui colle à la réalité ne nous permet pas de dépasser le stade de la sympathie pour cette histoire donc connaît déjà le dénouement.

Fiche technique :
Production : Mandarin cinéma, Gaumont
Réalisation : Xavier Durringer
Scénario : Patrick Rotman
Montage : Catherine Schwartz
Photo : Gilles Porte
Décors : Eric Durringer
Distribution : Gaumont
Musique : Nicola Piovani
Durée : 105 mn

Casting :
Denis Podalydès : Nicolas Sarkozy
Florence Pernel : Cécilia Sarkozy
Benrard Le Coq : Jacques Chirac
Jippolyte Girardot : Claude Guéant
Samuel Labarthe : Dominique de Villepin
Grégory Fitoussi : Laurent Solly
Pierre Cassignard : Frédéric Lefebvre
Saïda Jawad : Rachida Dati
Dominique Besnéhard : Pierre Charron

Les frères Dardenne sont deux petits rigolos qui réalisent toujours des comédies hilarantes. A côté d’eux, les frères Farelly sont tristes à mourir… Bon, je plaisante, les réalisateurs belges étant les champions du monde du film social pas drôle qui finit mal. En ressortant d’un de leur film, soit vous êtes déprimé et avez envie de vous tirer une balle, soit vous avez la pêche, à l’idée qu’il y a infiniment plus malheureux que vous. Le Gamin au Vélo n’échappe à la règle, même s’il est parcouru d’un peu plus d’optimisme que d’habitude.

Cyril a bientôt 12 ans et ne nage pas vraiment dans le bonheur. Placé dans un foyer par un père qui semble s’être volatilisé dans la nature, il cherche à tout prix à la retrouver, ainsi que son vélo qui a visiblement été vendu. Cette quête le conduira à croiser Samantha, qui va se prendre d’affection pour le gamin et commencer à l’accueillir chez elle le week-end.

Le Gamin au Vélo ressemble à tous les autres films des frères Dardenne, c’est à dire qu’il nous raconte l’histoire de quelqu’un qui n’a vraiment pas eu de chance de la vie. Etre abandonné par ses parents fait partie des situations que l’on ne souhaite à personne et qui donne rarement envie de rigoler. Cela peut bien sûr constituer un très bon sujet pour un film, à la condition de faire naître chez le spectateur un minimum de compassion et de tendresse pour la victime.

Et c’est bien là le problème avec le Gamin au Vélo ! De mon point de vue en tout cas. Certes, le jeune Cyril a eu bien des malheurs dans sa vie, mais il y a des limites à tout, y compris dans l’agressivité, l’ingratitude et l’agitation perpétuelle. Du coup, il est antipathique dès la première seconde et toute la générosité du monde ne suffit pas à comprendre l’attachement qui naît chez Samantha pour ce gamin qui aurait pu figurer comme la 8ème plaie d’Egypte. Du coup, on n’a pas envie qu’il retrouve son père ou qu’il soit heureux, on veut juste qu’il se calme et qu’il disparaisse. Bref que le film se termine au plus vite.

Tout cela noie du coup complètement l’intérêt que peut avoir le sujet du film en lui-même. Et c’est dommage, car pour une fois, le film des frères Dardenne est bien équilibré entre lueur d’espoir et « vous ne pensiez pas que ça pouvait être pire… et bien si !». Le Gamin au Vélo alterne les hauts et les bas et on se demande jusqu’au bout où le curseur va bien pouvoir s’arrêter. Cela change des pures descentes aux enfers qu’ils nous racontent le plus souvent. A côté du Silence de Lorna, ce film aurait pu figurer dans la filmographie de Claude Zidi.

Reste tout de même cette réalisation épurée qui, elle, n’a jamais varié. Si on est méchant, on dit que ça a le relief d’un téléfilm ou d’un film roumain, si on est gentil, on parle de sobriété au service de l’histoire et des acteurs. Dans tous les cas, le problème est que, si on accroche pas à l’histoire, il ne reste plus grand chose pour satisfaire le spectateur. Et comme ce fut mon cas, ce film ne restera pas pour moi un grand souvenir.

Il y avait pourtant la charmante et sémillante Cécile de France, qui est bien belge, ne l’oublions pas. Elle apporte toute l’énergie positive qu’elle peut, portée par son sourire à nul autre pareil, mais elle ne peut rien faire face à cette tête à claques, interprété par le jeune Thomas Doret, dont on espère qu’il ne ressemble pas à ça dans la vie… Reste enfin, Jérémie Régnier, le fonctionnaire du cinéma des Frères Dardenne, puisqu’il joue dans chacun de leur film. Vous l’aurez compris, sa performance n’a vraiment rien de transcendant et il se contente du minimum.

Le Gamin au Vélo ne restera pas comme l’œuvre les plus aboutie des Frères Dardenne, faute à un personnage principal plus repoussant qu’attachant. Mais cela reste un point de vue personnel, qui est loin d’être partagé par la majorité.

Fiche technique :
Production : Archipel 35, Les films du fleuve, Lucky Red
Réalisation : Jean-Pierre & Luc Dardenne
Scénario : Jean-Pierre & Luc Dardenne
Montage : Marie-Hélène Dozo
Photo : Alain Marcoen
Décors : Igor Gabriel
Distribution : Diaphana
Son : Jean-Pierre Duret
Durée : 87 mn

Casting :
Thomas Doret : Cyril
Cécile de France : Samantha
Egon di Mateo : Wes
Jérémie Rénier : Guy Catoul
Fabrizio Rongione : le libraire

L’année dernière, j’avais été la seule personne de mon entourage, pourtant rempli de cinéphiles émérites, voire compulsifs, a avoir trouvé le courage d’aller voir la Palme d’Or, l’inoubliable, mais par pour les bonnes raisons, Oncle Boonmee, Celui qui se Souvient de ses Vies Antérieures. Un film qu’on aimait ou que l’on détestait, ou plutôt que l’on détestait si on était sain d’esprit. Cette année The Tree of Life divise de la même façon et les détracteurs formulent les mêmes reproches : c’est long, chiant et incompréhensible. Sauf que cette fois, le camp des défenseurs est nettement plus fourni et c’est normal. Ce film est un vrai chef d’œuvre… imparfait, mais chef d’œuvre tout de même.

The Tree of Life nous fait partager l’enfance de Jack. Une enfance passée entre une mère affectueuse et protectrice, un père exigeant et parfois violent et ses deux petits frères. Une enfance qui se terminera par un évènement tragique. Mais ce film ne nous raconte pas que la naissance et l’essor d’une existence, mais aussi la naissance et l’essor de notre univers et de la vie.

J’ai hésité avant d’inclure un synopsis à cette critique. Car parler d’une intrigue pour The Tree of Life n’a pas vraiment de sens. Cela reviendrait à définir un tableau ou un morceau de musique par l’histoire qu’ils cherchent à raconter (Par exemple, pour décrire l’Automne des Quatre Saisons de Vivaldi, se contenter de dire que la musique décrit une partie de chasse). Il y a certes une histoire, mais elle ne joue pas ici le même rôle central que dans un film classique. On est sûrement plus proche de l’Opéra de ce point de vue, surtout que la musique est ici au cœur du film.

Evidemment tout cela peut dérouter. Entre cinéma, opéra et clip vidéo, The Tree of Life est tout simplement une œuvre d’art originale qui s’affranchit des règles préconçues inhérentes à chaque domaine. Pendant plus de deux heures, c’est vrai que cela peut faire long, mais quand c’est beau, c’est beau… A condition de trouver ça beau, sinon, c’est vrai, c’est juste chiant. On peut parler ici d’art pour l’art, mais à la fois, est-ce que l’art est là pour autre chose que lui-même… Vous avez deux heures… Bon, je m’égare.

Après que dire de plus sur The Tree of Life à part que c’est beau, vraiment très beau, sans tomber dans le verbiage creux du critique de cinéma qui ce la raconte. Mais bon, comme j’aime bien me la raconter un peu, je rajouterai que certains passages sont particulièrement émouvants. Qu’importe que l’on ne comprenne pas toujours le lien entre ce qui nous est présenté, on se situe ici dans le ressenti. Les images de la création de notre univers n’éblouiront pas que les fondus d’astronomie. Mais le plus beau passage reste la naissance et les premières années de Jack, tournés sans paroles avec la Moldau en musique de fond. Un moment d’émotion pure, de grand cinéma, tourné à la fois avec une très grande sobriété et un fascinant génie.

Car la réalisation de Terrence Mallick tient du miraculeux, sans jamais la moindre fraction d’esbroufe ou de spectaculaire faussement élaboré. Certains plans constituent de pures merveilles, simplement par le positionnement de la caméra. On retiendra notamment celui où Jack s’approche du berceau de son petit frère, où comment la simple vision d’un bébé marchant vers un couffin touche au divin. Comme quoi, il ne faut parfois pas grand-chose, si ce n’est un talent et la force si mystérieuse du génie et de l’inspiration.

Après, il est vrai que malgré ces moments de grâce, The Tree of Life s’étire peut-être quelque peu au-delà du nécessaire. J’avoue avoir eu quelques minutes où mon intérêt commençait à faiblir et où j’attendais que le film ne rebondisse. Mais c’était une attente chargée d’impatience, espérant de tout mon cœur que la prochaine étape de ce merveilleux voyage serait aussi envoûtante et sublime. En fait, mon seul vrai reproche portera sur la fin du film, dont la symbolique m’a quelque peu échappé. Mais encore une fois, cela ne m’a guère empêché d’avoir la gorge noué, même si j’aurais bien du mal à expliciter le pourquoi.

The Tree of Life est une Palme d’Or totalement méritée. Déjà parce que ce prix n’a jamais eu vocation à récompenser un film faisant l’unanimité, mais plutôt les œuvres audacieuses et originales. Pour le pire parfois, comme l’année dernière. Pour le meilleur, souvent, comme pour The Tree of Life.

Fiche technique :
Production : River Road Entertainment, Plan B
Réalisation : Terrence Malick
Scénario : Terrence Malick
Montage : Hank Corwin, Jay Rabinowitz, Daniel Rezende, Mark Yoshikawa, Billy Weber
Photo : Emmanuel Lubezki
Décors : Jack Fisk, Amy Bell, David Hackl, Jeanette Scott
Distribution : EuropaCorp Distribution
Son : Erik Aadahl, Marcus Chandler, Kay Colvin, Shawn Harper
Musique : Alexandre Desplat
Effets spéciaux : Ryan Roundy, Robert Coquia jr., Donnie Creighton, Tom Debenham, Nick Damico, Devin Fairbairn, Traci Duran, Graham Duglinson, Conrad Dueck, Brian Delmonico
Maquillage : Meredith Johns, Darylin Nagy
Directeur artistique : David Crank
Durée : 138 mn

Casting :
Hunter McCracken : Jack jeune
Sean Penn : Jack
Jessica Chastain : Mme O’Brien
Brad Pitt : M. O’Brien

Dans la très longue série des films que je ne pensais vraiment pas aller voir à première vue, voici Priest. Ce genre de film présente un immense avantage. Il me fournit une idée toute faite pour l’introduction de ma critique, qui représente toujours le passage le plus délicat dans le processus d’écriture. Après tout roule tout seul…

La Terre a été ravagée par une guerre sans merci entre les hommes et les vampires. Ces derniers sont désormais confinés dans des « réserves », tandis que la plupart des humains vivent à l’abri derrière les hautes murailles de villes tentaculaires, où l’Eglise règne en maître. Cette dernière a dissous l’ordre des prêtres, une armée d’élite qui a joué un rôle décisif dans la victoire, mais dont la puissance constituait une menace pour cette autorité dictatoriale. Mais quand l’un d’entre eux apprend que sa nièce a été enlevée par des vampires, il souhaite reprendre du service, malgré l’interdiction de son ancienne hiérarchie, qui nie la possibilité qu’une telle choses ait pu arriver.

Bon, effectivement, en relisant le synopsis, ça sent quand même le gros gros navet à plein nez. Mais justement, c’est peut-être ça qui fait la plus grand force de Priest. Un film de série B à l’ancienne et qui s’assume pleinement. Aussi invraisemblable soit le scénario, il se déroule avec rythme et une étonnante conviction, qui va très vite entraîner celle du spectateur. Cette vision apocalyptique du futur, avec ces guerriers arborant une croix tatouée sur le front, aurait pu provoquer l’hilarité si elle avait sombré, ne serait-ce qu’un instant, dans l’auto-caricature involontaire. Mais le film reste toujours loin de cet écueil, grâce notamment à de vraies qualités cinématographiques quelque peu inattendues.

Priest s’ouvre par une séquence de cinéma d’animation, nous exposant la situation de départ, vraiment élégante et réussie. C’est à ce moment là que le spectateur commence à se dire qu’il ne va peut-être pas assister d’un autre acabit que celui qu’il s’imaginait. Et tout le reste du film sera sur cette lignée. Une photographie soignée, des effets visuels impeccables, des scènes d’action parfaitement exécutées, ni trop courtes, ni trop longues, des acteurs pleinement dans leur rôle. L’intrigue n’est pas incroyablement complexe, mais elle possède assez de consistance pour maintenir l’intérêt du spectateur de bout en bout. Le film est court, un peu moins d’une heure et demi, et c’est bien là la preuve que rien de superflu ne vient parasiter le cours d’une histoire dans laquelle on finit par rentrer bien plus profondément qu’attendu.

Priest est aussi bien plus riche en références cinématographiques que ce qui était imaginable au premier abord. Si l’univers apocalyptique et la présence de vampires auraient pu en faire un clone des sagas Underwold ou Blade (relativement cultes, mais assez moyennes de mon point de vue), c’est au final à un western des plus classiques qu’il ressemble le plus. L’hommage à Il Etait une Fois dans l’Ouest est évident et apporte une touche finale à ce mélange des genres savoureux.

Le casting est un des points forts de Priest. Pas de tête d’affiche spectaculaire, mais un certain nombre de valeurs sûres du cinéma hollywoodien. Paul Bettany plutôt habitué au second rôle tient cette fois le premier. Evidemment, ce n’est pas non plus un grand rôle shakespearien, mais il arrive à donner de la crédibilité à un personnage qui, avec sa croix tatoué sur son front, aurait pu facilement faire rire. Face à lui, Karl Urban est lui aussi convaincant, comme à chacune de ses sorties de plus en plus nombreuses depuis ses débuts en Eomer dans le Seigneur des Anneaux. Maggie Q n’est pas l’actrice du siècle, mais elle apporte une vraie touche de charme à ce monde un peu glauque. Enfin, c’est un vrai plaisir de voir apparaître Brad Dourif, excellent acteur trop peu utilisé, que l’on avait lui aussi découvert dans le Seigneur des Anneaux et surtout dans la série Deadwood.

Legion, le premier film de Scott Charles Stewart avait fait rire le monde entier. Il en a visiblement tiré les leçons en signant avec Priest un film ni génial, ni révolutionnaire, mais néanmoins surprenant par les qualités affichées dans tous les aspects techniques et artistiques.

Fiche technique :
Réalisation : Scott Charles Stewart
Scénario : Cory Goodman et Min-Woo Hyung
Production : Josh Bratman et Michael De Luca
Musique : Christopher Young
Costumes : Ha Nguyen
Genre : science-fiction, action
Pays : États-Unis
Budget : 60 millions $
Durée : 87 minutes

Casting :
Paul Bettany : Le prêtre
Karl Urban : Chapeau Noir
Cam Gigandet : Hicks
Maggie Q : la prêtresse
Lily Collins : Lucy Pace
Brad Dourif : le vendeur ambulant
Stephen Moyer : Owen Pace
Christopher Plummer : Monseigneur Orelas
Alan Dale : Monseigneur Chamberlain
Mädchen Amick : Shannon Pace

Une déclaration d’amour peut prendre bien des formes. On tremble de les formuler, on rêve de les recevoir. Bien des œuvres ressemblent à s’y méprendre à un tel aveu, comme si l’artiste trouvait dans la création un moyen de surmonter sa timidité. Mais les déclarations d’amour ne concernent pas toujours les sentiments entre deux êtres humains. On peut clamer sa flamme pour beaucoup de chose : son chien, sa voiture, son équipe de football préférée. Woody Allen dans Minuit à Paris nous livre lui une formidable déclaration d’amour à Carla Bru… mais non je déconne, c’est à la ville lumière qu’elle s’adresse.

Gil voyage avec sa femme et ses beaux parents dans la ville qui le fascine depuis toujours : Paris. Son rêve est de s’y installer, mais il ne recueille que railleries de ses proches, qui n’y voient là que caprice immature. Il les délaisse volontiers pour parcourir les rues de la capitale seul la nuit. Et un jour, miracle, il se retrouve sans savoir comment au cœur du Paris des années 30 qu’il vénère tant.

Minuit à Paris donne le ton dès les premières minutes : de la musique et des vues de Paris. Cela aurait pu ressembler à un clip du syndicat d’initiative, mais la caméra de Woody Allen vaut bien sûr bien mieux que ça. Des vues ordinaires et non touristiques, mais qui captent avec une justesse rare l’âme de cette ville à nulle autre pareille. Une vision que seul un étranger peut avoir, tant les autochtones dont je fais partie, oublient devant s’extasier devant le moindre immeuble haussmannien. Le court passage à Versailles m’a d’ailleurs fait particulièrement sourire, me rappelant que c’est là un des lieux les mythiques de la planète, mais que je peux aller y pique-niquer tous les dimanches si je veux.

Mais cette déclaration d’amour ne se contente évidemment pas de nous proposer quelques plans fixes. Minuit à Paris nous plonge dans ce qui a construit le mythe parisien au cours du XXème siècle. Le mot mythe est important car ce que nous fait vivre ce film, c’est la vision rêvée d’un Paris qui n’a évidemment jamais existé. C’est là le deuxième thème majeur du scénario. Une ode critique à la nostalgie, le fameux « c’était mieux avant », alors qu’avant, on n’avait pas encore inventé les antibiotiques… Woody Allen à travers son personnage nous chante son amour d’un Paris chargé d’une histoire plus ou moins légendaire, tout en nous rappelant que c’est le présent qu’il faut aimer.

Mais Minuit à Paris reste avant tout une comédie légère très réussie, telle que le réalisateur new-yorkais sait si bien nous offrir. Il en profite pour égratigner au passage l’Américain moyen, tendance Tea Party, sans imagination, ni poésie, incapable d’aimer autre chose que son pays. Il s’amuse aussi à nous livrer cette galerie de personnages hauts en couleur, caricatures des figures mythiques qu’ils incarnent. C’est aussi l’occasion de proposer un casting de seconds rôles de premier choix : Adrien Brody, Kathy Bates, Gad Elmaleh, Léa Seydoux… et Carla Bruni, dont l’apparition a fait couler tant d’encre…pour pas grand chose au final. En tout cas, une chose est sûre, son talent d’actrice est certes limité, mais sans non plus faire tâche. Elle ne serait pas qui elle est, son rôle serait tout simplement passé inaperçu en mal et en bien.

Woody Allen confirme son incomparable talent de directeur d’acteur en offrant à Owen Wilson un des rôles les plus intéressants et le plus subtils. L’habitué des grosses comédies qui tâchent trouve ici un personnage qu’il peut incarner sans grimace ou en faire des tonnes. Et il s’en sort parfaitement, arrivant à attirer immédiatement la sympathie du spectateur. En face de lui, Marion Cotillard est égale à elle-même. Certains diront, quoi encore elle ! Mais si on pense ce qu’on veut de la femme qu’elle est, l’actrice dégage un peu plus de charisme à chacun de ses apparitions, devant peu à peu une véritable étoile du cinéma mondial.

Minuit à Paris est donc un film très agréable qui permet de redécouvrir avec un œil neuf des endroits anodins pour nous, mais exotiques et magiques pour d’autres. D’ailleurs, paradoxalement, ce film donne envie de voyager pour ressentir la même excitation que Gil. Tiens, et si j’allais faire un tour à New-York !

Fiche technique :
Production : Gravier Productions, MediaPro Pictures, Versátil Cinema
Réalisation : Woody Allen
Scénario : Woody Allen
Montage : Alisa Lepselter
Photo : Darius Khondji
Décors : Anne Seibel, Hélène Dubreuil
Distribution : Mars Distribution
Son : Frédéric Pardon, Jean-Marie Blondel
Durée : 94 mn

Casting :
Owen Wilson : Gil
Rachel McAdams : Inez
Kathy Bates : Gert
Marion Cotillard : Adriana
Michael Sheen : Paul
Carla Bruni : guide du musée
Gad Elmaleh : Détective Tisserand
Léa Seydoux : Gabrielle

Lorsque je suis allé voir Animal Kingdom, je connaissais le « pitch », mais j’ignorais totalement le ton sur lequel il était traité. Vu que je sortais de la Ballade de l’Impossible, j’ai espéré qu’il s’agisse d’une comédie, histoire d’avoir une soirée cinéma équilibrée… Mais il n’en est rien, il s’agit en fait d’un film noir, très noir… Voilà, c’était l’anecdote passionnante que j’avais sur ce film… Oui, bah je sais ce que je peux…

Josh est un adolescent de 17 ans qui voit sa mère mourir d’une overdose. Il part alors vivre avec sa grand-mère et ses 4 oncles dans la banlieue de Melbourne. Sauf qu’il va vite comprendre pourquoi sa mère avait décidé de ne plus avoir de contact avec sa famille. Il s’agit en effet d’un gang de criminels endurcis et violents, qui agissent sous l’autorité bienveillante de sa grand-mère. La police met la pression pour mettre tous les membres de la famille sous les verrous et voit en Josh un maillon faible sur lequel appuyer. L’adolescent va devoir très rapidement choisir son camp.

Si Animal Kingdom est un film noir sur l’univers des truands, mais qui offre un angle original. Si vous ne jurez que par la violence presque glamour de la trilogie du Parrain, passez votre chemin. La banlieue de Melbourne ne fera rêver personne et encore moins ces quatre têtes brûlées aux rapports quasiment incestueux avec leur mère. Une belle famille de dégénérés, mais qui donnent réellement froid dans le dos. On comprend bien que le jeune Josh ne soit pas particulièrement enthousiaste à l’idée de partager leur quotidien.

Animal Kingdom est donc un film remarquablement intelligent qui nous fait découvrir le grand banditisme sans y ajouter une pointe d’esthétisme comme le fait souvent le cinéma. Ici la violence est crue et brute de décoffrage. Du coup, elle n’a pas besoin d’être spectaculaire visuellement pour donner quelques sueurs froides au spectateur. Elle n’a rien de fascinante ici, mais est au contraire particulièrement inquiétante. On comprend donc les hésitations de Josh, tiraillé entre la peur de rester au milieu de cette violence et celle de partir et de s’exposer aux représailles de ses oncles.

L’intrigue d’Animal Kingdom repose donc largement sur les choix de Josh. On peut craindre pendant une partie du film que cela soit un peu léger pour nous tenir en haleine pendant un peu moins de deux heures, mais le scénario arrive à remarquablement enchaîner rebondissements et surprises pendant la dernière demi-heure et donner finalement à l’histoire un tour inattendu. Du coup, on reste vraiment tendu dans son fauteuil pendant toute la dernière partie du film, ce qui contribue évidemment à nous laisser sur une très bonne impression.

La réalisation est sobre, mais efficace. Comme évoqué plus haut, elle ne cherche pas à rendre la violence séduisante, ni au contraire à insister dessus jusqu’au dégoût. Elle se contente de ce qui est indispensable au déroulement de l’histoire, ce qui colle parfaitement avec le ton relativement sérieux de Animal Kingdom. Je ne qualifierai pas ce film de particulièrement dur, mais par contre, il y a un vrai effort de réalisme.

Un mot enfin sur l’interprétation. Si le jeune James Frecheville s’en sort très bien dans son rôle d’adolescent un peu perdu, on retiendra surtout la performance de Jacki Weaver, qui campe une grand-mère au premier abord tout ce qu’il y a de plus sympathique, mais qui se révèle être au centre de cette mini-mafia familiale. Ben Mendelsohn interprète lui le plus inquiétant des quatre oncles… et pour être inquiétant, il l’est !

Animal Kingdom ravira donc tous ceux qui aiment les films noirs qui changent des films noirs.

Fiche technique :
Production : Porchlight Films, Screen Australia
Distribution : ARP Selections
Réalisation : David Michôd
Scénario : David Michôd
Montage : Luke Doolan
Photo : Adam Arkapaw
Décors : Josephine Ford
Musique : Antony Partos
Durée : 113 mn

Casting :
James Frecheville : Josh
Ben Mendelsohn : Pope Cody
Jacki Weaver : Smurf Cody
Guy Pearce : Inspecteur Leckie
Joel Edgerton : Baz Brown
Luke Ford : Darren Cody
Sullivan Stapleton : Craig Cody