Le cinéma argentin a connu un très beau succès l’année dernière avec Dans ses Yeux, Oscar largement mérité du meilleur film étranger, et n°4 dans mon top de l’année 2010, classement qui fait évidemment mondialement référence. Cette reconnaissance soudaine pour un pays qui n’a pas pour tradition de peupler nos salles obscures n’est évidemment pas étrangère à l’apparition sur nos écrans de Carancho, un nouveau film venu de Bueno Aires. Bon, l’autre bonne raison est que c’est coproduction franco-argentine, mais insister sur ce fait ruinerait mon idée d’introduction… Oups…Trop tard.

Sosa est un avocat spécialisé dans l’aide aux victimes d’accidents de la route, marché juteux dans un pays où la délinquance routière est proche de la tradition. Enfin aider, c’est vide dit, car les personnes pour qui ils travaillent détournent une large part des indemnités destinées à ses clients. Un jour, il croise la route de Lujan, jeune urgentiste dont il tombe vite amoureux. Pour elle, il est prêt à revenir dans le droit chemin. Mais ses « associés » ne l’entendent pas de cette oreille.

Avec Carancho, le cinéma argentin revient à l’ordinaire. Polar noir, un rien dépaysant, il ne figurera pas dans les palmarès en fin d’année. Mais sans pour autant mériter le voyage, il mérite tout de même le détour. Déjà parce que dans ce genre cinématographique où l’offre ne manque pas, il est agréable de tomber sur un film vous faisant découvrir un univers jamais vu encore. Bien sûr les ressorts de l’intrigue sont archi-classiques : le « repenti » empêché par son ancien milieu de se ranger des voitures (vous admirerez au passage ce superbe jeu de mots !) n’est pas vraiment le sujet le plus original qui soit. Mais cette histoire d’arnaque autour des accidents de voiture en Argentine, voilà qui nous change de la mafia nord-américaine.

Au-delà de ça, l’intrigue est assez bien traitée pour maintenir de bout en bout l’intérêt du spectateur. L’histoire d’amour, si elle est capitale dans l’enchaînement des évènements, n’est ni envahissante, ni gnangnan. De toute façon, cela cadrerait assez mal avec l’ambiance assez noire de Carancho. On se doute vaguement de comment tout cela va finir, mais le scénario ménage un certain suspense jusqu’au bout. Pas le polar du siècle, mais du solide avec assez de matière pour justifier chaque centimètre de pellicules.

Comme pour Dans ses Yeux, mais un degré moindre, le principal attrait de Carancho repose dans ses personnages et leurs interprètes. On ne s’étonnera donc pas de retrouver en haut de l’affiche Ricardo Darin, qui est donc de tous les succès du cinéma argentin. C’est évidemment un bonheur de le revoir sur les écrans tant son charisme et son talent se suffisent à eux-mêmes. Mais à ses côté, la charmante Martina Gusman ne s’en laisse pas compter et prouve que ce pays possède un réservoir d’excellents comédiens que l’on ne soupçonnait pas.

Pablo Trapero manie la caméra avec sobriété, mais aussi une certain élégance. On reste très loin des ambiances oppressantes à la David Cronenberg. La noirceur de Carancho provient bien plus des péripéties et du jeu des acteurs. La photographie ne fait que la souligner, même si le fait qu’une bonne partie de l’histoire se déroule de nuit y contribue largement.

Carancho n’est donc pas le film noir du siècle, mais apporte un peu dépaysement, à défaut de réel originalité.

Fiche technique :
Production : Matanza cine, Patagonik, Ginecut, Ad vitam, L90
Réalisation : Pablo Trapero
Scénario : Alejandro Fadel, Martin Mauregui, Santiago Mitre, Pablo Trapero
Montage : Ezequiel Borovinsky, Pablo Trapero
Photo : Julian Apezteguia
Distribution : Ad Vitam
Son : Federico Esuerro
Musique : Lim Giong
Durée : 107 mn

Casting :
Ricardo Darin : Sosa
Martina Gusman : Lujan

S’il y a bien un art auquel je suis totalement hermétique, c’est bien la danse classique. Et encore, c’est pour ne pas parler d’allergie totale. Alors évidemment, un film dont le personnage principal est une danseuse étoile n’était pas forcément le plus attirant pour moi. Mais quand un long métrage, réalisé par Daren Aronofsky, l’auteur de Requiem for a Dream et The Wrestler, reçoit autant d’éloges médiatiques, on y réfléchit à deux fois et on finit par se rendre dans une salle obscure.

Nina, membre du New York City Ballet, rêve d’obtenir enfin le rôle principal du Lac des Cygnes. Mais la concurrence est rude. Et même si elle choisit, elle n’est pas à l’abri d’un revirement de Thomas, qui dirige la troupe d’une manière parfois ambiguë. Jusqu’où est-elle prête à aller pour épouser son rôle ?

Black Swan débute par une séquence de danse absolument sublime. Vu mon habituel absence total d’enthousiasme pour ce genre d’exercice, je me suis vraiment dit que j’étais parti pour 1h43 de pur génie. Je me suis surtout dit que ce n’était décidément pas n’importe qui de l’autre côté de la caméra et que j’avais vraiment bien fait de venir.

La suite de Black Swan n’est pas tout à fait à la hauteur. La plongée de Nina vers une forme de folie ressemble quand même comme deux gouttes d’eau au parcours des personnages de Requiem for a Dream. Alors bien sûr, si vous n’avez pas vu ce dernier, cela ne vous gênera pas. Mais les autres auront un peu l’impression d’assister à un « best of » Daren Aronofsky… enfin best of, c’est vite dit, car la chute est ici moins vertigineuse.

On retrouve ainsi cette impression d’oppression, cette angoisse communicative, que Daren Aronofsky sait si bien créer, mais de manière moins spectaculaire que précédemment. On retrouve les obsessions qui peuplent sa filmographie : la drogue, le sexe, la mutilation. Un caméra qui nous plonge dans des délires hallucinatoires, mais avec infiniment plus d’élégance que chez un Gaspar Noé par exemple. Cependant, dans Black Swan, c’est pour le meilleur, parfois pour le plus médiocre. Bon encore une fois, c’est un jugement tout relatif… mais enfin quel jugement ne l’est pas.

Puis, on arrive à la séquence finale. Black Swan prend alors une toute autre dimension. Il s’agit là d’un grand, d’un très grand moment de cinéma. Quelque part, les faiblesses de ce qui a précédé ne comptent plus vraiment, car il n’existait que pour nous amener là, au bord d’une abîme où Nina plongera d’une manière sublimement onirique. Vingt minutes d’une force esthétique rare où l’expression du corps et du regard vaut tous les dialogues du monde.

Black Swan constitue surtout une vraie révélation relativement inattendue. Celle de Natalie Portman comme une très grande actrice, dans un rôle incroyablement difficile, à des années-lumières de ceux qui lui avaient précédemment proposés. Mais elle s’y abandonne corps et âmes pour une interprétation qui vaut largement l’Oscar qui lui est promis. Une performance artistique mais aussi physique. Elle nous fait vivre la douleur, les douleurs ressenties par son personnage avec une force et une intensité rares. Une nouvelle preuve que c’est en poussant les acteurs dans leurs retranchements les plus profonds que naissent les numéros d’acteurs inoubliables.

A ses côtés, Vincent Cassel confirme sa stature d’acteur international. Ce n’est peut-être pas ici son plus grand rôle, mais il y semble totalement à l’aise. La bonne surprise de Black Swan s’appelle Mila Kunis, parfaite dans le rôle de la rivale principale de Nina. Ah, on est loin de ses débuts à 13 ans, dans un épisode de Walker Texas Ranger.

Enfin, on retiendra de Black Swan, une magnifique bande-son. Il faut dire que quand le principal compositeur s’appelle Tchaïkovsky, tout devient tout de suite plus facile. Des extraits du Lac des Cygnes sont incorporés dans des compositions plus modernes, même si les plus beaux moments restent ceux où l’œuvre originale sert de fond à une mise en image sublime des scènes de ballet.

Black Swan est donc un film sublime par instants, mais qui recèle aussi quelques passages où Daren Aronofsky fait preuve d’une certaine paresse. Mais on retiendra avant tout vingt minutes magnifiques et une Natalie Portman étonnante.

Fiche technique :
Production : Fox Searchlight Pictures, Protozoa, Phoenix pictures, Cross Creek
Distribution : 20th Century Fox France
Réalisation : Darren Aronofsky
Scénario : Mark Heyman, Andres Heinz
Montage : Andrew Weisblum
Photo : Matthew Libatique
Décors : Thérèse DePrez
Musique : Clint Mansell
Durée : 103 mn

Casting :
Natalie Portman : Nina
Mila Kunis : Lilly
Winona Ryder : Beth MacIntyre
Vincent Cassel : Thomas Leroy
Toby Hemingway : Rom
Barbara Hershey : Erica

Voilà huit ans qu’on attendait le nouveau film de Peter Weir, le réalisateur de Witness, Le Cercle des Poètes Disparus, The Truman Show ou encore Master and Commander (entre autres). Un cinéaste assez peu prolifique, mais qui signe généralement des films qui font date. Sa dernière production, les Chemins de la Liberté est sorti dans un anonymat relatif (il y a quand même eu un peu de promotion), indigne d’un metteur en scène de ce calibre. Comme quoi à force d’être trop longtemps absent, on se fait quelque peu oublier.

1940, un camp de prisonniers en Sibérie regroupe des détenus de différents horizons. Il semble impossible de s’évader de cet endroit entouré par une immensité vide et glaciale. Impossible sauf pour des hommes prêts à parcourir 10 000 km à pied…

Master and Commander, le précédent film de Peter Weir, m’avait laissé quelque peu sur ma faim. Magnifiquement réalisé, avec des acteurs superbement dirigés, mais malgré tout, un résultat pas totalement passionnant. Il s’agissait là d’un avis très personnel vu l’enthousiasme de la critique d’alors et celui de tous les cinéphiles que je connais. Les Chemins de la Liberté m’a fait exactement la même impression. Sauf que cette fois, si j’en crois la critique relativement tiède vis-à-vis de ce film, l’impression est nettement plus partagée.

Surtout que les Chemins de la Liberté ne brille pas par son suspense. On sait dès la première seconde qu’ils seront trois à arriver jusqu’en Inde. Reste à savoir qui, mais tout au long du film, on n’a jamais trop de doute sur l’identité du prochain qui va succomber. L’intérêt est donc ailleurs. Il est dans le sentiment d’évasion, dans l’admiration que l’on peut avoir pour l’abnégation de ces personnages. Mais encore un fois, il manque un grand souffle épique pour ce film soit totalement passionnant, pour que le spectateur rentre vraiment dans cette histoire incroyable, mais pourtant vraie. On y trouve tout ce à quoi on pouvait s’attendre, mais absolument rien de plus. Il n’y a aucune prise de risque, ni artistique, ni narrative. Alors même si ce qui nous ait proposé est plutôt réussi, on reste un peu sur notre faim.

Les Chemins de la Liberté n’est donc pas le grand film qu’il aurait pu être. C’est propre, c’est beau, mais ce n’est jamais vraiment passionnant. On ne s’y ennuie pas, mais on ne s’y enthousiasme pas non plus.

Casting :
Jim Strugess : Janusz
Ed Harris : M. Smith
Saoirse Ronan : Irena
Colin Farrell : Valka
Mark Strong : Khabarov
Gustaf Skarsgard : Voss
 

A la base, je n’aime pas trop Benoît Magimel, alors je n’ai pas vraiment très chaud pour aller voir l’Avocat. Et puis, on m’en a dit du bien et comme j’ai plutôt confiance dans les avis familiaux, je m’y suis rendu tout de même. Et bien, je n’aurais pas du !

Léo est un jeune avocat débordant d’ambition. Il vient d’être embauché dans un grand cabinet, lorsqu’il est approché par un proche de Paul Vanoni. Ce dernier règne sur la collecte et le retraitement des ordures dans la région par des méthodes quelque peu controversées. Il hésite à accepter cette mission, mais son patron lui indique que les avocats sont là pour défendre leurs clients, non les juger. Mais quand est-il quand on découvre que tout cela cache une organisation mafieuse et criminelle ?

Ceux qui parmi vous suivent la série Damages peuvent immédiatement passer leur chemin. Les similitudes sont assez nombreuses… enfin aussi similaire que peut l’être le meilleur foie gras et le pire pâté premier prix. Si l’Avocat avait l’ambition de rivaliser avec les meilleurs films du genre américains, c’est raté car le résultat est juste plat et sans intérêt. Les gangsters sont censés faire peur, pas donner envie de rire, tant ils sont caricaturaux.

Donc premier point qui ne va pas, le scénario. Ce n’est même pas qu’il soit vraiment mauvais. Mais c’est tellement prévisible et cousu de fil blanc qu’on se demande si son écriture a demandé plus de cinq minutes. Ca a été fait mille fois déjà et la plupart du temps en beaucoup mieux. Aussi bien les rebondissements que l’évolution des personnages ne nous surprennent pas une seconde. Allez, si on est vraiment généreux, il y a bien un élément quelque peu inattendu. Mais comme cela reste relativement anecdotique, cela n’a aucune chance de sauver une intrigue globalement sans intérêt.

Deuxième point qui fâche, la réalisation. Cédric Anger est à la fois le metteur en scène et le scénariste de l’Avocat. Au moins, on ne pourra pas lui reprocher un manque de constance dans la performance. Le moindre épisode de série américaine est désormais réalisée avec plus d’imagination, de punch et d’originalité que ce film. La caméra est plantée là à filmer ce qui se passe, sans jamais contribuer à créer une ambiance oppressante, propice à l’angoisse et au suspense. Quant au fait que le film commence par la fin, il s’agit d’une technique tellement sur-utilisée que l’on n’y prête plus aucune attention. De plus, ce coup-ci, cela n’apporte strictement rien à la narration, qui, de toute façon, est cousue de fil blanc à grosses mailles.

Enfin, terminons par ce qui est vraiment confondant de médiocrité. L’interprétation ! A la limite Benoît Magimel ne s’en sortirait pas trop mal par rapport à ses compagnons. Certes, il a l’air d’y croire comme le candidat socialiste à l’élection municipale de Neuilly-sur-Seine, mais au moins, il nous sert le minimum syndical. Par contre, en face de lui, Gilbert Melki nous livre peut-être son plus mauvais rôle. On se pince pour y croire tellement son jeu tire sur la caricature. On serait dans une parodie, on pourrait presque le trouver excellent. Le problème, c’est qu’on est dans un film qui se veut on ne peut plus sérieux, pour ne pas dire qui se prend au sérieux, et du coup, ça finit de couler l’Avocat, qui prenait déjà pas mal l’eau par ailleurs.

L’Avocat est donc un film qui se voulait l’égal des meilleures productions du genre, essentiellement hollywoodienne. Au final, cela donne un mauvais téléfilm bien de de chez nous.

Fiche technique :
Production : Sunrise film
Distribution : SND distribution
Réalisation : Cédric Anger
Scénario : Cédric Anger, Jean-François Leforsonney
Montage : Simon Jacquet
Photo : Guillaume Schiffman
Décors : Antoine Platteau
Musique : Grégoire Hetzel

Casting :
Benoît Magimel : Léo Demarsan
Gilbert Melki : Paul Vanoni
Aïssa Maïga : Eve
Eric Caravaca : Le flic
Vincent Demoury : Eric Boyer
Samir Guesmi : Ben Corey

Durée : 102 mn

Angèle et Tony, voilà bien un film à côté duquel j’ai failli passer. Pas de bande-annonce, pas de campagne marketing, pas de stars au générique, juste un affiche qui ne me donnait guère envie. Cette dernière sentait le film ennuyeux au pathos lourdingue à plein nez. Mais heureusement, le bouche à oreille a fonctionné et c’est avec plaisir que j’ai pu voir ce film, bourré d’optimisme et d’amour.

Le synopsis et les premières minutes de Angèle et Tony ne font pas vraiment penser que ce film puisse être une comédie romantique… Bon déjà parce que ce n’est pas une comédie romantique, au sens où on l’entend habituellement, mais une belle histoire d’amour qui nous montre que l’on peut trouver le bonheur même si on n’est pas né avec une cuillère d’argent dans la bouche.

Angèle et Tony possède tout de même un vrai fond social, mais on reste quand même loin de Ken Loach. Ou alors le Ken Loach optimiste de Looking for Eric. Il ne s’agit pas vraiment pas ici d’un film sur les difficultés économiques que connaissent les marins-pêcheurs, sur la réinsertions des anciens détenus ou sur le combat d’une mère pour récupérer la garde de son enfant. Ce sont bien des éléments de l’intrigue, mais jamais Alix Delaporte ne s’y appesantit. Le film nous parle de gens « modestes » sans insister sur ce point. Bref, il faut bien qu’une histoire de se situe dans un milieu social, alors pourquoi pas celui-là plutôt qu’un autre.

Ces deux personnages principaux d’Angèle et Tony sont magnifiquement interprétés par le duo Clotilde Hesme, une valeur montante du cinéma français, et Grégory Gadebois, une valeur sûre, qui quitte là son statut d’éternel second rôle pour tenir avec brio le haut de l’affiche. Deux révélations parfaitement dirigées par Alix Delaporte qui signe là un premier film remarquablement réussi.

Fiche technique :
Production : Lionceau films, Cinécinéma
Distribution : Pyramide distribution
Réalisation : Alix Delaporte
Scénario : Alix Delaporte
Montage : Louise Decelle
Photo : Claire Mathon
Décors : Hélène Ustaze
Musique : Mathieu Maestracci
Durée : 87 mn