L’histoire se répète inlassablement. La barbarie, l’oppression, l’esclavage, autant d’horreurs que l’on voudrait tant voir appartenir définitivement au passé. Mais quand on y regarde de plus près, on s’aperçoit le plus souvent qu’ils ont simplement changé de forme. Voici la thèse défendue par Même la Pluie, un film espagnol extrêmement ambitieux. Peut-être un peu trop…

Une équipe de tournage débarque au fin fond de la Bolivie pour y réaliser un film sur l’arrivée de Christophe Colomb en Amérique et la génocide qui en découlera. Ce choix a été fait pour des raisons budgétaires car ils sont sûrs de trouver là des centaines de figurants pour un salaire dérisoire. Mais au même moment, commence un conflit entre la population locale et la société chargée de gérer la distribution d’eau. A la tête du mouvement, un des acteurs locaux clés du film. Le tournage pourra-t-il se terminer ?

Pendant deux bon tiers du film, Même la Pluie tient toute ses promesses. Le parallèle entre la situation actuelle et les faits relatés dans le film qu’ils sont en train de tourner se fait avec intelligence et très simplement. Le spectateur ne se voit imposer aucune conclusion. On passe de l’un à l’autre, à chacun de bâtir les ponts qu’il voudra. Evidemment, on sent bien vers quoi on veut nous amener, mais on est libre de faire le chemin ou pas. Bien sûr, on pourra trouver le parallèle entre la compagnie des eaux et les conquistadors un peu caricaturale et simpliste… mais ce parallèle n’est jamais fait expressément.

Malheureusement, le dernier tiers de Même la Pluie vient un peu tout gâcher. Ce qui aurait du être un moment fort et poignant ne tient pas debout. Trop de détails ne sont pas crédibles une seule seconde. Cela nuit fortement à l’intérêt de la description qui nous est faite de l’exploitation actuelle de ces population. La dénonciation est cette fois beaucoup plus directe, mais ces longues scènes d’émeutes urbaines et de violences policières n’apportent pas grand chose. Le propos perd toute subtilité et leur côté spectaculaire n’est pas assez fort pour présenter un réel intérêt à ce niveau-là. Du coup, on en vient à regretter que le film pour lequel on a payé sa place ne soit pas plutôt celui dont le tournage nous est relaté ici. Les scènes censés en être tirées qui nous sont proposées constituent au final les meilleurs moments de ce film qui se prend complètement les pieds dans un tapis qu’il a lui même tissé.

C’est fort dommage, car, comme je l’ai dit les deux premiers tiers étaient fort prometteurs. Et ceux grâce aux trois acteurs principaux : Gael Garcia Bernal, qu’on ne présente plus, Luis Tosar, une valeur sûre du cinéma ibérique, et l’étonnant Carlos Aduviri qui tient là un premier rôle prometteur. Malheureusement, à l’image du film, leurs jeux perdent en consistance à mesure que leurs personnages perdent en crédibilité.

Iciar Bollain a donc fini par être débordé par son sujet. Elle fait preuve d’un réel talent pour les scènes « historiques » et la retranscription des tensions qui montent progressivement entre les protagonistes. Mais sa caméra semble perdu quand le rythme s’accélère et l’adrénaline monte. On pouvait pourtant attendre mieux d’un scénario signé Paul Laverty, le scénariste habituel de Ken Loach. On retrouve bien le message direct et sans fioriture que l’on retrouve chez le réalisateur britannique. Sans doute, l’alchimie ne s’est pas faite avec le tempérament latin de l’équipe artistique.

Même la Pluie n’est pas si mauvais que ça, au fond. Mais il s’agit bien d’un film raté, mal maîtrisé et donc au final très décevant.

Fiche technique :
Production : Morena films, Mandarin Cinéma, Alebrije Cine y Video, Vacafilms
Distribution : Haut et Court
Réalisation : Iciar Bollain
Scénario : Paul Laverty
Montage : Angel Hernandez Zoido
Photo : Alex Catalan
Décors : Juan Pedro de Gaspar
Son : Emilio Cortes
Musique : Alberto Iglesias
Costumes : Sonia Grande
Durée : 104 mn

Casting :
Luis Tosar : Costa
Gael Garcia Bernal : Sebastian
Juan Carlos Aduviri : Daniel, Hatuey
Karra Elejade : Anton, Christophe Colomb
Carlos Santos : Alberto, Bartolomé de la Casas

2011 a été une nouvelle année particulièrement riche d’un point de vue cinématographique. Par rapport à l’année dernière, le cinéma français s’est réveillé et place trois films dans le palmarès, plus My Own Love Song réalisé aux Etats-Unis par Olivier Dahan. L’Asie et l’Amérique Latine sont également présentes. Le cinéma d’animation prouve qu’il est définitivement incontournable, avec trois films et non des moindres.

Mais la plus grande difficulté a consisté à départager Inception et The Social Network. Deux chefs d’œuvre offerts par les deux réalisateurs les plus doués de leur génération : Christopher Nolan et David Fincher. Si le choix s’est finalement porté sur le premier, c’est sans doute que le second est peut-être trop lié à l’actualité pour devenir un classique intemporel. Mais ça, seul l’histoire le dira.

 

1-Inception

Un des scénarios les plus extraordinaires de l’histoire du cinéma, une mise en scène touchant au sublime et un Leonardo Di Caprio toujours plus charismatique pour une expérience cinématographique inoubliable.

2-The Social Network

David Fincher fait preuve ici d’un incroyable sens de la narration, transformant l’anecdotique en sujet passionnant. Jesse Eseinberg y livre le numéro d’acteur de l’année.

3-The Ghost Writer

Roman Polanski prouve ici qu’il reste un des plus extraordinaires réalisateurs de la planète avec ce polar égalant et passionnant. Du grand art !

4-Dans ses Yeux

Oscar du meilleur film étranger, ce polar argentin a conquis la planète entière par son scénario surprenant et passionnant et les merveilleux acteurs qui y figurent.

5-Toy Story 3

Le film d’animation de l’année qui conclut de la plus belle des manières la saga. Le dernier quart d’heure constitue un des moments cinématographiques les plus extraordinaires de l’année.

6-L’Arnacoeur

La bonne surprise du cinéma français qui nous offre la comédie de l’année. Une comédie romantique, mais pas que. Un Romain Duris au sommet dans un rôle où il fait étalage de toutes les facettes de son incomparable talent.

7-Kick-Ass

Entre film d’action et parodies, ce petit bijou nous offre la scène la plus jouissive de l’année, où une jeune fille de 10 ans prend d’assaut un building plein de malfrats armés jusqu’aux dents. Chloe Moretz n’a pas encore 13 ans, mais est déjà une très grande actrice. Espérons que la puberté ne lui enlèvera pas tout son talent.

8-In the Air

Un George Clooney au sommet pour cette comédie un rien désabusée, mais qui nous emmène au septième ciel.

9-Mother

La perle asiatique de l’année. Un film dont l’ambiance et le ton change du tout au tout, au fur et à mesure d’une intrigue pleine de surprises. Et un grand bravo à Kim Hye Ya, actrice de 69 ans, absolument époustouflante.

10-Tamara Drew

La petite perle de Stephen Frears qui nous livre ici une comédie comme seuls les Anglais en ont le secret. Un pur moment de bonheur et de rire.

11-Des Hommes et des Dieux

Pour beaucoup, ce film aurait du remporter la Palme d’Or. Un moment d’émotion intense, superbement mis en image par Xavier Beauvois, tout de même récompensé par le Grand Prix du jury.

12-Precious

Un sujet social très lourd, mais traité avec beaucoup de finesse, de poésie et d’optimisme. Jamais plombant, ce film est porteur d’espoir à bien des points de vue.

13-Dragons

Un film d’animation des plus réussis, au pays des vikings, plein d’humour et d’aventures, qui a ravi petits et grands.

14-Inside Job

Le film documentaire de l’année, qui nous plonge au cœur des mécanisme qui ont conduit à la crise économique. Passionnant, mais pas forcément très rassurant.

15-Alice aux Pays des Merveilles

Le dernier Tim Burton a divisé la critique. Sa vision sombre et inquiétante de l’univers de Lewis Caroll a eu du mal à trouver son public. Mais ce film n’en demeure pas moins passionnant et toujours aussi créatif visuellement.

16-La Princesse et la Grenouille

Un film d’animation en 2D qui confirme que la branche « classique » de Disney n’a plus grand chose à envier aux productions Pixar. On y retrouve le charme des classiques qui ont bercé notre enfance dans ce dessin-animé aussi bon et entraînant qu’un air de jazz de la Nouvelle-Orléans.

17-Agora

Le peplum de Alejandro Amenabar nous propose une grande fresque historique à l’ancienne, mais aussi un bon sujet de réflexion sur la place des religions dans nos sociétés. A la fois spectaculaire et passionnant.

18-Shutter Island

Scorsese aurait pu signer là une véritable chef d’œuvre si le rebondissement final n’avait été deviné par grand nombre de spectateurs, dont votre serviteur, bien avant la fin. Cela gâche un peu le plaisir procuré par ce scénario torturé.

19-City Island

Une comédie largement passée inaperçue et c’est bien dommage. Andy Garcia y retrouve un premier rôle à hauteur de son talent. Un portrait impertinent et anticonformiste bien loin de l’idéal hollywoodien.

20-Buried

Le film à déconseiller à tous les claustrophobes. 1H30 en compagnie du héros enfermé dans un cercueil. Un incroyable défi cinématographique relevé avec imagination et talent.

21-Cleveland contre Wall Street

Le vrai faux procès de la ville de Cleveland contre les financiers de Wall Street. Un procès qui n’aura certainement pas lieu pour de vrai. On se consolera avec ce film à la forme originale et au fond absolument passionnant et qui révèle bien des choses.

22-Les Petits Mouchoirs

Un énorme succès commercial pour le film de Guillaume Canet qui aura bouleversé les uns et donné envie de vomir aux autres. Il n’en reste pas moins une réalisation et surtout une direction d’acteurs particulièrement brillantes.

23-My Own Love Song

Une production hollywoodienne signée Olivier Dahan, assez mal reçue par la critique. Un film qui réchappe de peu à un pathos très lourd, pour nous offrir un très beau moment d’émotion et de poésie.

La fin d’année est propice aux sorties de films qui plairons à nos chères petites têtes blondes. Elles sont en vacances, c’est donc le moment ou jamais de les pousser à emmener papa et maman au cinéma. Après Harry Potter, Narnia et Raiponce, voici Megamind. Une histoire de super héros, où la vedette, c’est le méchant. Un film qui surtout amusera beaucoup les cinéphiles par les multiples références parsemés ici ou là.

Depuis leur plus tendre enfance, Megamind, le méchant, et Metroman, le gentil, sont rivaux. Bien sûr, le bien l’emporte toujours… Jusqu’au jour où le héros que toute la cité adule se fait enfin tuer par son éternel ennemi. Megamind peut exulter et se rendre enfin maître de Metrocity… Sauf qu’il s’y ennuie très vite, sans personne pour l’arrêter. Il décide alors de créer un nouveau héros pour rejouer à nouveau le combat du bien contre le mal.

Megamind reprend peu ou prou le principe de base de Moi, Moche et Méchant. Un vilain, au final pas si vilain que ça, son assistant et une armée de petite créature, une affaire de rivalité, voici des ingrédients de base identiques aux deux films. Le film qui nous intéresse aujourd’hui est cependant un ton en dessous de son prédécesseur, en particulier au niveau de l’originalité. Il n’en reste pas moins un divertissement très plaisant.

Megamind s’amuse à parodier bien des classiques du fantastique et des films de super-héros. En premier lieu, la saga Superman dont les références sont omniprésentes. Mais on retrouvera aussi des éléments en provenance de l’univers Marvel (Megamind lui-même est la copie presque conforme du Cerveau, un des ennemis jurés des 4 Fantastiques), de Star Wars (en particulier au niveau de certains bruitages) et j’en passe. On y trouve aussi des clins d’œil à l’actualité et une bande-son rempli de standards du rock.

Il est vrai qu’au-delà de tout ça, Megamind est une histoire assez classique et surtout sans grande profondeur. Le film ne cherche guère à être plus qu’un sympathique divertissement familial. Mais en matière de films d’animation, il est vrai que la concurrence est désormais rude et que l’on devient particulièrement difficile. Du coup, si on rit et si on ne s’ennuie pas une seconde, on oubliera vite cette histoire au final sans grandes surprises.

Techniquement, le film n’a rien non plus de révolutionnaire. La gestion de la 3D est très en deçà de Raiponce par exemple, les personnages manquant de profondeur visuel. Les décors sont par contre eux très soignés. Il manque peut-être aussi un caractère un peu plus cartoon. Il y a une vraie retenue visuelle. En fait, cela rejoint une impression générale donné par Megamind. Les auteurs n’ont pas été au bout de leur idée et n’ont pas exploité toutes les possibilités que leur imagination aurait pu leur offrir.

Pourtant, au niveau du casting vocal, Megamind s’est donné les moyens puisque les deux rivaux sont doublés par Will Ferrel et Brad Pitt, rien que ça, avec Ben Stiller au soutien. Cela assure évidemment une grande qualité « d’interprétation », mais ne gomme en rien les limites de ce film. Cela renforce même cette impression d’un film propre, efficace, plaisant, mais sans doute un peu trop formaté pour être génial, malgré un incontestable potentiel.

Megamind n’est donc pas le divertissement familial qui a bouleversé le monde à Noël. Il reste un spectacle plaisant qui ravira petits et grands, sans pour autant resté à jamais gravé dans leur mémoire.

Fiche technique :
Production : DreamWorks Animation
Distribution : Paramount Pictures France
Réalisation : Tom McGrath
Scénario : Alain Schoolcraft, Brent Simons
Montage : Michael Andrews
Décors : David James
Musique : Hans Zimmer, Lorne Balfe
Directeur artistique : Thimoty J. Lamb
Durée : 95 mn

Casting :
Will Ferrell : Megamind
Brad Pitt : Metro Man
Tina Fey : Roxanne Ritchi
Jonah Hill : Hal, Titan
Ben Stiller : Bernard

Mike Leigh avait bouleversé la planète cinéma, il y a près de 15 ans désormais, avec son superbe Secrets et Mensonges, Palme d’Or à Cannes en 1996. Un pur chef d’œuvre d’humanité, mais aussi d’optimisme, doublé d’une réalisation audacieuse. Depuis, il nous livre régulièrement de nouveaux tableaux humanistes, encensés par la critique. Mais d’un point de vue personnel, je n’ai jamais ressenti le même enthousiasme. Et ce ne sera malheureusement toujours pas le cas avec Another Year.

Tom et Gerri forment un couple encore heureux et complice à cinquante ans passés. Mais autour d’eux, famille et amis ne connaissent pas le même équilibre. Alors ces derniers viennent souvent trouver refuge auprès de la sérénité dégagée nos deux cinquantenaires.

Vous l’aurez compris, Another Year n’a pas vraiment d’intrigue. Il s’agit plutôt d’un films à sketchs, quatre pour être précis, un par saison. Il y a cependant un fil rouge, celui de Mary, leur amie, maladroite et exubérante, à la recherche perpétuelle d’attention et de grand amour. Ce n’est pas forcément gênant en soi, mais cela rend plus compliqué de capter l’attention du spectateur. C’est dans doute cela qui faisait la grande force de Secrets et Mensonges, proposer une intrigue solide pour porter le propos humaniste plus général. Ce n’est pas le cas pour ce film.

Another Year commence doucement, par une longue phase de présentation des personnages. Elle est évidemment nécessaire puisque tout le film repose sur eux. Passé ce moment un peu longuet, mais qui permet de s’attacher aux protagonistes, on entre totalement dans l’intimité de ces derniers et on la partage en ami, parfois amusé, parfois attristé. Mon introduction pourrait donner à penser que ce film est décevant dans l’absolu. Il n’en est rien. S’il m’a légèrement déçu, c’est parce que j’en attendais plus, peut-être trop.

Car les qualités de Mike Leigh sont toujours là. Il s’agit bien d’un formidable réalisateur qui sait filmé les êtres humains et leurs émotions comme personne. L’usage du gros plan, où il faut, quand il faut, démontre une maîtrise totale de son sujet. Les acteurs nous communiquent leurs émotions beaucoup plus par leur communication non verbale, leurs expressions, leurs mimiques, leur regard qui fuit soudain devant la contrariété. Il y a un merveilleux travail de réalisation et de direction d’acteurs que peu de cinéastes seraient capables d’effectuer.

Another Year marque surtout la révélation de Lesley Manville, absolument époustouflante dans le rôle de Mary. Un personnage qui fait rire, parfois de manière sympathique, parfois de manière pathétique, quand le rire se fait à ses dépend. Elle est la star du film, de part sa place dans le scénario, mais surtout par la la formidable prestation livrée par cette actrice, habituée des films de Mike Leigh, mais qui tient là son rôle le plus marquant.

Si je devais faire un reproche à Another Year, c’est d’avoir choisi un ton si pessimiste. S’il y a une morale à cette histoire, c’est que certains sont fait pour le bonheur et d’autres le chercheront éperdument en vain toute leur vie. Bon, il est vrai que cela correspond bien à la réalité de l’existence. Mais du coup, on a du mal à comprendre ce que Mike Leigh cherche à nous dire. Peut-être voulait-il juste nous faire partager ce constat, mais j’ai ressenti une légère frustration de voir le propos s’arrêter là. C’est à mon sens dommage car, ajouté à l’absence d’une réelle intrigue, cela donne à ce film un aspect largement contemplatif. Une belle contemplation, il est vrai.

Another Year restera donc pour moi un nouveau beau film signé Mike Leigh, mais auquel il manque cette petite étincelle qui avait fait la différence dans Secrets et Mensonges.

Fiche technique :
Production : Thin Man Films, Simmon Channing Williams productions, Film 4
Réalisation : Mike Leigh
Scénario : Mike Leigh
Montage : Jon Gregory
Photo : Dick Pope
Décors : Simon Beresford
Distribution : Diaphana
Musique : Andrew Glen
Directeur artistique : Andrew Rothschild
Durée : 129 mn

Castng :
Lesley Manville : Mary
Ruth Sheen : Gerri
Jim Broadbent : Tom
Peter Wight : Ken
Martin Savage : Karl
Oliver Maltman : Joe
David Bradley : Ronnie
Karina Fernandez : Katie
Imelda Staunton : Janet

Mélanger comédie et sujet grave est un pari difficile. Il peut donner des résultats fantastiques car le rire est sûrement un meilleur vecteur de communication que l’apitoiement ou la culpabilisation. Mais atteindre un tel résultat est très difficile et on peut se prendre facilement les pieds dans le tapis. C’est malheureusement le cas de Love et Autres Drogues, une comédie romantique vraiment drôle mais au pathos un peu lourdingue.

Jamie est un dragueur invétéré, qui arrive généralement à ses fins et se sert largement de son charme dans son travail de commercial. Un jour, il croise la route de Maggie. Commence alors une relation torride qui pourrait bien se transformer en vrai romance. Seul problème, la jeune fille est atteinte d’une forme précoce de la maladie de Parkinson dont l’évolution vers la dépendance et le handicap est inéluctable à long terme.

Love et Autres Drogues laisse sur une impression très contrastée. On rit beaucoup et souvent. L’humour est parfois très premier degré, toujours un peu sur le même registre, mais se révèle terriblement efficace. Comme dans toutes les comédies romantiques, le suspense n’est pas vraiment le moteur principal de l’intrigue, seul l’humour peut en faire un film réussi. Mais dans le cas qui nous intéresse, Edward Zwick a cherché à enrichir son histoire d’éléments plus inhabituels. Louable intention si le résultat n’était pas si bancal.

En effet, on n’est pas du tout convaincu par l’aspect « l’amour malgré la maladie ». On aurait bien envie d’y croire, mais on a malheureusement plutôt envie de dire « oui, c’est ça, ça se passe comme ça chez McDonald ». Love et Autres Drogues hésitent visiblement à entrer dans le cœur du sujet, de peur de plomber l’ambiance sans doute, mais du coup, cela reste beaucoup trop édulcoré pour être crédible et surtout présenter un réel intérêt. Ce qui en présenterait, ça serait à la suite de cette histoire, les 30 ans pendant lesquelles le couple va vraiment affronter la maladie. Du coup, on regrette vraiment la présence de cet aspect qui, s’il donne sa personnalité et son originalité au film, ne fait au final que l’alourdir.

C’est regrettable car le duo Jake Gyllenhaal et Anne Hataway fonctionne remarquablement bien. Cette dernière est assez charmante pour que l’on comprenne très bien que l’on puisse en tomber follement amoureux dès le premier regard. Quant au premier, il est excellent dans le rôle du dragueur impénitent qui connaît toutes les ficelles pour faire succomber ses proies. Le film est d’ailleurs très instructif sur ce plan-là… Bon, par contre, pas sûr que tout le monde connaisse le même taux de réussite en les appliquant.

Edward Zwick a donc raté son coup avec Love et Autres Drogues. On ne peut que saluer sa volonté de nous proposer autre chose qu’une énième comédie romantique hollywoodienne basée sur le même modèle immuable. Mais si, vraiment, vous avez le cœur romantique en ce début d’année, allez plutôt voir Les Emotifs Anonymes, beaucoup plus légers, mais tout aussi drôle.

Love et Autres Drogues vous fera donc beaucoup rire, ce qui est déjà pas mal. Mais il est évident qu’il cherchait à faire beaucoup plus. Sans vraiment y parvenir malheureusement.

Fiche technique :

Production : Bedford Falls Productions, New Regency Pictures, Stuber Productions
Distribution : 20th Century Fox France
Réalisation : Edward Zwick
Scénario : Charles Randolph, Edward Zwick, Marshall Herskovitz, D’après l’oeuvre de Jamie Reidy
Montage : Steven Rosenblum
Photo : Steven Fierberg
Décors : Meg Everist
Son : Edward Tise
Musique : James Newton Howard
Effets spéciaux : Ray Bivins, Robert J. Trosky III
Durée : 112 mn

Casting :

Jake Gyllenhaal : Jamie Randall
Anne Hathaway : Maggie Murdock
Oliver Platt : Bruce Winston
Hank Azaria : Dr Stan Knight
Josh Gad : Josh Randall
Gabriel Macht : Trey Hannigan

 

Alors que toute l’attention se portait sur un Harry Potter et les Reliques de la Mort, 1ère partie, très controversé, l’adaptation d’une autre série phare de littérature fantastico-magique est presque passée inaperçue. Je veux parler de la sortie du troisième volet du Monde de Narnia, l’Odyssée du Passeur d’Aurores. Et de mon point de vue, c’est bien dommage.

Edmund et Lucy sont désormais séparés de Susan et Peter, partis en Amérique. Ils vivent chez leur oncle, en compagnie de leur insupportable cousin Eustache. Mais le Monde de Narnia n’est jamais loin et les voilà tous les trois happés par un tableau. Ils se retrouvent sur un bateau commandé par leur ami, le prince Caspien, qui vogue à la recherche de sept seigneurs, qui étaient restés à l’époque fidèles à son père, mystérieusement disparus.

Le Monde de Narnia, chapitre 3, l’Odyssée du Passeur d’Aurores a reçu un accueil plutôt froid de la part de la critique. Un des plus fréquents reproches formulés est son côté enfantin un peu trop prononcé. Il est vrai que l’on trouve ici nulle trace de la noirceur qui habite les derniers épisodes du magicien à lunettes et que l’intrigue manque quelque peu de complexité. Il s’agit effectivement d’un récit assez simple et abordable à tout âge. Mais de mon point de vue, cela ne gâche guère le plaisir, même pour les plus grands.

Par contre, j’admets volontiers que ce troisième épisode est nettement en retrait par rapport aux deux premiers volets dans l’ambition du récit. L’histoire est ici plus anecdotique, avec un souffle épique bien moindre. On n’assiste pas à de grandes batailles décidant du destin de tout un monde. En cela, le Monde de Narnia, chapitre 3, l’Odyssée du Passeur d’Aurores présente un intérêt limité à celui d’un simple, mais très bon divertissement.

Malgré la simplicité, le récit est rythmé, plein de magie et d’actions. Le tout est porté par des effets spéciaux plus beaux à chaque épisode. Si le premier volet de la saga avait été une vraie révolution à ce niveau-là, le Monde de Narnia, chapitre 3, le Passeur d’Aurores se contente de se hisser au niveau des productions actuelles. Mais quand on sait à quel point les progrès ont été fulgurants ces dernières années dans ce domaine, on serait bien injuste de le lui reprocher. Mais au final, on ne s’ennuie pas une seconde et on apprécie également la petite dose d’humour, un peu enfantin lui aussi, qui ponctue l’intrigue.

L’interprétation est quant à elle assez moyenne, il est vrai. Les jeunes acteurs ont bien sûr grandis au fil des années et, un peu à l’image d’un Daniel Radcliffe, leur spontanéité et leur énergie se sont un peu diluées avec la puberté. Mais s’ils ne tirent pas le Monde de Narnia, chapitre 3, le Passeur d’Aurores vers le haut, ils ne l’entraînent pas non plus vers les grands fonds. Là encore, on ne peut pas crier au génie, mais le plaisir est ailleurs.

Au final, le Monde de Narnia, chapitre 3, le Passeur d’Aurores renoue avec un cinéma en vogue dans les années 60 avec les films tirés des voyages de Simbad ou l’adaptation du mythe de Jason et les Argonautes. Un bateau qui vogue d’iles en îles, entraînant les héros vers des mondes mystérieux et des aventures sans cesse renouvelées. Ca ne brille pas par sa profondeur ou son originalité, mais constitue un parfait divertissement familial et sympathique.

Le Monde de Narnia, chapitre 3, le Passeur d’Aurores est donc nettement plus anecdotique que ses prédécesseurs, mais ce n’est pas une raison, de mon point de vue, pour totalement bouder son plaisir.

Fiche technique :
Production : Walden Media, 20th Century Fox, Fox 2000 Pictures
Distribution : Twentieth Century Fox France
Réalisation : Michael Apted
Scénario : Michael Petroni, Richard LaGravenese, Christopher Markus, Stephen McFeely, d’après l’oeuvre de C.S. Lewis
Montage : Rick Shaine
Photo : Dante Spinotti
Décors : Barry Robison
Son : James Boyle, Nigel Stone
Musique : David Arnold
Effets spéciaux : Thomas Van Koeverden
Maquillage : Jen Stanfield, Rick Findlater
Directeur artistique : Marco Niro, Mark Robins, Karen Murphy (II)
Durée : 115 mn

Casting :
Georgie Henley : Lucy
Skandar Keynes : Edmund
Ben Barnes : Caspian
Will Poulter : Eustache
Tilda Swinton : La reine blanche
Liam Neeson : voix d Aslan
Simon Pegg : voix de Ripichip

Timides du Monde entier, unissez-vous ! Tel pourrait être le slogan des Emotifs Anonymes, une comédie romantique à la française, sans prétention mais fort sympathique. Un film qui ravira un large public, mais encore plus tous ceux qui ont souffert un jour ou continuent de souffrir de ce terrible handicap.

Angélique fait partie d’un cercle d’émotifs anonymes, tant sa timidité lui fait perdre ses moyens et lui gâche sa vie. Jean-René souffre des mêmes maux et suit une thérapie. Jean-René est le patron d’Angélique. Jean-René aime Angélique et Angélique aime Jean-René. Mais une histoire d’amour peut-elle vraiment naître entre deux personnes si incapables d’exprimer leurs sentiments ?

Les Emotifs Anonymes est un film court, 80 minutes, mais suffisant. Drôle, touchant, sincère, il nous conte une histoire simple, sans fioritures, que l’on prend beaucoup de plaisir à suivre. Une vraie comédie romantique, mais d’une remarquable intelligence. Comme je l’ai dit en introduction, ce film parlera à tous ceux qui pourront se reconnaître dans l’un ou l’autre des personnages, dans l’une ou l’autre des situations.

Bien sûr, tout cela est un peu poussé à l’extrême pour les besoins de la comédie. Mais on peut tout de même sans problème s’identifier à bien des traits de caractère des personnages ou des éléments des situations. Même si vous n’êtes qu’un peu timide, vous vous sentirez moins seul après avoir vu les Emotifs Anonymes. Par définition, la timidité est un sentiment parfois difficile à partager. Ce film est juste un divertissement, pas une thérapie, mais tout de même, il fait du bien.

Et il fait surtout beaucoup rire. Benoît Poelvoorde apporte bien sûr une large part de l’énergie comique communiquée par ce film. Il le fait avec son talent naturel, qui s’affine d’année en année et se place désormais très loin des cabotinages de ses débuts. Mais Isabelle Carré n’est pas en reste. Elle joue bien sûr principalement sur le registre de l’émotion et des sentiments, mais les situations dans lesquelles elle se place participe largement à l’élaboration de l’humour des Emotifs Anonymes.

On pourra toujours reprocher aux Emotifs Anonymes un certain manque d’ambition. Certes, il se concentre vraiment sur l’essentiel de son propos. L’originalité vient quasiment uniquement des personnages et de leur personnalité et, au fond, la trame narrative est de ce qu’il y a de plus classique pour une comédie romantique. On peut y voir un défaut, mais parfois, il faut vaut mieux se concentrer sur la qualité plutôt que sur la quantité. Ce film n’est pas forcément riche dans l’absolu, mais le peu qu’il recèle représente une vraie richesse.

Les Emotifs Anonymes pourront donc attendre un passage à la télé ou la location du DVD pour être vu. Cependant, encore une fois, certains d’entre vous ressentiront peut-être une émotion particulière à la vue de ce film sans chichi, mais terriblement bien senti. Je ne sais pas comment était Jean-Pierre Aménis quand il était jeune, ou peut-être encore maintenant, mais j’aurais bien du mal à croire qu’il n’y a pas un peu de vécu dans ce film. Enfin, il faut dire aussi que croiser un jour une Isabelle Carré a de quoi vous faire perdre vos moyens.

Les Emotifs Anonymes n’est donc pas la comédie romantique de l’année. Mais avec l’Arnacoeur et De Vrais Mensonges, ce genre retrouve une place de choix cette année dans le paysage cinématographique hexagonal. Il n’y a pas qu’à Hollywood qu’on sait faire de bonnes comédies romantiques, que cela soit dit !

Fiche technique :
Production : Pan Européenne Production, Hassen Brahiti, Studio Canal, RTBF
Distribution : StudioCanal
Réalisation : Jean-Pierre Améris
Scénario : Jean-Pierre Améris, Philippe Blasband
Montage : Philippe Bourgueil
Photo : Gérard Simon
Décors : Sylvie Olive
Son : Jean-Pierre Duret, Marc Bastien, François Groult
Musique : Pierre Adenot
Maquillage : Corine Maillard
Durée : 80 mn

Casting :
Isabelle Carré : Angélique
Benoit Poelvoorde : Jean-René
Lorella Cravotta : Magda
Lise Lametrie : Suzanne
Pierre Niney : Ludo
Swann Arlaud : Antoine

Nombreuses sont les séries cinématographiques qui comptent un film de trop. Bon parfois, ce sont tous les films qui sont en trop, mais cela constitue un autre problème. Généralement, un épisode, puis deux, parfois trois nous ravissent, avant qu’un dernier ne vienne un peu tout gâcher. C’est malheureusement le cas de Mon Beau Père et Nous, suite de l’excellent Mon Beau Père et Moi et du plutôt bon Mon Beau Père, mes Parents et Moi.

Avec l’introduction des parents de Greg dans le second épisode, ce dernier contenait assez de nouveautés pour que l’on retrouve le beau-père et son gendre avec un réel plaisir. Le ressort restait le même, mais était pour le coup largement enrichi. Pour Mon Beau Père et Nous, rien de tout cela. On revient même aux fondamentaux, mais l’effet de surprise de Mon Beau Père et Moi n’est évidemment plus là et cela nuit à la qualité de l’ensemble. Bref, c’est sans surprise et d’un intérêt plutôt limité.

On aurait pu aussi être tout de même heureux de retrouver le duo Ben Stiller – Robert De Niro. Mais malheureusement, à l’image du film, les deux acteurs sont peu inspirés et leur prestation est parfois poussive. Avant la séquence finale, ils n’ont jamais vraiment l’occasion de se lâcher et de transmettre une réelle énergie comique. Du coup, on a parfois l’impression qu’ils s’ennuient quasiment autant que le spectateur. Et ce n’est pas la très brève apparition de Dustin Hoffman ou le physique de Jessica Alba, qu’il faut mieux aller contempler dans Machete, qui pourront changer le destin de ce film.

Bref, n’y allons pas par quatre chemins. Mon Beau Père et Nous est un film décevant, sans grand intérêt. Une suite dont on se serait bien passée.

Casting :
Ben Stiller : Greg Focker
Robert De Niro : Jack Byrnes
Owen Wilson : Kevin Rawley
Blythe Danner : Dina Byrnes
Dustin Hoffman : Bernie Focker
Barbra Streisand : Roz Focker
Teri Polo : Pam Focker
Jessica Alba : Andi Garcia
Laura Dern : Prudence
 

Le western, voilà un genre miraculé du cinéma. Donné pour mort, ringardisé à la mort de Sergio Leone, il a connu une renaissance étonnante en 1992 grâce au génie de Clint Eastwood et son génial Impitoyable. Depuis, même si cela reste épisodique, on peut voir dans nos salles obscures quelques bons westerns. Open Range, Appaloosa, autant de réussites cinématographiques de ces dernières années. En nous proposant une nouvelle version de 3h10 pour Yuma, James Mangold prenait le risque de se fâcher avec les amateurs purs et durs du genre. Mais ce remake est une vraie réussite.

Je dois avouer que l’original de 1957 manque à ma culture et je ne pourrai donc faire aucune comparaison avec ce dernier. Tant mieux, cela ne peut qu’assurer une plus grande objectivité de cette critique. 3h10 pour Yuma est très classique dans sa forme et peut apparaître comme un hommage aux maîtres du genre. Il est un peu plus près de John Ford que de Sergio Leone, mais certaines scènes n’auraient tout de même pas dépareillé dans un film du réalisateur italien. La relation entre les deux personnages principaux nous fait forcément penser au rapport entre le Bon et le Truand.

3h10 pour Yuma alterne les scènes d’action et de fusillades classiques pour le genre et des moments d’affrontement plus psychologiques entre les deux personnages principaux. L’équilibre entre les deux aspects est très bon et constitue d’ailleurs le plus grand intérêt du film. Cela donne une certaine profondeur aux personnages sans pour autant alourdir le propos. Encore une fois, cela reste relativement manichéen, mais tout à fait dans l’esprit des westerns d’autrefois.

3h10 pour Yuma ravira donc les nostalgiques du genre. Il n’a pas le génie d’un Impitoyable, mais a assez le goût des grands espaces de l’Ouest et l’odeur du colt chaud pour nous offrir un bon moment de cinéma nostalgique.

Casting :
Russell Crowe : Ben Wade
Christian Bale : Dan evans
Logan Lerman : William Evans
Dallas Roberts : Grayson Butterfield
Ben Foster : Charlie Prince
Peter Fonda : Byron McElroy
Gretchen Mol : Alice Evans