Les paysages verglacés et recouverts d’un blanc manteau neigeux constituent un décor parfaitement adapté pour un polar. L’Europe du Nord l’a bien compris et a fait de ce style littéraire une denrée d’exportation presque aussi importante que les petits pains grillés et les meubles en kit. Mais les Etats-Unis ne sont pas en reste car elles comportent aussi des contrées hostiles où le thermomètre descend très bas et où les raquettes servent rarement pour jouer au tennis. La preuve avec Wind River, un polar bien mené mais sans grande imagination.
Avec Wind River, rien de nouveau sous le soleil. Cela tombe bien, le film est plutôt marqué par un blizzard épais. L’intrigue, les personnages, la construction du récit reprennent tous les codes habituels du genre et ne recèlent aucune surprise. Il est difficile d’identifier de vraies faiblesses, mais cela a tellement un air de déjà-vu qu’il est bien difficile de s’enthousiasmer. Il nous amène doucement vers un dénouement relativement attendu, sur un chemin qui ne l’est pas moins. Le rythme est là, la réalisation n’est pas maladroite, mais rien ne vient vraiment faire sortir le film du lot.
C’est un avis très personnel, mais je trouve que Jeremy Renner est un acteur relativement médiocre (je n’ai pas dit mauvais), qui n’a en tout cas pas un talent en rapport avec son statut sur l’échelle des stars. Cela se confirme avec Wind River, où il ne tire absolument pas le film vers le haut, se contentant d’une performance propre mais sans relief. On lui préférera Elizabeth Olsen, une Avenger elle aussi, mais qui elle apporte beaucoup de fraîcheur à l’écran. La fraîcheur reste donc le maître mot de ce film. Malheureusement, c’est aussi pour ça peut-être qu’il nous laisse froid.
LA NOTE : 10/20
Fiche technique :
Réalisation et scénario : Taylor Sheridan
Photographie : Ben Richardson
Montage : Gary D. Roach
Musique : Nick Cave et Warren Ellis
Production : Elizabeth A. Bell, Peter Berg, Matthew George, Basil Iwanyk et Wayne Rogers
Genre : thriller, policier
Durée : 110 minutes
Casting :
Jeremy Renner : Cory Lambert
Elizabeth Olsen : l’agent Jane Banner
Kelsey Chow : Natalie Hanson
Jon Bernthal : Matt
Graham Greene : Ben
Julia Jones : Wilma Lambert
Gil Birmingham : Martin Hanson
Martin Sensmeier : Chip Hanson
Eric Lange : Dr. Whitehurst
James Jordan : Pete Mickens
Ian Bohen : Evan
Hugh Dillon : Curtis
Matthew Del Negro : Dillon
Teo Briones : Casey Lambert
Tantoo Cardinal : Madame Hanson
Apesanahkwat : Dan Crowheart
Patti Cake$ est aussi l’occasion de découvrir Danielle Macdonald qui livre une prestation pleine de talent et de conviction. Elle est particulièrement convaincante dans les passages musicaux. Sans dire qu’elle rivalise avec Eminem à ce niveau là, elle tire le film vers le haut dès qu’elle se met à chanter. Elle emporte la sympathie du spectateur dès les premières minutes et lui permet d’entrer immédiatement dans cette histoire. Ses partenaires à l’écran ne sont pas en reste, mais c’est bien elle qui tient le haut de l’affiche. Si on ajoute à ça une réalisation parfaitement maîtrisé, on aboutit à un film qui nous offre un petit vent de fraîcheur pour cette rentrée.
Le Prix du Succès souffre globalement d’un manque d’audace dans le traitement de sujet. Pour éviter de tomber définitivement dans les clichés avec lesquels ils flirtent allégrement, il reste dans une demi-mesure qui lui confère un certain réalisme mais sans émouvoir outre mesure. Teddy Lussi-Modeste reste donc au milieu du gué, sans qu’on sache vraiment si c’est par timidité ou par manque de talent. On lui souhaite évidemment de prouver avec un prochain film qu’il s’agit de la première option.
Petit Paysan confirme tout le bien qu’on pensait de Swann Arlaud et de Sara Giraudeau. Cette dernière est déjà bien installée dans le décor du cinéma hexagonal, mais elle prouve qu’elle prend à chaque film une dimension supplémentaire. Son partenaire tient quant à lui son rôle le plus marquant jusqu’alors. Il mérite amplement la pluie de compliments sur sa performance qui inondent les critiques sur ce film. Il tire vraiment le film vers le haut et pas sûr que ce dernier aurait été un tel succès sans lui. En tout cas, voilà un vidéo sur l’élevage bien plus instructive et indispensable que beaucoup.
Mais 120 Battements par Minute ne constituerait pas un tel choc si la forme n’y contribuait. Ce film n’a rien de techniquement spectaculaire. Cependant, il nous rompt la distance qu’il peut exister entre le spectateur et les personnages. S’il n’est pas exempt de quelques longueurs, il offre aussi une diversité de scènes et à chaque fois la manière de filmer est adapté pour en démultiplier l’effet. Il propose même des scènes artistiquement audacieuses et parfaitement maîtrisées, notamment une scène d’amour d’une intensité incroyable sans être une seule seconde vulgaire ou voyeuriste. Robin Campillo fait preuve d’un talent de cinéaste que l’on ne soupçonnait même pas, ses premiers films étant (injustement semble-t-il) passés inaperçus.
Que Dios Nos Perdone bénéficie de l’interprétation brillante d’Antonio de la Torre, un des plus grands acteurs espagnols contemporains. Le film lui offre un rôle marquant, un personnage doté d’un défaut d’élocution, ce qui peut vite tourner au ridicule avec un comédien moins talentueux. Il n’en est rien ici. Heureusement car c’est un facteur important de la personnalité de ce flic relativement hors norme. Mais tout le reste du casting est à saluer et se hisse au niveau de leur brillant partenaire. Ils contribuent tous à ce film qui restera un des meilleurs polars de l’année.
A côté de cela, sur la forme pure, Les Proies reste un film assez splendide. La manière dont Sofia Coppola capte les petits regards, les légers frémissements entre les personnages qui en disent long sur ce qui est en train de se nouer est tout simplement remarquable. La photographie est impeccable, créant une atmosphère particulière, permettant de dépasser l’impression de confinement qu’impose un huis-clos. Les acteurs sont parfaitement dirigés, même si la qualité du casting aide bien sûr. Mais tout cela ne suffit pas à insuffler un vrai souffle d’intérêt à ce film qui reste avant tout une idée de départ brillante mais absolument pas exploitée.
Le fond de l’histoire n’est pas banal non plus. Entre science-fiction, polar, drame psychologique, teinté de comédie romantique. Upstream Color est à la fois totalement éloigné de ces étiquettes, tout en pouvant tout de même revendiquer de reprendre des éléments qui leur sont familiers. Finalement, il est difficile de savoir si avoir choisi à la fois un fond et une forme particulières rend le film particulièrement intéressant, ou au contraire trop obscur pour être pleinement apprécié. Bref, même en mettant des mots sur ce que j’ai pu ressentir devant ce film tout reste flou. Mais quelqu’un n’aurait pas-t-il dit « Quand c’est flou, y a un loup ? ».
Une Vie Violente est également soutenu par une réalisation qui vient amplifier la tension du récit. On se souviendra notamment du plan séquence final, qui place le spectateur dans une interminable attente avant de… Non, évidemment, je ne dirai rien ! Le film fonctionne aussi grâce à Jean Michelangeli qui donne vie à un personnage loin de tous les clichés sur les « bandits » corses, comme ceux que l’on avait pu voir dans la série Mafiosa par exemple. Un film donc indispensable à ceux qui s’intéressent de près ou de loin à l’Ile de Beauté.
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