Il y a des films qui font envie. Par son réalisateur, comme Zhang Yimou, sa star hollywoodienne, comme Matt Damon, et une bande-annoce qui fait envie. Alors on attend sa sortie avec un peu d’impatience. Mais quand les critiques sont particulièrement mauvaises, on grince des dents et on hésite. Mais l’envie est trop forte et on s’y rend quand même. Ainsi j’ai été voir la Grande Muraille. Je n’aurais pas du…

Au bout de 10 secondes, on est fixé. Une vue plongeante de l’espace vers la Grande Muraille qui aurait pu être spectaculaire et lancer parfaitement le film. Mais voilà… c’est moche, mal fait et bas de gamme. C’est bien ça qui cloche avec la Grande Muraille. Les ambitions sont là, mais les moyens ne sont clairement pas la hauteur. Au lieu de nous en mettre plein les yeux, le film nous offre un spectacle médiocre auquel on ne croit pas du tout.

Matt Damon assure le minimum. Heureusement pour lui, la Grande Muraille est relativement court pour un film de ce genre. Preuve que le manque de moyens est aussi accompagné d’un léger manque d’idées. Certaines sont intéressantes mais bien seules. Au final, ce film ne présente guère d’intérêt. En tout cas loin de l’ambition de départ.

LA NOTE : 07/20

Fiche technique :
Production : Legendary East, Atlas Entertainment, Kava Productions, Le Vision Pictures avec la participation de China Film Group Corp
Distribution : Universal Pictures International France
Réalisation : Zhang Yimou
Scénario : Tony Gilroy, Carlo Bernard, Doug Miro, d’après une histoire de Max Brooks, Marshall Herskovitz, Edward Zwick
Montage : Mary Jo Markey, Craig Wood
Photo : Stuart Dryburgh
Décors : John Myhre
Musique : Ramin Djawadi
Directeur artistique : Helen Jarvis
Durée : 104 min

Casting :
Matt Damon : William Garrin
Willem Dafoe : Ballard
Jing Tian : Commandant Lin Meï
Pedro Pascal : Pero Tovar
Numan Acar : Najid
Zhang Hanyu : le général Shao
Andy Lau : le stratège Wang

L’histoire est jalonnée de figures controversées, pouvant aussi bien être considérées comme des figures héroïques que comme de totales abominations. La mort de Fidel Castro nous a rappelé qu’une même destinée peut paraître bien différente selon les yeux qui la contemplent. The Birth of a Nation nous relate la destinée de Nate Turner, à l’origine en 1831 d’une révolte d’esclaves noirs du Sud des Etats-Unis. Une figure qui aurait pu être uniquement positive, si tout ceci n’avait pas provoqué un immense bain de sang n’ayant épargné ni femmes, ni enfants.

Nate Parker s’est considérablement investi dans ce projet. Acteur principal, réalisateur, scénariste, l’histoire adopte évidemment son propre point de vue. Chacun est libre d’avoir le sien, mais celui qu’il nous livre est sans nuance. Faire de Nate Turner le symbole de la violence sans limite qu’a constituée l’esclavage est évidemment légitime. En faire une victime ne peut engendrer aucun reproche. Mais glorifier tout ce qu’il a fait, comme le fait clairement The Birth of a Nation jette quand même un trouble, crée un malaise, qui nuit au final au message très fort qu’il cherchait à transmettre. A faire de son film, un acte militant, Nate Parker oublie que la nuance sert aussi à la pertinence et l’impact d’un propos.

The Birth of a Nation est parfaitement maîtrisé d’un point de vue purement cinématographique. Une réalisation très hollywoodienne, au bon sens du terme. C’est soigné, efficace, rythmé. Les moyens sont mis pour que costumes et décors nous plongent vraiment dans l’histoire et les acteurs sont impeccables. Mais c’est du coup très lisse pour un propose aussi controversé. Cela renforce encore le malaise face à un film qui part peut-être d’un bon sentiment, mais qui pêche par une maladresse malvenue. Cependant, il reflète bien le poids de la violence raciale sur laquelle est bâtie une partie de l’Amérique. Un poids qui pèse encore, l’actualité continue de le démontrer trop souvent. Un poids qui a pesé sur les épaules de Nate Parker qui n’a pas su tout à fait y faire face.

LA NOTE : 9/20

Fiche technique :
Production : Bron Studios, Mandalay Pictures, Phantom Four et Tiny Giant Entertainment
Distribution : 20th Century Fox France
Réalisation : Nate Parker
Scénario : Nate Parker, Jean McGianni Celestin
Montage : Steven Rosenblum
Photo : Elliot Davis
Décors : Geoffrey Kirkland
Durée : 120 min

Casting :
Nate Parker : Nat Turner
Esther Scott : Bridget Turner
Aja Naomi King : Cherry
Aunjanue Ellis : Nancy Turner
Mark Boone Junior : le révérend Walthall
Armie Hammer : Samuel Turner

Préserver un enfant des sujets les plus dramatiques de l’existence est naturel et lui permet de grandir dans une insouciance qu’il aurait trop vite fait de perdre. Malheureusement, être un enfant ne protège pas de tout. La réalité s’impose parfois avec ce qu’elle a de plus dramatique. Les lecteurs de Bettelheim savent bien que les contes de fée ont été inventés pour préparer les plus jeunes à affronter la mort, la perte, le deuil. Quelques Minutes Après Minuit se situe dans cette lignée. Adapté d’un roman jeunesse de Patrick Ness, qui signe aussi le scénario, le film de Juan Antonio Bayona mêle habilement un vrai sens de la poésie avec une dure réalité.

Quelques Minutes Après Minuit est remarquablement écrit. Il nous conduit sans que l’on s’y attendre vers un dénouement très fort. Si le corps du film laissera sans doute indifférent certains yeux d’adultes blasés, la conclusion ne peut qu’émouvoir. On est très loin des propos lénifiants et plein de bons sentiments que l’on peut craindre pour un tel sujet. Le recours à l’imaginaire n’est qu’un moyen pour nous amener vers la dureté de la réalité. Mais le film nous apprendra avant tout que l’affronter est le meilleur moyen pour avancer. Il ne cherche en rien à nous tirer des larmes de crocodile en nous balançant du drame à tout va, mais nous délivre une belle leçon de vie.

Quelques Minutes Après Minuit est aussi remarquablement réalisé. Il bénéficie d’effets spéciaux sublimes et les passages où l’imaginaire prend le dessus paraissent aussi réels que les scènes plus classiques. Cela permet au spectateur de rentrer totalement dans cette histoire et de se concentrer sur le message qui reste l’essentiel de ce film. Le très beau casting tire clairement le film tout entier vers le haut. Il s’agit d’un vrai conte cinématographique. Et on sait à quel point les contes sont les histoires les plus à même de traverser les époques et marquer profondément l’imaginaire collectif.

LA NOTE : 14/20

Fiche technique :
Production : River Road Entertainment, Participant Media, Lionsgate, Focus Features, Apaches Entertainment
Distribution : Metropolitan FilmExport
Réalisation : Juan Antonio Bayona
Scénario : Patrick Ness, d’après son livre
Montage : Jaume Marti, Bernat Vilaplana
Photo : Oscar Faura
Décors : Pilar Revuelta, Eugenio Caballero
Musique : Fernando Velasquez
Durée : 108 min

Casting :
Lewis MacDougall : Conor
Sigourney Weaver : la grand-mère
Felicity Jones : la mère
Toby Kebbell : le père
Liam Neeson : le monstre
James Melville : Harry
Dominic Boyle : Anton
Geraldine Chaplin : la directrice d’école

Je pense être le critique cinématographique qui parle le plus des bande-annonces. Mais n’étant pas journaliste et n’étant pas invité à des avant-premières de presse, je vais au cinéma comme tout le monde et cela reste le vecteur principal qui me fait découvrir les films sur le point de sortir et qui me donne, ou pas, envie de voir un film. Celle de Primaires ne me disait rien, malgré mon amour réel pour Sara Forestier. Mais il ne faut évidemment pas s’arrêter là car elle ne donne que trop rarement une image fidèle du film. Et c’est bien le cas ici.

Soyons honnêtes, les bons sentiments que l’on pouvait redouter en visionnant la bande-annonce sont loin d’être absents de Primaire. Les sabots sont parfois un peu gros, les ficelles ressemblent parfois à de la corde. Mais voilà, cela fonctionne. Surtout que ceci est largement rééquilibré par une vraie dureté, pour ne pas dire une violence réelle. Etre enseignant revient à être confronté parfois directement à des situations dont la plupart des être humains normalement lâches se détourneraient à la première occasion. Cela est évidemment d’autant plus difficile quand elles touchent de jeunes enfants.

Primaire est donc une ode à tous les enseignants courageux et volontaires. Le film lance au passage quelques petites pics contre le système. Le film est donc un peu militant, mais surtout avant tout humaniste. Tour à tour drôle, touchant, émouvant et donc également dur, il passe peut-être parfois par des situations un peu extrêmes, pas forcément représentatives. Mais la démonstration atteint son but. On retient avant tout le meilleur car l’optimisme prédomine. Un joli film donc, que l’on prend plaisir à aimer sans être, un peu comme l’école, idyllique.

LA NOTE : 13/20

Fiche technique :
Réalisation : Hélène Angel
Scénario : Hélène Angel, Yann Coridian, Olivier Gorce et Agnès de Sacy
Musique : Philippe Miller
Montage : Sylvie Lager, Christophe Pinel et Yann Dedet
Photographie : Yves Angelo
Décors : Tibor Dora
Costumes : Catherine Rigault
Producteur : Hélène Cases
Durée : 105 minutes

Casting :
Sara Forestier : Florence Mautret
Vincent Elbaz : Mathieu
Patrick d’Assumçao : M. Sabatier
Guilaine Londez : Mme Duru
Olivia Côte : Marlène Peillard
Lucie Desclozeaux : Laure
Frédéric Boismoreau : Rémy
Ghillas Bendjoudi : Sacha Drouet
Denis Sebbah : M. Hadjaj
Laure Calamy : Christina Drouet
Anne Bouvier : la mère de Charlie
Antoine Gouy : le père de Denis
Nabiha Akkari : une enseignante

Si les biopics sont devenus légions sur nos écrans et ce depuis plusieurs années déjà, il en existe de deux types. Les plus nombreux parlent directement et quasiment uniquement du personnage historique central dont le film raconte l’histoire. D’autres, comme le Dernier Roi d’Ecose ou Life, parlent avant tout de quelqu’un les ayant fréquentés de près. Une sorte de portrait indirect, à travers la façon dont ils ont influencé le destin de ceux qui les ont croisés. Neruda se situe entre les deux. S’il raconte assez directement la manière dont le poète a fui la répression, il parle tout autant du policier qui le poursuivit inlassablement.

Neruda a donc l’immense le mérite de sortir quelque peu des sentiers battus dans un genre devenu un lieu en commun en lui-même. C’est donc avec un vrai plaisir et un œil curieux que l’on parcours ce film. Il serait vraiment dommage de coller une étiquette définitive à ce film qui n’est ni un biopic, ni un polar, ni un film historique… mais tout à la fois, ou même plus que ça. Cela permet de vite oublier les quelques longueurs, quand Pablo Larrain laisse un peu trop ses acteurs cabotiner.

Cependant, Luis Gnecco et Gael Garcia Bernal forment un duo d’acteurs assez formidables pour que là aussi le spectateur soit totalement indulgent. Ils proposent quelques beaux moments de grâce dramatique par leur interprétation. Deux personnages différents qui aboutissent à deux performances très différentes, l’exubérance pour l’un, la détermination froide pour l’autre, mais un point commun : le talent ! Ils tirent le film vers le haut et en fait le vrai point de départ de cette année cinématographique.

LA NOTE : 13/20

Fiche technique :
Production : Peter Danner, Juan de Dios Larrain
Réalisation : Pablo Larraín
Scénario : Guillermo Calderón
Montage : Hervé Schneid
Photo : Sergio Armstrong
Décors : Estefania Larraín
Distribution : Wild Bunch Distribution
Son : Miguel Hormazabal
Musique : Federico Jusid
Durée : 108 min

Casting :
Luis Gnecco : Pablo Neruda
Gael Garcia Bernal : Oscar Peluchonneau
Alfredo Castro : Gabriel González Videla
Pablo Derqui : Víctor Pey
Mercedes Morán : Delia del Carril
Marcelo Alonso : Pepe Rodríguez

Les débutants sont connus pour avoir de la chance. Mais ils font plus souvent preuve de maladresse. On pardonne donc facilement des débuts hésitants. Je n’en veux donc pas outre mesure à 2017 d’avoir ouvert cette année cinématographique (du moins pour ma part) par un film que l’on va qualifier de très moyen, pour ne pas être désagréable plus que de raison. Nocturial Animals ne restera donc pas dans les mémoires quand il s’agira, dans 12 mois, de tirer le bilan de l’année.

Nocturial Animals est original par la forme. Croiser deux histoires dont le lien n’a rien d’évident n’est pas non plus le procédé de narration le plus innovant qui soit, mais il faut admettre qu’il reste tout de même utilisé avec parcimonie. Les enchaînements entre les deux récits démontrent toutes les qualités de cinéaste de Tom Ford, entrevues dans son premier film, A Single Man. D’ailleurs, la réalisation reste particulièrement élégante, brillante même par moment. Il possède un vrai sens de l’image et sait se servir de ses qualités pour créer une réelle tension narrative.

Cependant, croiser de manière habile deux histoires quand ces dernières n’ont ni l’une, ni l’autre un intérêt démesuré (léger euphémisme), ne permet pas à un film d’être réellement passionnant. C’est bien le problème de Nocturial Animals. Le fond du récit ne suit pas du tout les qualités incontestables de la forme. Si on ne s’ennuie jamais vraiment, on ressort du film passablement frustré, ayant attendu désespérément le moment où tout prendrait un sens supplémentaire. Or, tout s’achève assez brutalement, laissant le spectateur quelque peu circonspect. Et quelque peu déçu également.

LA NOTE : 10/20

Fiche technique :
Production : Artina Films, Fade to Black Productions, Focus Features, Focus Features
Distribution : Universal Pictures International France
Réalisation : Tom Ford
Scénario : Tom Ford, Robert Salerno, d’après le roman « Tony et Susan » d’Austin Wright
Montage : Joan Sobel
Photo : Seamus McGarvey
Décors : Shane Valentino
Musique : Abel Korzeniowski
Costumes : Arianne Phillips
Durée : 117 min

Casting :
Amy Adams : Susan Morrow
Jake Gyllenhaal : Tony Hastings, Edward Sheffield
Michael Shannon : Bobby Andes
Aaron Taylor-Johnson : Ray Marcus
Isla Fisher : Laura Hastings
Armie Hammer : Hutton Morrow
Ellie Bamber : India Hastings
Laura Linney : Anne Sutton
Michael Sheen : Carlos

Si le « Printemps Arabe » et ses prolongements auront marqué profondément ce début de XIXème siècle, son équivalent cinématographique se fait doucement mais sûrement. Après le Maroc avec Much Loved, Hedi nous emmène en Tunisie au cœur de toutes les lourdeurs des traditions et d’une forme de pression familiale qui prennent le pas sur la simple quête du bonheur. Un film caractérisé par une trame simple, un propos clair, mais malheureusement un dénouement pas totalement convaincant.

La simplicité ne représente ni un défaut, ni une vertu. Mais il impose un certain niveau d’exigence car il n’y aura pas de superflu pour rattraper un essentiel défaillant. Hedi n’est pas un film raté dans le sens où il délivre de manière franche un propos loin d’être caricatural. Rarement une histoire n’aura été aussi peu manichéenne. Tout le monde veut le bonheur de tout le monde, mais quand tout le monde n’en a pas la même conception, cela aboutit à des situations où seul la tristesse demeure.

Mohamed Ben Attia ne semble pas bien savoir comment achever son propos. Il choisit une fin pas moins cohérente qu’une autre, mais d’une manière assez brusque, comme s’il n’était pas lui même convaincu de son choix. Cela prive le film d’une véritable conclusion qui aurait pu apporter un surcroît de profondeur à la réflexion. Du coup, Hedi est plus une simple photographie d’une société qu’un vrai film humaniste sur les ressorts universels du bonheur.

LA NOTE : 11/20

Fiche technique :
Production : Nomadis images, Les films du fleuve
Distribution : Bac films
Réalisation : Mohamed Ben Attia
Scénario : Mohamed Ben Attia
Montage : Azza Chaabouni
Photo : Frédéric Noirhomme
Musique : Omar Aloulou
Durée : 93 min

Casting :
Majd Mastoura : Hedi
Rym Ben Messaoud : Rim
Sabah Bouzouita : Baya
Omnia Ben Ghali : Khedija
Hakim Boumsaoudi : Ahmed

Le 7ème art permet de voyager tout atour du monde. Il permet de visiter bien des pays, de plonger au cœur de bien de sociétés, de réalités loin de nos yeux d’Occidentaux aux prétentions constantes d’universalisme. Le Cambodge n’est pas une destination forcément très fréquentée sur nos écrans, mais Diamond Island constitue une bonne occasion de s’y rendre et de découvrir le quotidien de ses habitants et les fossés qui traversent sa population. Un voyage d’autant plus plaisant qu’il se fait à travers un film plutôt réussi.

Diamond Island reprend l’histoire éternelle des romans d’apprentissage. Le provincial, un rien bouseux, qui débarque à la capitale. Que ce soit Paris ou Phnom Penh, que ce soit aujourd’hui ou au XVIIIème siècle, les ressorts sont les mêmes. La trame du scénario ne réserve donc pas d’immenses surprises et peut être facilement considérée comme très classique. L’intérêt est ailleurs, dans ce dépaysement, dans cette découverte propre au Cambodge, même si là encore les parallèles avec d’autres lieux ou d’autres époques peuvent être facilement établis. Cela n’enlève rien cependant à l’intérêt du film et de son propos.

Diamond Island bénéficie de plus d’une photographie soignée. La lumière est parfaitement utilisée pour sublimer telle ou telle situation et les images en disent souvent plus que les dialogues. Un vrai sens de l’image, mais jamais au détriment du propos. La camera ne montre pas que la beauté, mais bien la réalité tout entière, mais il le fait avec un sens aigu de l’esthétisme. Les acteurs sont eux aussi parfaits, ce qui prouve encore une fois que la planète entière est peuplée de formidables comédiens. Encore une autre raison de voyager !

LA NOTE : 13/20

Fiche technique :
Réalisation : Davy Chou
Scénario : Davy Chou en collaboration avec Claire Maugendre
Direction artistique : Kanitha Tith
Décors : Samnang Pak
Costumes : Samphors Chorn
Photographie : Thomas Favel
Son : Vincent Villa
Montage : Laurent Leveneur
Musique : Jérémie Arcache et Christophe Musset
Production : Charlotte Vincent
Durée : 99 minutes

Casting :
Sobon Nuon: Bora
Cheanick Nov : Solei
Madeza Chhem : Aza
Mean Korn : Dy
Samnang Nut : Virak
Samnang Khim : Lakena
Samnang Meng : Mesa
Jady Min: Lida
Sreyroth Dom : James
Batham Oun : Blue
Sleyleap Hang : Pinky
Phara Phon : Ana

Ah l’amour ! Quoi de mieux pour une première critique en 2017 que de parler d’une belle histoire d’amour. Je suis donc heureux d’aborder ici Your Name, film d’animation japonais qui restera une des  belles romances de l’année écoulée. Si vous avez vu la bande-annonce, vous pensez d’ailleurs avoir déjà plus ou moins déjà vu le film. Et bien que nenni ! Le scénario propose bien des développements et des rebondissements inattendus. Mais pas que…

En effet, le seul petit défaut de Your Name est une fin qui s’étire quelque peu en longueur pour nous emmener vers une dénouement cousu de fil blanc. Cela ne gâche évidemment pas tout ce qui a précédé, mais cela donne une impression de relâchement dans l’écriture d’un scénario totalement maîtrisé jusqu’alors. Car il s’agit bien d’une très belle histoire, riche, originale et parfois surprenante qui nous ait proposée. Le film possède la naïveté d’une comédie romantique, mais avec une réelle poésie et un peu d’ésotérisme qui lui donnent une réelle personnalité.

Graphiquement, Your Name est typique de l’animation japonaise pour « adulte », même si les personnages sont adolescents. Pas de surprise à ce niveau-là, pas de raison de s’enthousiasmer outre-mesure, mais c’est assez joli pour parcourir cette histoire en en profitant pleinement. Les personnages sont attachants, ce qui est totalement indispensable pour une histoire d’amour. C’est par eux que passe cette réelle pointe d’émotion qui fait de ce film une belle façon de finir l’année 2016 ou bien de commencer 2017.

LA NOTE : 13,5/20

Fiche technique :
Production : Toho, CoMix Wave Films, Kadokawa, Amuse Inc
Distribution : Eurozoom
Réalisation : Makoto Shinkai
Scénario : Makoto Shinkai
Musique : Radwimps
Durée : 106 min

Casting :
Ryûnosuke Kamiki : Taki
Mone Kamishiraishi : Mitsuha
Ryô Narita : Katsuhiko
Aoi Yuki : Sayaka