Si j’ai parlé de surprises multiples lors de ma critique précédente, consacrée à la Grande Aventure Lego, je vais au contraire mettre en avant la constance pour vous parler de Only Lovers Left Alive, le dernier film de Jim Jarmush. Ce dernier, s’il nous raconte toujours des histoires très différentes, possèdent un style particulièrement caractéristique et ce n’est pas ce film qui va changer la donne.

Only Lovers Left Alive est donc un film lent, onirique, beaucoup plus poétique que basé sur une réelle intrigue. Bref, du Jim Jarmush dans le texte ! Il faut bien avouer le film a un peu de mal à démarrer et on s’ennuie quelque peu pendant les premières minutes. Puis, une fois que les deux personnages principaux, magnifiquement interprétés par Tilda Swinton et Tom Hiddelson, sont réunis, on se laisse séduire par cette ambiance un rien psychédélique et décalée.

Only Lovers Left Alive nous présente des vampires bien loin de l’univers de Twillight… même si en fait je n’ai jamais vu Twillight, alors je ne suis pas super bien placé pour juger. On assiste à une belle histoire d’amour entre deux êtres dont l’univers semble s’écrouler autour d’eux, comme s’ils n’appartenaient plus vraiment à cette époque, à ce monde. Très certainement un sentiment souvent ressenti par Jim Jarmush lui-même, tant il traverse toute son œuvre.

LA NOTE : 12/20

Faire un film à partir de personnages Lego, voilà qui, à première vue, ne présageait à rien d’autre qu’un vulgaire produit marketing médiocre et sans âme. Mais les amateurs de jeux vidéos savaient déjà que ces petites têtes jaunes peuvent être le support de créations très réussies et surtout bourrées d’un humour second degré particulièrement efficace. La bande-annonce de La Grande Aventure Lego était déjà très drôle, mais on pouvait craindre qu’elle nous présente tous les moments dignes d’intérêts de ce film. Il n’en est rien et on tient là peut-être la plus grosse surprise de ce début d’année.

Ils étaient sûrement peu nombreux à être prêts à parier que la Grande Aventure Légo obtiendrait une moyenne de 4,1/5 chez les critiques et 4/5 et chez les spectateurs sur Allociné. C’est dire si le pari est réussi. Et il l’est pour une raison principale : le film est très drôle. Vraiment très drôle même, lorsque l’on a soi-même passé une partie de son enfance à jouer avec les célèbres petites briques. Les auteurs ont su multiplier les clins d’œil à un tas de toutes petites choses qui vont parler à ceux qui sont dans cette situation, le tout avec un humour et une subtilité étonnants. Si on ajoute à ça beaucoup de références hilarantes à l’univers geek, on obtient ce résultat particulièrement jouissif !

De plus, la Grande Aventure Légo est porté par un scénario beaucoup plus riche, solide et inattendu que ce que l’on pouvait imaginer. On va donc de surprises en surprises, quand graphiquement le film est lui aussi très créatif, à défaut d’être vraiment beau. Bref, tout les éléments se situent à un niveau très élevé et qui mérite un vrai respect artistique. On est face à du vrai cinéma et non une pub géante pour l’entreprise danoise. Allez si on doit faire une seule critique, c’est peut-être une légère longueur excessive, même si on ne boude pas une seule seconde son plaisir.

LA NOTE : 14,5/20

Lorsque j’ai vu la bande-annonce d’Ida, film polonais en noir et blanc, parlant d’une nonne orpheline, je me suis dit que je n’irai sûrement pas voir ce film sous peine de devoir acheter des anti-dépresseurs à la pelle en sortant. Mais, si dans la vie j’ai parfois un peu de mal à admettre que j’ai eu tort, en matière de cinéma, il m’arrive de revenir sur mes décisions. J’ai donc fini par me laisser convaincre par les critiques très élogieuses et je ne le regrette pas.

Déjà parce que Ida n’est pas aussi sinistre que la bande-annonce le laissait penser. Certes, on ne se bidonne pas toutes les deux minutes et on n’en ressort pas vraiment le cœur léger et plein d’entrain. Cependant, le film est aussi parfois parcouru par quelques ondes positives qui participent largement à donner de l’épaisseur au personnage et à faire naître un grand attachement chez le spectateur. On est forcément touché par cette femme qui n’a rien connu qu’un isolement austère et qui se confronte au monde pour en savoir plus sur ses origines.

La réalisation en noir et blanc est d’une sobre élégance. Le procédé n’est pas le plus original qui soit et l’utiliser fait un peu « je veux faire film d’auteur, mais je n’ai pas d’imagination ». Mais il colle très bien avec l’ambiance générale d’Ida et Pawel Pawlikowski fait preuve d’une réelle maîtrise esthétique. Cependant, malgré toutes ces qualités, il n’arrive pas toujours à rendre son film totalement passionnant, même s’il réserve quelques moments de grâce et nous touche assez pour nous permettre de vivre une belle rencontre.

LA NOTE : 12,5/20

En ce début d’année, on beaucoup parlé du Crocodile de Botswanga, comédie française qui nous parlait de l’Afrique avec humour et second degré. On a par contre malheureusement assez peu parlé des Rayures du Zèbre, qui sur un ton un peu plus sérieux néanmoins, nous emmenait aussi de l’autre côté de la Méditerranée. C’est vraiment regrettable car ce film regorge de qualités et ne méritait pas de passer aussi peu inaperçu.

Les Rayures du Zèbre est une vraie comédie dramatique. On rit beaucoup et on pleure aussi un peu. C’est un film riche, où l’humour n’empêche pas une certaine profondeur, voire une certaine gravité. Un regard tendre sur les travers des deux mondes et sur ces personnages à la fois si distants et si proches. Un film qui a aussi le mérite d’aller à l’essentiel (il dure 1h20 seulement) pour ne jamais diluer son propos dans du superflu. On ne peut donc que saluer le travail de Benoît Mariage, à la réalisation et au scénario, qui nous avait déjà séduit il y a dix ans avec les Convoyeurs Attendent.

Les Rayures du Zèbre confirme le talent polymorphe de Benoît Poelvoorde. Un rôle taillé à sa mesure où il peut exprimer toute sa force comique, mais aussi dramatique. Un grand acteur quand il est correctement dirigé et c’est bien le cas ici. Ce film confirme aussi la très bonne santé du cinéma belge qui nous offre chaque année de beaux moments d’une grande richesse.

LA NOTE : 14/20

Les éléments d’un polar noir à la françaises sont souvent les mêmes. Un flic flirtant avec la légalité, hanté par son passé, des histoires de vengeance qui le pousse à certaines extrémités… Pourtant, on ne s’en lasse pas quand c’est bien fait. Mais quand un réalisateur, Fred Cavayé en l’occurrence, les utilise deux fois de suite de manière extrêmement similaire, on est en droit de crier à l’imposture. Surtout qu’autant A Bout Portant était un particulièrement convaincant, autant Mea Culpa souffre de trop de faiblesses pour entraîner l’adhésion du spectateur.

 Mea Culpa est un film raté dans à peu près toutes ses dimensions. L’intrigue est faiblarde, sans imagination et au final assez peu crédible. Les personnages semblent sortis d’un concours de poncif pour scénaristes sans talent. L’ambiance sombre tire plutôt sur la grisaille. Et si Fred Cavayé garde une certaine maîtrise dans la réalisation de scènes d’action, il se heurte quand même à un manque de moyens évidents. Enfin, tous ceux qui ont vu A Bout Portant auront une impression constante de déjà-vu… en beaucoup moins bien.

Mea Culpa ne présente donc qu’un intérêt limité et ne confirme pas le potentiel d’un réalisateur dont on pensait qu’il pouvait durablement injecter un peu de sang neuf dans le monde du polar noir à la française. Mais si au troisième film, il en est déjà à s’auto-parodier, on peut craindre que son inspiration soit déjà épuisée. Espérons qu’il me fasse mentir avec son prochain film.

LA NOTE : 7/20

Quand on parle de bande-originale, on pense évidemment à la musique qui vient se poser sur les images d’un film. La musique de Jack et la Mécanique du Cœur a pourtant d’abord été la bande-originale du roman du même nom, écrit par Mathias Malzieu, le chanteur de Dionysos. Cependant, tout le monde imaginait que le film verrait alors rapidement le jour. Cela a été un peu plus long que prévu, mais l’attente a pris fin avec la sortie sur grand écran d’un très beau film d’animation.

Tous ceux qui apprécient l’album depuis longtemps seront donc heureux de découvrir l’univers visuel qui accompagne cette musique. Personnellement, je n’ai pas lu le roman donc j’ai eu aussi le plaisir de découvrir l’histoire qui relie les chansons entre elles. Une très belle histoire d’amour, mélancolique et très émouvante. Jack et la Mécanique du Coeur ne constitue pas un simple prétexte pour mettre en avant la musique et on sent bien que c’est le récit littéraire qui a précédé les images et le son.

Jack et la Mécanique du Coeur est visuellement très réussi, avec une vraie personnalité dans l’animation qui n’a pas cet aspect froid lié à l’utilisation à outrance de l’ordinateur. Elle colle vraiment à l’ambiance crée par ailleurs par la musique et l’histoire. Elle met parfaitement en valeur la grande sensibilité du récit et l’imagination débordante de son auteur. Il y a une vraie synergie entre tous les éléments qui concourent à faire de ce film une belle réussite.

LA NOTE : 13/20

Autre nommé aux Oscars, 12 Years A Slave. Et là encore, il serait dommage de passer à côté. Il ne fait pas partie des favoris pour rien ! Une nouvelle preuve de la formidable capacité du cinéma hollywoodien à nous raconter avec brio la grande Histoire à travers le parcours d’un seul homme, qui aurait pu être anecdotique s’il ne mettait en pleine lumière un contexte qui ne l’est pas du tout.

Steve McQueen a parfaitement réussi son passage de l’autre côté de l’Atlantique. La dureté dont son cinéma sait faire preuve, sa capacité à filmer la souffrance ne se sont pas édulcorées, alors qu’il bénéficie de moyens nettement plus importants. Il nous propose certes une mise en scène peut-être plus formatée, mais c’est pour rendre plus accessible un propos qui ne fait guère de concession. Evidemment, on ne pourra jamais prendre toute la mesure de ce que ces hommes et ses femmes ont pu vivre, mais 12 Years A Slave le montre d’une manière très crue. On est loin d’Autant En Emporte le Vent…

12 Years A Slave devrait remporter quelques statuettes ce soir. Et on peut déjà parier que son casting lui en vaudra quelques unes. Lupita Nyong’O est souvent citée parmi les favorites dans sa catégorie et sa victoire n’aurait rien d’imméritée. Elle sera sûrement plus difficile à remporter pour Chivetel Ejiofor ou Michael Fassbender, mais là encore il n’y aurait pas de scandale. Et quand on sait que Brad Pitt complète cette distribution, on se dit qu’il n’y a pas décidément pas de grand film sans grands comédiens.

Après Django Unchained et Le Majordome, l’Amérique n’en finit pas de nous livrer de grands films sur la face sombre (sans mauvais jeu de mots!!!) de son passé ! Un exorcisme qui ravit tous les cinéphiles.

LA NOTE : 15,5/20

Nommé pour l’Oscar du meilleur film, American Bluff est passé quelque peu inaperçu sur nos écrans. Et c’est bien dommage ! Ce film typiquement hollywoodien met parfaitement en valeur un formidable casting. Il confirme surtout tout le talent de David O. Russel, qui semble une ampleur supplémentaire à chacun de ses films. Vivement le prochain !

American Bluff (« traduction » de American Hustle… bon passons…) manque peut-être parfois un peu de rythme et son classicisme est peut-être un peu trop classique. Mais une telle maîtrise et un scénario aussi solide ne peuvent donner qu’un résultat convaincant et fort distrayant. Certes, les moments de grâce sont peut-être un peu trop ponctuels, entraînant un tout petit rien de frustration chez le spectateur, il serait dommage de bouder son plaisir.

American Bluff brille quand même avant tout par son casting particulièrement flamboyant. Excusez du peu : Christian Bale, Bradley Cooper, Robert De Niro, Jeremy Renner… Mais c’est du côté des actrices que se trouvent les performances les plus impressionnantes. Amy Adams est magnifique et que dire de Jennifer Lawrence. Ok, je ne suis pas toujours objectif sur cette comédienne que j’idolâtre de plus en plus, mais j’ai été heureux de voir que de nombreuses critiques ont salué sa prestation.

Sans être totalement bluffant, American Bluff est quand même un film de grand classe, où le talent débord de partout.

LA NOTE : 14/20