Thriller, film d’action et cinéma français, voici des notions qui ne se sont que rarement mariés. Et encore moins souvent, pour des mariages heureux. Guillaume Canet a pourtant montré la voie avec son formidable Ne le Dis à Personne. Fed Cavayé emprunte le même chemin avec A Bout Portant, avec un film rare pour le cinéma hexagonal.

Samuel est aide-soignant, sur le point de devenir papa et de passer le concours d’infirmier. Un jour, un truand blessé par balles est amené dans son service. Peu après, il s’interpose face à un homme visiblement venu pour achever le blessé. Il pense alors avoir simplement accompli un geste héroïque. Mais son geste va le plonger dans un cauchemar de plus en plus profond et mettra en danger la vie de sa femme et de son futur enfant.

Si A Bout Portant est relativement enthousiasmant, c’est que l’on ne s’attend vraiment pas à ça pour un film français. Le cinéma hexagonal n’est pas avare en très bon polar, mais ils prennent souvent la forme de film noir, doté d’une bonne dose de psychologie. Ils brillent rarement par leurs rebondissements incessants et leur rythme échevelé. C’est pourtant le cas de ce film parfaitement maîtrisé et particulièrement réussi.

Alors évidemment, on peut toujours rechigner en disant que si ce film avait été une production hollywoodienne, il aurait été jugé réussi certes, mais relativement classique. Objectivement, ces remarques sont fondées, mais on peut tout de même se réjouir d’en voir naître une bien de chez nous, avec un fond culturel qui nous parle réellement, même si ceux des films américains nous sont aussi, à force, parfaitement familiers.

Le parallèle avec Ne le Dis à Personne est difficilement évitable sur bien des points. Certes, le scénario de A Bout Portant est nettement plus basique. Mais certaines scènes d’action, dont notamment une poursuite à pied haletante, ressemblent presque à un clin d’œil. Et oui, en France, on ne donne peut-être pas dans le délire pyrotechnique ou la destruction massive de voitures, mais on sait tout de même réaliser des scènes d’action qui tiennent la route et ne sont pas loin, parfois, de littéralement nous scotcher au fauteuil.

Comme je l’ai évoqué, la plus grande limite de A Bout Portant reste son scénario. Niveau rythme, il n’y a vraiment rien à dire et il faut vraiment le souligner car c’est souvent là où pêchent bien des productions hexagonales. Les rebondissements sont nombreux, mais sans jamais nous prendre totalement au dépourvu. Mais sa vraie faiblesse reste dans ses personnages, qui même s’ils peuvent nous inspirer une réelle sympathie ou au contraire une forte antipathie, il faut bien avouer qu’ils ne présentent pas non plus un intérêt fantastique. Certains pourront donc dire que le film abandonne ici ce qui fait d’habitude la force du cinéma français. Mais que voulez-vous on ne peut pas tout avoir, même au cinéma… Enfin si, ça arrive, mais tous les quatre matins non plus.

La relative faiblesse des personnages entraîne du coup une interprétation qui ne reste parfois au ras du cliché. Gilles Lellouche, quelque peu à contre emploi, et Gérard Lanvin, dans un rôle par contre tout à fait classique pour lui, n’économisent guère leur énergie, mais ils ont bien du mal à donner de l’épaisseur à leurs personnages respectifs. Mais heureusement, Roschdy Zem est là. Il est certes aidé par un rôle nettement plus ambiguë et complexe que ses deux compères, mais il faut reconnaître qu’il est réellement en train de devenir un très très grand acteur au registre extrêmement large et il le prouve ici une nouvelle fois.

A Bout Portant a donc réussi là où la plupart des productions Besson se plantent. Certes, ce n’est pas du grand cinéma, il possède bien des imperfections, mais aussi énormément de qualités. Et des qualités rares par chez nous !

Fiche technique :
Production : LGM films, Gaumont
Distribution : Gaumont
Réalisation : Fred Cavayé
Scénario : Fred Cavayé, Guillaume Lemans
Montage : Benjamin Weill
Photo : Alain Duplantier
Son : Pierre Mertens, Alain Feat, Marc Doisne
Musique : Klaus Badelt
Durée : 85 mn

Casting :
Gilles Lellouche : Samuel
Roschdy Zem : Hugo Sartet
Gérard Lanvin : Commandant Werner
Elena Anaya : Nadia
Mireille Perrier : Commandant Fabre
Claire Perot : Capitaine Susini
Valérie Dashwood : Capitaine Moreau

La mode est visiblement aux vieux sur le retour. Après, le très musclé, mais très réussi, the Expandables, voici Red, qui lui joue beaucoup plus la carte de la comédie parodique. Leur point commun : Bruce Willis. Mais s’il ne faisait qu’une courte apparition dans le premier, il est ici l’acteur principal d’un casting particulièrement réjouissant. Au final, on obtient un film très drôle et très divertissant.

Franck Moses est un relativement jeune retraité dans une banlieue américaine sans histoire. Son seul rayon de soleil : appeler sous n’importe quel prétexte sa conseillère de sa caisse de retraite, qu’il n’a jamais vu, mais avec qui il flirte allégrement. Mais un jour, un commando de tueurs débarque chez lui et lui rappelle qu’il n’y pas si longtemps, il était encore un des agents les plus efficaces de la CIA.

Red est symbolique d’un nouveau style de parodie, largement influencé par le cinéma de Quentin Tarantino. Un genre parodique, mais réalisé exactement comme les films du genre dont il se moque. Il ne s’agit donc pas d’une grosse farce à la Y’a-t-il un Pilote dans l’Avion, qui se moquait alors de la mode des films catastrophes. Non il s’agit d’un vrai film d’action, avec un rythme, un scénario, des scènes typiques du genre, mais parsemés d’éléments comiques entre premier et second degré.

Et Red est une réussite sur les deux plans. Les scènes d’action sont tournées avec talent. Ni trop longues, ni trop courtes, filmées sans génie, mais sans les transformer en clip vidéo, elles agrémentent le film et permettent au spectateur de ne pas s’ennuyer une seule seconde. Le tout est porté par un scénario certainement pas révolutionnaire, qui ne vous fera pas mal à la tête, mais qui vous divertira pendant 1h50.

L’aspect comique est lui aussi à la hauteur. Il repose principalement sur deux acteurs. D’un côté, Helen Mirren nous livre un personnage pince-sans-rire dont l’humour au second degré est un vrai régal. On en attendait pas moins d’une actrice qui a été primée à la fois aux Oscars, à Cannes et à Venise au cours de sa longue carrière, excusez du peu. A l’opposé, le grand John Malkovitch apporte lui un humour très premier degré, mais livré avec le talent qu’on lui connaît. Si tous les personnages avaient été comme lui, Red aurait été tout simplement insupportable et lourdingue, mais là, il apporte avant tout une touche de fraîcheur et de vrais éclats de rire.

Mais le vrai couple vedette de Red est bien sûr le duo Bruce Willis – Mary Louise Parker. Pour le premier, pas de surprise, il nous livre une prestation chargée de son charisme habituel et de son inimitable lever de sourcils pendant l’action. De toute façon, le film a clairement été taillé pour lui, il s’y sent donc particulièrement à l’aise. A ses côtés, les fans de Weeds seront heureux de retrouver une de leur héroïne préférée et ceux qui, comme moi, ont revu récemment Beignets de Tomates Vertes, se diront que la jeune fille est devenue une femme magnifique et charmante. Allez, soyons honnêtes, ce n’est pas la plus grande actrice de l’histoire du 7ème art non plus, mais ce film n’est pas non plus en lice pour l’Oscar.

Red reste donc un cocktail agréable d’humour et d’action. Un cocktail que j’ai bien failli ne pas goûter, tant la bande-annonce me faisait craindre le navet lourdingue. Il n’en est rien. On n’est pas ici face à un chef d’œuvre, mais face à un divertissement relativement réjouissant.

Fiche technique :
Production : Di Bonaventura Picturesa, Summit Entertainment, DC Entertainment
Distribution : SDN
Réalisation : Robert Schwentke
Scénario : Jon Hoeber, Erich Hoeber
Montage : Thom Noble
Photo : Florian Ballhaus
Format : 35mm
Décors : Alec Hammond
Musique : Christopher Beck
Effets spéciaux : James Madigan
Durée : 111 mn

Casting :
Bruce Willis : Franck Moses
Morgan Freeman : Joe Matheson
John Malkovich : Marvin Boggs
Helen Mirren : Victoria
Karl Urban : William Cooper
Mary-Louise Parker : Sarah
Brian Cox : Ivan simanov
richard Dreyfuss : Alexander Dunning
Ernest Borgnine : Henry

Adapter une œuvre littéraire au cinéma, mais en transposant l’histoire dans une toute autre époque que celle de l’œuvre originelle, constitue souvent un choix osé et sujet à polémique. Mais c’est aussi un moyen de montrer que les sentiments humains sont intemporels, en particulier l’amour. C’est ainsi que les Liaisons Dangereuses ont souvent été l’objet d’une telle transposition. Mais ce fut également le cas en 1949 de Manon Lescaut, porté au cinéma par Henri-Georges Clouzot sous le simple titre de Manon.

Un navire de marine marchande en pleine Méditerranée. A son bord, cachés dans la cale, des familles juives, réchappées du génocide, qui s’apprêtent à immigrer clandestinement en ce qui est encore appelé la Palestine. Mais aussi, un couple de passagers clandestins qui finissent par se faire prendre et sont emmenés dans la cabine du Capitaine. Là, l’homme est reconnu comme étant, Robert Desgrieux, un homme recherché pour meurtre. Il est alors décidé des les livrer à la police lors de leur escale à Alexandrie. Pour y échapper et convaincre le Capitaine de les débarquer avec les autres passagers, ils racontent leur histoire.

Le roman de l’Abbé Prévost avait été jugé scandaleux et condamné à être brûlé en 1733 et 1735. Il constitue une des œuvres les plus audacieuse de l’histoire de la littérature. Cette histoire d’amour « entre un fripon et une câtin » pour reprendre les mots de Montesquieu (oui, j’aime bien cité Montesquieu, comme ça, juste pour faire bien) ne correspondait pas vraiment aux canons de l’amour courtois alors en vigueur, en particulier sous la plume d’un ecclésiastique.

Deux siècles plus tard, de l’eau avait passé sous les ponts, mais il régnait encore un puritanisme très fort sur l’industrie cinématographique. Cela était certes moins vrai en France qu’à Hollywood, mais tout de même, on ne badinait pas impunément avec la morale. Mais ce n’était pas le genre de chose à arrêter Henri-Georges Clouzot, capable, en pleine occupation, de sortir un film, le Corbeau, dont le thème principal était la délation. Une vraie audace scénaristique, mais aussi visuelle puisque on peut voir dans Manon le sein nu de l’héroïne, chose quasi impensable pour l’époque.

Cette audace, cette noirceur, ce réalisme des sentiments auront peut-être choqué à l’époque, mais n’auront pas freiné le succès de Manon, récompensé notamment par le Lion d’Or au Festival de Venise. Il faut dire qu’au-delà des thèmes abordés, Henri-Georges Clouzot nous livre là un chef d’œuvre d’un esthétisme que seul permet le noir et blanc. Ce dernier, au cinéma comme pour la photographie, permet de réaliser des portraits à nul autre pareil. L’expressivité des personnages est sublimée, donnant parfois quelque peu l’impression que les acteurs surjouent. Mais à l’époque, sans effets spéciaux, où les décors de grande ampleur étaient réservés aux super-productions hollywoodiennes, les comédiens formaient le pilier central sur lequel devait s’appuyer tous les flims. Et Henri-Georges Clouzot n’a eu guère d’équivalent pour les mettre en valeur.

Manon possède d’ailleurs un casting riche. Axé autour d’un sublime trio Cécile Aubry – Michel Auclair – Serge Reggiani (dont on oublie trop souvent qu’il fut avant tout un immense acteur), il nous permet de profiter pleinement de cette histoire d’amour dramatique et intemporelle. Les plus cinéphiles s’amuseront aussi à retrouver un Michel Bouquet d’à peine 25 ans et même à assister aux débuts à l’écran de Rosy Varte… Mais si rappelez-vous, l’actrice qui interprétait Maggy à la télévision !

Manon nous parle donc de tout ce que les hommes d’aujourd’hui, d’hier et de demain sont prêts à faire par amour. Et quand cette histoire est racontée par un réalisateur qui n’aura été surpassé peut-être que par Orson Welles dans sa maîtrise technique du noir et blanc, cela donne un immense classique intemporel du cinéma français.

Parfois un réalisateur a une idée un peu folle. Une idée qui semble saugrenue et dont il est tentant de penser qu’elle ne se transformera jamais en film digne d’intérêt. Raconter une histoire en montant les scènes dans un ordre chronologique inverse ? Vous n’y pensez pas… Et pourtant, cela a donné Memento, le premier chef d’œuvre de Christopher Nolan. Tournez un film qui se passerait uniquement à l’intérieur d’un cercueil, uniquement éclairé au briquet ou à l’écran de portable ? Inimaginable… Pourtant Rodigro Cortes l’a osé et nous offre ce formidable Buried.

Paul Conroy est chauffeur de poids-lourd en Irak. Après que son convoi ait été attaqué, il reprend connaissance enfermé dans un cercueil, enterré sous une bonne couche de sable. Son seul lien avec le monde extérieur : un téléphone portable dont la batterie n’est pas éternelle.

Pour Buried, Rodigro Cortes a du faire face à deux défis. Le premier est relativement technique. Comment varier les plans dans un espace aussi exiguë ? Essayez de prendre en photo sous différents angles une pièce de dimension modeste et vous comprendrez très vite les difficultés rencontrées.

Mais le défi va ici encore plus loin. Il ne s’agit pas uniquement de nous montrer ce qui se passe, mais de nous faire partager les angoisses du personnage. Et à ce niveau, la réussite est au rendez-vous. Buried est un film à déconseiller à toute spectateur atteint de claustrophobie. Le film s’appuie énormément sur cette peur relativement primale. Rodigro Cortes n’est pas le premier à s’y essayer, mais il pousse le concept à l’extrême, tout en gardant une parfaite maîtrise. Il ne s’agit pas d’un film expérimental, mais simplement d’une idée audacieuse exploitée à son maximum. L’espace, la lumière et le son sont totalement appréhendés pour servir le propos du réalisateur.

Le second défi consistait dans l’écriture d’un scénario qui nous offre assez de rebondissements pour maintenir l’intérêt du spectateur du bout en bout. C’était sans doute là la clé qui pouvait faire basculer Buried d’un côté ou de l’autre de la réussite. Sans être génial dans son contenu, le scénario déploie assez d’intelligence pour que le challenge soit parfaitement relevé. Son plus grand mérite réside dans sa capacité à faire monter la pression peu à peu jusqu’à un final de toute beauté. Cette histoire n’était sûrement pas facile à conclure et une fin ratée aurait pu tout gâcher. Heureusement, il n’en est rien, bien au contraire.

Rarement un film n’aura reposé autant sur un seul acteur. Dans le cercueil, il n’y a pas de place pour deux et Ryan Reynolds est le seul acteur apparaissant à l’écran. Il dialogue avec d’autres acteurs qui ont prêté leur voix aux personnages qu’il a bout du fil, mais à l’image, on ne voit que lui. Là aussi, il y’avait un vrai challenge et qui est encore une fois relevé avec une grande réussite. Ce n’est pas la plus grande performance d’acteur du siècle, mais vue la promiscuité entre le personnage et le spectateur, il valait mieux que l’interprétation soit porteuse d’un minimum de talent.

Buried fait donc partie de ces films qui marquent, parce que réellement uniques. Alors quand ils sont en plus très réussis à tout point de vue, cela donne une de perle cinématographique de l’année.

Fiche technique :
Production : Versus Entertainment, The Safran Company, Dark Trick Films, Studio 37
Distribution : Rezo films
Réalisation : Rodrigo Cortés
Scénario : Chris Sparling
Montage : Rodrigo Cortés
Photo : Eduard Grau
Musique : Victor Reyes
Effets spéciaux : Alex Villagrasa
Durée : 95 mn

Casting :
Ryan Reynolds : Paul Conroy