Si Bruce Lee est parfois considéré comme le maître absolu des arts martiaux, lui-même a eu un maître, Yip Man, qui lui a permis de devenir ce qu’il a été. Le film The Grandmaster nous raconte son histoire, de manière certes très romancée. Il s’agit donc bien d’un film de kung-fu, réalisé par Wong Kar-wai, monsieur In the Mood For Love. Autant vous dire qu’il y a nettement plus d’action que dans ce dernier, mais on y retrouve tout l’esthétisme de ce réalisateur et un rythme de narration assez asiatique. Le spectacle proposé à quelque chose de fascinant et d’envoûtant, combien même on est loin des combats épiques et hyper spectaculaires d’un Tigre et Dragon.

En effet, le kung-fu de The Grandmaster est surtout du kung-fu de salon, ce qui ne veut pas dire que les protagonistes se battent en restant assis dans un canapé. Ici, le combat est un art qui est affaire de gentlemen. On le fait pour l’honneur, la gloire, mais avec toujours un grand respect de son adversaire. Et celui qui ne respecte pas cet état d’esprit (parce qu’il y a forcément un méchant arriviste dans ce genre de film) finira par être châtié. Ce film nous expose avant tout la philosophie qu’il y a derrière cette culture, ce qui donne des dialogues parfois un peu abscons, mais terriblement dépaysants. Certes, le scénario manque un peu de corps, mais la forme compense largement les petites faiblesses du fond.

En effet, les scènes de combat constituent de superbes chorégraphies, malgré leur caractère ici très épuré. La caméra de Wong Kar-wai a cette magnifique faculté à saisir les émotions par la beauté des images et il le prouve encore une fois ici. Comme pour In The Mood for Love, son talent nous préserve de l’ennui, où on aurait immanquablement plongé avec un réalisateur moins brillant. Voilà un film dont il faut savoir se laisser imprégner en oubliant l’espace de deux heures ses références occidentales. Le cinéma de Wong Kar-wai est à la frontière entre ces deux mondes et il n’en est que plus riche.

LA NOTE : 13/20

Il y une dizaine de jours, j’ai pu assisté une double leçon de cinéma. La première, avec Promised Land, était une illustration magistrale… de ce qui ne faut pas faire. Ceux qui comparent ce film avec Erin Brokovich devrait revoir le film de Steven Soderbergh avant de lui faire ainsi injure. En effet, le scénario apparaît pendant plus d’une heure complètement cousu de fil blanc et on ne doute pas une seule seconde d’où tout cela va nous amener. Puis viens quand même un vrai rebondissement, une surprise que je n’ai pas venu venir. Le souci ? C’est qu’on arrive quand même à la conclusion attendue, sans en avoir dévié le moins du monde. Bref, la pertinence de la cause défendue par ce film ne peut faire oublier la médiocrité du scénario.

Pendant une petite heure, Le Temps de l’Aventure représente lui aussi une vraie leçon de cinéma. Le thème du cours : comment raconter une histoire rien qu’en filmant les personnages, leurs expressions et leurs regards ? Une démonstration magistrale de la manière dont l’image joue par elle-même un rôle central dans le 7ème art, au-delà du scénario et des dialogues qui peuvent se décliner au théâtre ou dans un livre. Mais jamais le film ne devient purement contemplatif (il y a bien des dialogues, je vous rassure), car cette splendide mise en scène contribue au contraire à créer une vraie tension narrative et un vrai suspense.

La dernière partie de Le Temps de l’Aventure est par contre plus délicate. Une fois que les amants ont consommé, il est vrai que Jérôme Bonnell a quelque peu épuisé son sujet. Alors il meuble jusqu’à atteindre une durée de long métrage. Il nous offre notamment une scène chez la sœur de l’héroïne très drôle, mais dont on se demande ce qu’elle vient faire là et quel est le rapport avec le sujet. L’intensité retombe donc un peu, mais jamais on ne s’ennuie car la tension née auparavant ne disparaît jamais complètement jusqu’à un dénouement qui reste incertain jusqu’au bout.

Et puis, Le Temps de l’Aventure constitue une occasion d’admirer tout le talent d’Emmanuelle Devos. Rien que pour ça, passer 105 minutes dans une salle obscure se justifie pleinement tant son talent et sa justesse sont époustouflants.

Petit retour sur ma journée ciné du week-end dernier, avec trois films assez différents, aussi bien au niveau de leur sujet, de leur nationalité, mais aussi il faut bien l’avouer de leur qualité.

Commençons par Mariage à l’Anglaise, une sorte d’anti-comédie romantique britannique. S’il nous propose dix dernières minutes plutôt originales et réussies, le résultat est plutôt décevant. Faute à un couple de personnages principaux assez insupportable, entre une femme chaleureuse comme une porte de prison et un mari franchement lourd. Du coup, on comprend très bien pourquoi les sentiments de l’autre s’érode, mais on a bien du mal à s’attacher à eux et se passionner réellement pour leurs problèmes matrimoniaux. Rose Byrne est peut-être une très bonne actrice de série, mais le grand écran fait apparaître clairement les limites de son talent. Heureusement, le duo formé par Simon « The Mentalist » Baker et Anna Faris apporte un peu de charme à cette comédie globalement moyenne.

Perfect Mothers est une production frano-australienne, réalisée par Anne Fontaine, la réalisatrice de Nettoyage à Sec ou encore Coco avant Chanel. L’histoire assez improbable de deux amies d’enfance, quadragénaires, qui se retrouvent chacune à vivre une histoire d’amour avec le fils de 20 ans de l’autre. Mais le film fonctionne cependant grâce à deux choses. Déjà le scénario qui semble pourtant dans un premier temps nous emmener vers une fin prévisible, avant de nous surprendre. Ce genre d’histoire repose en grande partie sur la qualité de sa conclusion et le film aurait été franchement raté si elle n’avait pas été convaincante. Et puis, la seconde raison pour aller voir Perfect Mothers s’appelle Naomi Watts. Une grande, une très grande actrice qui a la bonne idée d’assumer son âge et les rides qui commencent à se former au coin de ses yeux. Elle éclabousse le film de sa classe, de son talent, de son charisme et de sa beauté ! Puisqu’on est en Australie, je dirai que Naomi Watts, c’est Nicole Kidman, sans les liftings.

Enfin, 11,6 nous raconte l’histoire de Toni Musulin, convoyeur de fonds, qui a défrayé la chronique en 2009, en dérobant 11,6 millions d’euros, dont une partie n’a toujours pas été retrouvée, alors que l’homme purge sa peine de 5 ans de prison. Bien sûr, le film ne nous dira pas où est passé l’argent, mais il dresse un portrait convaincant (même s’il est forcément romancé) de cet homme, que certains ont voulu comparer à Robin des Bois. Il y avait de quoi en faire un personnage de cinéma. Le petit soucis tient à l’histoire déjà connue, qui peine à créer une réelle tension narrative. Du coup, le résultat est un tantinet contemplatif, mais pas inintéressant et plutôt bien foutu. Et puis, François Cluzet démontre une nouvelle fois l’étendu de son talent.

En fait, je suis quelqu’un de très influençable. J’avais pourtant décidé de ne pas aller voir ni Jack le Chasseur de Géants, ni Cloud Atlas. Et puis, à force de croiser des gens qui les avaient bien aimés (enfin surtout le second), j’ai fini par me laisser convaincre, sans beaucoup de résistance il faut bien l’avouer. Je ne regrette finalement pas d’avoir suivi le mouvement, puisque j’ai passé deux bons moments. Enfin, un meilleur que l’autre quand même.

Si finalement j’ai surmonté les mauvaises critiques presse à propos de Jack le Chasseur de Géants, c’est que j’avais du mal à croire qu’un réalisateur comme Bryan Singer puisse vraiment réaliser une daube absolue. Quand on a à sa filmographie Usual Suspects, on ne peut quand même nous livrer un navet au scénario sans intérêt. Et pourtant… Bon allez, je peux dire que j’ai bien aimé, dans le sens où je ne me suis pas ennuyé une seule minute devant ce divertissement basique, mais tout de même très efficace et consensuel. Mais de la part d’un cinéaste de ce calibre, le manque d’épaisseur de l’intrigue et des personnages constitue tout de même un motif de réelle déception. N’importe quelle réalisateur-carpette à la solde des studios auraient pu signer une telle production qui atteint son but, mais ne dépasse pas du moindre millimètre son statut de pur entertainment pour empiéter sur le terrain de la création artistique.

Cloud Atlas a confirmé ce que je pensais de la famille Wachowski (on ne peut plus dire les frères depuis qu’un des deux est désormais une femme…) : beaucoup d’ambition, mais pas tout à fait le talent pour en être à la hauteur. Parti, comme ça, on peut avoir l’impression que je vais dire du mal de ce film. Mais il serait injuste de ma part de critiquer trop vertement un film de près de 3 heures devant lequel je ne me suis absolument jamais ennuyé. 3h c’est pourtant long, mais malgré les faiblesses du scénario, parcouru d’une philosophie mystique obscure, on reste quand même relativement fasciné par cette œuvre originale.

6 histoires en parallèle qui nous emmène du XIXème siècle à un futur a priori lointain, voilà qui pourrait perdre le spectateur. Mais la narration reste toujours claire et d’une qualité assez homogène. On peut parfois s’interroger sur le lien entre les différents fils narratifs, mais on les suit tous avec un réel intérêt. La maîtrise des Wachowski est très imparfaite, mais ils arrivent parfaitement à faire naître une curiosité constante chez le spectateur. Et l’idée de faire intervenir les mêmes acteurs dans chacune des histoires, dans des rôles et des apparences très différentes, est au final un tout petit peu plus qu’un gadget pour cinéphiles. Mention particulière à Hugh Grant en barbare du futur, impossible à reconnaître. Heureusement, l’excellent générique de fin nous présente tous les rôles endossés par chacun des acteurs et le surprises sont nombreuses.

Cloud Atlas est la preuve qu’avec de la créativité, de l’énergie et de la foi dans ce qu’on fait (ce qui est incontestablement le cas des Wachowski), on arrive à compenser des petites faiblesses que mépriseraient bien des artistes reconnus mais qui n’inventent plus rien.

Quand on a eu la carrière de Dustin Hoffman, qu’on a 75 ans, on pourrait choisir de vivre de ses rentes une retraite paisible. Mais le démon qui habite les artistes n’est jamais du genre à faire la sieste. Le voilà donc à se lancer dans la réalisation avec un premier film, Quartet, qui nous parle justement d’une maison de retraite pour artistes. Certes, il s’agit ici de musiciens, mais on peut penser qu’il y raconte largement une part de son propre ressenti vis-à-vis de l’âge qui avance inexorablement.

Dustin Hoffman a été une immense star hollywoodienne, mais c’est en Angleterre qu’il réalise son premier film, pour y gagner de la liberté artistique. Quartet constitue d’ailleurs une synthèse étonnante entre les deux rives de l’Atlantique. On assiste à une comédie des mœurs très européennes, avec quelques touches de politiquement incorrect, mais qui nous offre quelques passages typiquement hollywoodiens. On retiendra notamment le speech de la directrice de l’établissement, juste avant que le récital, typique des tirades moralisatrices et pleines de bons sentiments qui peuplent le cinéma d’outre-Atlantique.

Il en résulte un film plaisant, drôle, fantaisiste et léger. Heureusement que la vieillesse au cinéma n’est pas représentée que par des films comme Amour. Quartet n’est peut-être pas l’œuvre d’un grand réalisateur (en tout cas pas à la hauteur de ce que représente Dustin Hoffman en tant qu’acteur), mais celle d’un artiste qui connaît assez le cinéma pour maîtriser son sujet dès son premier essai.