On dit souvent que l’imitation est la plus haute forme d’admiration. On peut donc imaginer que Park Chan-wook est un grand admirateur d’Alfred Hitchcock. En effet, Stoker est un hommage évident au maître du suspense. Mais la grande force de ce film est d’avoir su moderniser sans jamais trahir l’esprit original. Bref un film que n’aurait pas pu réaliser l’auteur de Psychose à son époque, mais qu’il aurait pu tout à fait réaliser aujourd’hui.

Stoker est donc un mélange de vrai suspense et une plongée dans les aspects les plus malsains des pulsions humaines. On est traversé par un certain malaise pendant tout le film, sentant dès les premières secondes que de terribles choses se cachent sous le vernis de cette famille à première vue bien policée. Le scénario a le mérite de ne pas entretenir un faux suspense de ce point de vue là. Par contre, on ne devinera pas facilement où tout cela va nous mener, même si certains rebondissements en chemin sont un peu plus prévisibles.

Park Chan-wook apporte une élégance visuelle tout asiatique, tout en conservant une sobriété que n’aurait pas renier Alfred Hitchcock. Comme lui, il arrive à transformer les lieux, les objets, des gestes a priori anodins en vecteur d’une vraie inquiétude, voire une véritable menace. Bref, un suspense subtil et parfois dérangeant, qui nous change des grosses ficelles habituelles du genre. Ceci est parfaitement incarné dans le jeu de Matthew Goode, aussi séducteur qu’inquiétant. Par contre, Nicole Kidman devrait penser à arrêter de maigrir parce que là pour le coup, ça devient également mais involontairement inquiétant.

LA NOTE : 13/20

J’ai une relation un peu particulière avec L’Ecume des Jours dans sa version littéraire. En effet, c’est bien le seul roman que je n’ai jamais lu, mais que j’ai l’impression de bien connaître et d’aimer. Ceci grâce à un certain Nuno qui avait fait un exposé à son sujet en 4ème et nous avait parfaitement transmis sa passion pour cette œuvre si atypique. Je ne sais pas pourquoi, je n’ai du coup jamais osé le lire alors qu’il figurait dans la bibliothèque chez moi. Cependant, je n’ai pas raté son adaptation par Michel Gondry sur grand écran.

Il serait sans doute présomptueux de ma part d’affirmer que le film est fidèle au roman. Pourtant, j’ai vraiment eu la sensation d’y retrouver tous les éléments qui m’avaient marqué lors du fameux exposé. Mais c’est peut-être là la grande limite de l’Ecume des Jours. L’écriture de Boris Vian fait appel à l’imagination du lecteur. Au cinéma, c’est évidemment beaucoup plus difficile puisqu’il faut traduire visuellement les éléments mystérieux qui peuplent le roman. Cela perd forcément un peu de son charme et de sa poésie.

L’Ecume des Jours est un film agréable et plaisant. Mais il est parfois un peu chargé, tourne un peu à l’exercice de style. La rêverie vagabonde au fil des pages laisse place à une invention à l’écran toutes les cinq secondes, jusqu’à l’ivresse. On peut dire que c’est enivrant, mais le mot saoulant n’est pas loin non plus. Heureusement, le talent de Michel Gondry est assez manifeste pour nous éviter l’écœurement. On arrive donc tout de même à apprécier cette belle histoire romantique et émouvante.

L’Ecume des Jours fait partie des œuvres à traiter avec un infini respect. Mais adapter n’est pas toujours respecter à la lettre. Le film de Michel Gondry est une nouvelle preuve de la difficulté de l’exercice. Mais on peut cependant penser que peu de réalisateur aurait pu faire mieux que lui.

LA NOTE : 12/20

Faire un film centré sur l’Holocauste n’est jamais facile. Alors faire un film centré sur une polémique autour de l’Holocauste semble encore plus compliqué. C’est pourtant le pari réussi de Hannah Arendt, qui nous plonge au cœur de la controverse violente provoquée par les articles écrits par la philosophe à propos du procès d’Adolf Eichman en 1961 et sa théorie sur « la Banalité du Mal ».

Il est conseillé de se renseigner un minimum sur les éléments historiques qui sous-tendent ce film avant d’aller le voir. Personnellement, si je ne connaissais Hannah Arendt que de nom, je connaissais bien les circonstances du procès d’Adolf Eichman pour avoir vu deux documentaires à ce propos (où on avait du parler de la controverse en question, mais cela ne m’avait pas plus marqué que ça). Le propos reste clair, mais il porte tout de même sur un point très précis, il est donc bon d’en savoir un peu plus sur le contexte général.

Hannah Arendt n’est donc pas un biopic, mais un moment bien précis de la vie de la philosophe. Le scénario a donc un début et une fin et arrive à créer une certaine tension narrative. Il ne s’agit pas d’un documentaire, mais d’un récit qui dresse le portrait d’un personnage historique mais à travers ses actions, non de manière purement descriptive. Tous ceux qui s’intéressent aux débats d’idée quels qu’ils soient seront passionnés par ce film qui nous en apprend beaucoup, sans jamais nous ennuyer.

On soulignera la qualité de l’interprétation de Barbara Sukova qui incarne littéralement son personnage. On sait bien que les rôles de personnages célèbres donnent toujours lieu à un déluge de superlatifs (et souvent un Oscar), mais ne sachant pas bien à quoi ressemble l’Hannah Arendt historique, je me suis contenté d’admirer le travail de l’actrice.

La NOTE : 13/20

Je vais une nouvelle fois vous parler de films que je n’avais pas l’intention d’aller voir dans un premier temps avant de me faire influencer par les échos positifs. Et comme souvent, j’en sors plutôt satisfait d’être aussi faible. Tout d’abord, Les Gamins, comédie sympathique avec Max Boubil et Alain Chabat, qui traite de la crise de la cinquantaine quand on a cinquante ans et de la difficulté de s’engager quand on en a 25 de moins.

Le duo fonctionne plutôt bien, les acteurs s’éclatent et ça se voit. Les Gamins provoque à de nombreuses reprises de vrais éclats de rire francs et massifs. Bon, le soucis est qu’entre deux, le film souffre parfois de longs moments de faiblesses. Le propos n’est pas non plus hyper novateur, ni vraiment surprenant, il sert juste de prétexte à de multiples situations plus ou moins attendues. On passe tout de même un bon moment, les zygomatiques détendus, mais le film fera le même effet lors d’un passage à la télévision, un soir de pluie.

Par contre, j’aurais été très malheureux d’avoir raté La Cage Dorée. Certes, si je n’avais pas été le voir, je ne saurais pas ce que j’aurais raté, donc je ne serais pas si malheureux que ça, mais ceci est un autre problème. J’avais plus qu’adoré les Femmes du Sixième Etage, le précédent film de Philippe Le Guay et la bande-annonce m’avait vraiment donné l’impression d’une sorte de remake, histoire de surfer sur son succès précédent. Il n’en est rien, les deux films sont assez différents, tout en partageant bien des qualités.

Bien sûr, la Cage Doré nous parle encore de la manière dont sont traités les employés issus de l’immigration du sud de l’Europe, ici les concierges et maçons portugais. Une nouvelle comédie sociale et humaniste, mais qui fonctionne une nouvelle fois à merveille. Il y a quelque chose d’incroyablement enthousiasmant et euphorisant dans le cinéma de Philippe le Guay. Le film s’est conclu sous les applaudissements de la salle et beaucoup sont restés pour suivre le générique, qui ne propose pourtant que quelques images des personnages, jusqu’au bout. On sort de ce film le cœur léger et plein d’optimisme.

La grande différence avec Les Femmes Sixième Etage repose peut-être sur l’absence d’un Fabrice Lucchini. Il lui manque du coup peut-être la présence d’un pur génie à l’écran. Mais d’un autre côté, l’attention ne se focalise plus autour d’un seul acteur emblématique et nous permet d’apprécier pleinement l’ensemble du casting et cette galerie de personnages remarquable. Cela constitue incontestablement la grande force de la Cage Dorée.

Avec la Cage Dorée, Philippe le Guay arrive une nouvelle fois à nous divertir et même rire aux éclats parfois, tout en nous livrant un message humaniste dont la profondeur n’a rien à envier avec celle d’œuvres se prenant bien plus au sérieux.

Je dois bien avouer que je ne suis pas vraiment fan de la franchise Iron Man. J’avais trouvé le premier relativement moyen et le second franchement décevant. Ce n’est donc sans attente particulière que je suis allé voir le troisième volet, aux critiques plutôt élogieuses pour un film de super-héros. Je n’en suis pas ressorti débordant d’enthousiasme, mais au moins je ne peux qu’admettre que j’ai passé un assez bon moment.

Si Iron Man 3 m’a nettement plus séduit que les deux précédents, c’est qu’il laisse une plus grande place au personnage principal par rapport aux scènes d’action. Ces dernières sont d’ailleurs assez moyennes et manquent franchement d’imagination. Heureusement, on peut apprécier à loisir le charme dévastateur de Robert Downey Jr. Il est sans doute moins cabotin que dans les épisodes précédents et arrive à donner un tout petit peu d’épaisseur à son personnage. Du coup, on s’y attache beaucoup plus, quand il avait tendance précédemment à être plutôt horripilant.

Par contre, Iron Man 3 souffre comme les deux précédents de l’absence d’un méchant d’envergure. Du coup, le scénario n’est pas aussi épique qu’il aurait pu l’être. Heureusement, tout cela ne se prend pas trop au sérieux et le second degré fait passer ces quelques faiblesses (contrairement à un Thor par exemple). Mais on reste très loin de la qualité d’un Captain America, sans même parler des Spider-man de Sam Raimi.

LA NOTE : 11,5/20

Il y a des scénarios qui commencent très mal. Quand un film de science-fiction s’ouvre sur une longue explication en voix-off, on se dit déjà que le spectacle ne s’annonce pas très subtil, mais on se dit que cela va nous permettre d’aller directement au but. Malheureusement, quand ce monologue du personnage principal s’achève par un « on a du nous effacer la mémoire avant le début de la mission par mesure de sécurité », on est définitivement persuadé que les scénaristes, au nombre de trois, ce qui est quand même assez sidérant, ont vraiment décidé de ne pas se fouler de trop et de se faciliter grandement la tâche. Bref Oblivion, au bout de cinq minutes, sent le film raté.

La suite nous donne raison. Si on est magnanime, on dira qu’Oblivion constitue quand même un spectacle divertissant, qui réserve même quelques rebondissements et surprises, pas tous cousus de fil blanc (mais certains quand même un peu beaucoup…). Mais force est d’admettre que rien ne vient vraiment contrebalancer cette entame catastrophique. Dès le début, on sait que les personnages sont manipulés et il ne faut pas être devin pour avoir largement compris le pourquoi du comment alors que l’intrigue n’en est même pas à sa moitié.

La déception est d’autant plus grande que la bande-annonce faisait plutôt envie et laisser croire à un scénario plutôt complexe. Elle restera au final la meilleure partie d’Oblivion qui traîne sa pauvreté scénaristique jusqu’à un dénouement convenu et d’une platitude désolante.

LA NOTE : 09/20