Paradoxalement, une bande-annonce qui ne donne pas envie peut se révéler finalement être une bonne bande-annonce. J’ai vu celle de Sécurité Rapprochée un très grand nombre de fois et jamais cela n’a fait naître chez moi la moindre envie, sans vraiment savoir pourquoi. Cependant, après avoir lu des critiques plutôt positives, je me suis quand même décidé à aller le voir. Et j’ai pu alors constater que la bande-annonce, contrairement à ce qu’on pouvait craindre, ne racontait qu’une toute petite partie d’un film qui se laisse finalement voir avec plaisir.

Matt Weston travaille pour la CIA mais n’a pas vraiment la carrière qu’il espérait. Il est basé au Cap, en Afrique du Sud, et chargé de garder une planque qui ne sert quasiment jamais. Ce n’est pas vraiment le poste qui lui permettra de se faire remarquer et d’obtenir sa mutation à Paris. Un jour, Tobin Frost, un ancien espion, considéré comme un traître, que l’agence recherchait depuis des années, est emmené dans la planque, sous bonne garde, après qu’il se soit rendu et avant son rapatriement pour les Etats-Unis. Mais très rapidement, la cachette est prise d’assaut et Matt Weston doit fuir avec le prisonnier dont il a désormais la charge.

Le scénario de Sécurité Rapprochée constitue à la fois la plus grande force et le plus grande faiblesse de ce film. En effet, ce dernier possède tout d’abord la qualité indéniable d’être particulièrement rythmé. C’est solide, percutant, bref on ne s’ennuie pas une seconde et on se laisse facilement prendre par l’intrigue. Le tout est vraiment tourné vers l’action et les à-côtés, comme les interrogations philosophiques sur la condition d’espion, restent assez limités pour ne pas alourdir le tout. Nous sommes donc là devant une œuvre terriblement efficace, qui atteint parfaitement son but, du moment que l’on n’attend pas trop de lui.

D’un autre côté, Sécurité Rapprochée est aussi un scénario extrêmement classique. L’histoire a comme des airs de déjà-vu. Le principe du face à face entre un agent inexpérimenté et un vieux baroudeur et celui de l’agent qui ne peut plus faire confiance, ni recevoir l’appui de ses collègues et de ses supérieurs, n’a rien de révolutionnaire, bien au contraire. De plus, ce qui sert de rebondissement final est quand même extrêmement prévisible. Cependant, comme déjà dit, on se laisse vraiment prendre par le rythme de l’action et on ne prend guère le temps de se focaliser sur ces légers défauts.

La réalisation de Sécurité Rapprochée est plutôt soignée. Comme le scénario, elle est plutôt nerveuse et nous place au cœur de l’action. Cependant, jamais elle ne se transforme en bouilli type clip vidéo provoquant le décès de tous les épileptiques photosensibles de la salle. On avait remarqué le réalisateur, Daniel Espinosa, suédois, contrairement à ce que peut laisser penser son nom, avec Easy Money, film venu du Nord de l’Europe, contrairement à ce que peut laisser penser son titre. Le passage de l’autre côté de l’Atlantique est plutôt réussi et il s’est visiblement bien adapté à l’efficacité hollywoodienne. On peut peut-être simplement lui reprocher une photographie tirant un peu sur le sépia, qui faisait hyper novateur y a dix ans, mais qui tient désormais plus du tic que de la prouesse artistique.

Le casting est à l’image du film, c’est à dire avant tout efficace, mais de manière quelque peu idéal. En effet, Denzel Washington ne tient pas là le rôle de sa vie, mais s’en acquitte avec un grand professionnalisme, suffisant pour donner à son personnage un minimum de crédibilité. Par contre, Ryan Reynolds est définitivement un acteur relativement inexpressif et la plus-value qu’il apporte à Sécurité Rapprochée est somme toute limitée.

Sécurité Rapprochée est donc un film efficace à défaut d’être génial et vraiment innovant. Mais son rythme lui permet de faire oublier ses faiblesses et de faire totalement entrer le spectateur dans l’histoire.

Fiche technique :
Production : Intrepid pictures, Moonlighting films, Relativity Media, Stuber productions
Distribution : Universal Pictures International France
Réalisation : Daniel Espinosa
Scénario : David Guggenheim
Montage : Richard Pearson
Photo : Oliver Wood
Décors : Brigitte Broch
Musique : Ramin Djawadi
Costumes : Susan Matheson
Durée : 116 mn

Casting :
Denzel Washington : Tobin Frost
Ryan Reynolds : Matt Weston
Vera Farmiga : Catherine Linklater
Brendan Gleeson : David Barlow
Sam Shepard : Harlan Whitford
Ruben Blades : Carlos Villar
Nora Arnezeder : Ana Moreau

Depuis un peu plus de dix ans, les super-héros sont devenus des sujets à la mode au cinéma. Tous les héros de comics américains ont eu droit à leur adaptation, voire même déjà en plusieurs versions différentes (Hulk et bientôt Spiderman). Evidemment, le sujet a fini par inspiré des histoires en dehors de l’archétype du héros en costume qui sauve le monde. Après les super-héros sans super-pouvoirs dans Kickass, voilà les adolescents dotés de super-pouvoirs, mais qui n’ont rien de héros, avec Chronicle. Un film plutôt bien foutu, à défaut d’être génial.

Un soir de fête, trois étudiants tombent sur un phénomène mystérieux. Très vite, ils font découvrir qu’ils sont désormais dotés de pouvoirs télékinésiques. Ils semblent d’ailleurs devenir chaque jour un peu plus puissants. Mais l’un d’entre eux, Andrew, est un adolescent mal dans sa peau qui a de plus en plus de mal à gérer ces extraordinaires capacités. Au point d’en devenir dangereux ?

Bon qu’il se dénonce ! Qui ? Celui qui a réalisé la bande-annonce de Chronicle ! Parce que ceux qui, comme moi, l’ont vu 53 fois ont en fait vu 53 fois le film, aux cinq dernières minutes près. Ce n’est peut-être qu’un détail, qui n’enlève rien aux qualités intrinsèques de ce film, mais c’est le genre de choses qui m’énerve au plus haut point. Bon certes, il faut dire aussi que le scénario est quelque peu linéaire et ne réserve guère de véritables renversements de situation. C’est d’ailleurs là sa principale limite, qui en fait un film plaisant… mais limité justement.

En fait, Chronicle est un film avant tout sur l’adolescence. C’est juste le contexte qui est un peu original et qui rend le film nettement plus spectaculaire qu’un film intimiste. Et force est de constater que le propos, sans atteindre des sommets de profondeur (c’est une figure de style ça, non ?), est nettement mieux senti que bien des films sérieux qui tombent dans la caricature ou le n’importe quoi caractérisé. La tension est vraiment basée sur les rapports entre les personnages, les interrogations, le mal-être ou la jalousie propres à l’adolescence. Déjà que les jeunes gens de cet âge sont généralement des êtres malfaisants, alors imaginez avec des super-pouvoirs…

Par contre ceux qui iraient voir Chronicle uniquement pour voir un film spectaculaire et plein d’action, risquent fort de ressortir déçu. Seuls les dix dernières minutes nous proposent vraiment un déluge d’effets spéciaux et du grand spectacle. Et cela ne constitue pas forcément le meilleur moment de ce film, qui est visuellement moyen, comparé à ce que l’on peut réaliser aujourd’hui. Cependant, l’essentiel est une nouvelle fois ailleurs, principalement dans la longue glissade de ce jeune adolescent sous le regard impuissant de ses amis. Un sujet en fait universel et extrêmement classique.

Globalement, si Chronicle fonctionne, c’est parce que le film est rythmé, focalisé sur son sujet et ne se perd ni dans des considérations ésotériques, ni dans des scènes spectaculaires mais qui ne feraient pas avancer l’intrigue ou les personnages. Le film dure un peu moins d’une heure et demi et c’est suffisant. Comme je l’ai dit, le sujet et le film sont limités, mais cette limite est assumée et Josh Tank ne cherche jamais à les masquer artificiellement.

Le casting nous offre trois acteurs adolescents faisant leur job proprement, mais on ne décèle chez aucun d’eux une vraie graine de stars. Mais bon depuis qu’un certain Jean D. est passé de Brice de Nice aux Oscars, on ne peut plus jurer de rien. Dane DeHaan arrive tout de même à donner assez de crédibilité à son fondage de plombs pour que l’on y croit. Il ne faudrait donc pas lui retirer tout mérite quant à la réussite que constitue Chronicle.

Angelina Jolie a un parcours des plus étonnants. Icône glamour d’Hollywood, elle enchaîne les navets avec quelques grands rôles parfois difficiles (l’Echange ou Un Cœur Invaincu notamment). Elle est à la fois connue pour son histoire d’amour avec Brad Pitt et ses engagements humanitaires, pour lesquels elle ne fait pas que de la figuration (ambassadrice du Haut Commissariat aux Réfugiés de l’ONU). Pour son premier film de l’autre côté de la caméra, elle a effectué un choix étonnant et passablement risqué. Un film, Au Pays du Sang et du Miel, sur un sujet difficile, la guerre en Bosnie, tourné sur place avec des acteurs locaux dans la langue du pays. Un véritable défi, relevé avec un talent non exempt de maladresses.

Ajla et Danijel sont deux jeunes gens qui auraient pu commencer une histoire d’amour comme il en existe tant. Mais ce soir là, un attentat ravage le dancing où ils se trouvent. Très vite, une guerre civile ravage la Bosnie et les transforme en ennemis. Ils se retrouvent quelques mois plus tard dans un camps militaire où elle est gardée comme esclave. Mais de tels sentiments peuvent-ils perdurer au milieu d’un telle barbarie ?

Au Pays du Sang et du Miel est un film témoignage, bien plus qu’un film politique à thèse. Bien sûr, il y a des méchants, les Serbes, et des victimes, les musulmans bosniaques. Mais le film ne juge pas, il relate. Son plus grand défaut est même de tourner quelque peu au catalogue. Toutes les formes d’exactions doivent être montrées, étirant ainsi l’intrigue sur plus de deux heures, la faisant souvent tourner en rond, au point d’en devenir répétitive. La prise de recul est minimale, il n’y a pas d’explications, à part quelques discours nationalistes de la part du général serbe, et Angelina Jolie ne cherche pas à remettre les choses dans leur contexte. Le film ne s’attarde même pas vraiment sur la passivité de l’Occident, même si elle est tout de même évoquée. Mais reste la barbarie, que l’on sait réelle, mais dont on prend conscience ici de manière très directe.

Au Pays du Sang et du Miel reste avant tout l’histoire de Ajla et Danijel. Une histoire d’amour au milieu de l’horreur, voilà un sujet bien casse-gueule, où les bons sentiments peuvent facilement rendre ridicule le reste du propos, aussi honorable soit-il. Angelina Jolie a presque réussi à éviter tous les pièges qui se dressaient devant elle. La relation ambiguë entre un bourreau et sa victime ne constitue pas non plus un sujet nouveau. Il est traité ici avec beaucoup d’intelligence, sans lourdeur et si le dénouement est au fond le seul possible, il s’en dégage tout de même l’émotion d’une grande histoire. On ne ressort pas tout à fait indemne de ce film.

On sent bien qu’Angelina Jolie a mis beaucoup d’elle dans ce film. Dénoncer tout ce qu’on veut, bien au chaud à Hollywood est à la portée de la première star venue. Mais le risque artistique est ici trop réel pour que la démarche ne soit pas d’une totale sincérité. On ne réalise pas un film en bosniaque de plus de deux heures, aussi dur, pour se faire mousser. Surtout que sa réalisation reste d’une sobriété remarquable, entièrement au service de son sujet. Certes, le point de vue reste romanesque, avec toutes les limites que cela suppose, mais Au Pays du Sang et du Miel reste une fiction, pas un documentaire.

Le casting est donc composé entièrement d’acteurs locaux, presque tous entièrement inconnus. Seul Rade Serbedzija est un visage connu d’Hollywood, puisqu’on l’a vu dans des seconds rôles dans Eyes Wide Shut, Mission Impossible II, Snatch, Harry Potter ou X-Men le Commencement. Les deux personnages principaux sont interprétés pas deux très beaux acteurs. On savait grâce à Emir Kusturica que la région n’en manquait pas. On pourra donc ajouter Zana Marjanovic et Groan Kostic à la liste.

Au Pays du Sang et du Miel n’est donc vraiment pas ce qu’on attendait d’une actrice comme Angelina Jolie. Mais c’est l’être humain qui s’est investi dans cette œuvre poignante et convaincante, malgré un caractère romanesque parfois maladroit.

Comme je ne sais absolument pas comment commencer cette critique, et bien je vais la commencer en vous racontant que je ne sais absolument pas comment commencer cette critique. Je ne sais pas si c’est un bon début, mais je n’ai pas trouvé mieux. Alors évidemment, ce n’est pas très bon signe de manquer à tel point d’inspiration pour vous parler d’un film, Dos au Mur en l’occurence. Pourtant, il fait passer un bon moment, à défaut d’être génial ou de réinventer quoique ce soit.

La foule se presse au cœur de Manhattan. Depuis quelques minutes, un homme se tient sur la corniche d’un grand hôtel de New-York, prêt à sauter. Une tentative de suicide qui va très vite monopoliser l’attention des badauds, des médias et de la police. Mais l’inspectrice qui négocie avec lui va rapidement avoir des doutes sur ses réelles motivations.

Le synopsis que je viens de vous livrer en dit beaucoup moins long que la très mauvais bande-annonce qui a fait la promotion Dos au Mur. Certes, le scénario reste globalement très linéaire et offre très vite au spectateur beaucoup d’éléments qui lui font comprendre le véritable fond de l’histoire. Mais tout de même, il est dommage, pour un film basé presque uniquement sur le principe « les choses ne sont pas ce qu’elles sont en apparence », de trop en dire puisque cela tue un peu tout intérêt.

Dos au Mur est en fait un film de « casse » très classique. Ce n’est pas tant sur le dénouement qu’il y a un suspense, mais sur le comment vont-ils y arriver. De ce point de vue, le film est assez bien mené, même si on a déjà vu mille fois mieux. Le film nous offre un dernier tiers beaucoup plus tourné vers l’action, encore une fois bien foutu, sans être la séquence la plus spectaculaire de l’année. Globalement, nous sommes là devant un pur divertissement, qui peut faire passer un vrai bon moment si on arrive à rentrer dans l’histoire, en oubliant limites et imperfections.

Paradoxalement, ce qui fait la plus grande force de Dos au Mur fait aussi sa faiblesse. En fait, le scénario déroule son idée de base, assez bonne au demeurant, et ne cherche pas constamment à nous entraîner dans de fausses pistes et surtout sans chercher à entretenir un faux suspense qui aurait ressemblé à de grosses ficelles bien trop visibles. Mais du coup, on peut reprocher au film un sérieux manque d’ambition. Cependant, il vaut absolument mieux qu’il se soit contenter de faire bien, sans chercher à faire mieux, au risque probable d’en devenir mauvais.

La réalisation de Asger Leth est à l’image du film. Professionnelle, efficace, mais sans prise de risque, ni imagination débridée. On aurait pu attendre mieux d’un ancien 1er assistant de Lars Van Trier. Là encore, le manque d’ambition est patent, mais d’un autre côté, il fait de Dos au Mur un film qui a au moins le mérite d’atteindre son but premier, sans se disperser.

Dos au Mur nous propose un casting lui aussi très professionnel. Le trio Sam Worthington, Elizabeth Banks et Jamie Bell s’acquitte de sa tâche sans zèle, mais avec le minimum de crédibilité. Ils ont quand même l’air de prendre un minimum de plaisir à jouer, un plaisir assez communicatif. Ed Harris est lui d’une autre trempe, mais son rôle de « méchant » est un peu trop caricatural et trop peu présent pour que son talent face à la différence. Enfin, un mot enfin sur la révélation de ce film : Genesis Rodriguez. Bon, soyons honnête, ce n’est pas vraiment une révélation artistique, mais plutôt esthétique. Les quelques secondes où on la voit en sous-vêtements pourraient presque justifier à elles-seules la vision de ce film. Quel corps, mama mia !

Vu que le premier était très bon et le deuxième encore meilleur, il était logique qu’il y en ait un troisième. La Vérité Si Je Mens n’échappe pas à la règle et revient pour un nouveau petit tour en compagnie de nos amis « chaaaaaaaaaaaampions du monde ! ». Mais bon, comme on pouvait s’y attendre, même si les retrouvailles font plaisir, c’est un petit coup de mou qui est au rendez-vous.

Les ex-rois du Sentiers, désormais expatriés à Aubervilliers font face à une nouvelle concurrence : celle des Chinois. Alors le jour où ils sont victimes d’un coup tordu, ils accusent immédiatement le plus puissant de la communauté asiatique et lui annoncent qu’ils seront prêts à se battre. Mais ils ne pourront guère compter sur l’aide de Patrick, englué dans un contrôle fiscal. Et évidemment pas sur celle de Serge qui gère désormais les affaires de son beau-père à sa manière. C’est à dire en les conduisant tout droit à la catastrophe.

Allez, ne boudons pas notre plaisir, ceux qui ont aimé les deux épisodes précédents auront plaisir à retrouver toute cette petite bande dans la Vérité Si Je Mens 3. Les codes sont les mêmes, les personnages n’ont pas changé, bref, on retrouve tout le charme qui a fait leur succès. Mais bon, l’amour s’étiole toujours un peu avec le temps, c’est bien connu, à moins de toujours redoubler d’imagination et au prix d’un éternel renouvellement. Dans ce domaine, Thomas Gilou a été frileux. Très frileux. Trop frileux ?

En effet, le scénario de la Vérité Si Je Mens 3 souffre de deux gros défauts. Déjà et sans rien dévoiler des rebondissements qui le ponctuent, la mécanique mise en œuvre ressemble comme deux gouttes d’eau à celle du deuxième épisode. Du coup, on est guère surpris et on se doute immédiatement de comment tout cela va finir. Il y a peut-être un petit suspense sur le comment, mais sur le gros du déroulé des évènements, c’est copie conforme. Du coup, l’incontestable atout du deuxième épisode devient ici un air de déjà-vue qui gâche un peu le plaisir.

Ensuite, la Vérité Si Je Mens 3 manque parfois cruellement de rythme. Le film dure deux heures, c’est une demi-heure de trop pour une comédie. Les dix dernières minutes notamment sont absolument interminables, rappelant un peu les multiples dénouements du Seigneur des Anneaux… sauf que ce dernier intervenait après 9h de film. Cela confirme l’impression générale d’un manque de courage chez Thomas Gilou, qui semble n’avoir osé rien couper de peur de supprimer un passage amusant ou de raccourcir le rôle d’un de ses acteurs vedettes. Mais cela se fait au prix d’une dilution qui sans jamais vraiment nous conduire à l’ennui ne permet jamais au film de devenir réellement enthousiasmant.

Restent néanmoins quelques passages vraiment drôles, faisant de la Vérité Si Je Mens 3 un divertissement passable pour soir de pluie. Les éléments du scénarios sont plus ou moins bien réussis. Le meilleur reste l’histoire d’amour entre Patrick et sa contrôleuse fiscale. A l’inverse, les relations entre Serge et son beau-père n’apportent vraiment rien et n’arrachent guère qu’un sourire circonspect. Sans parler d’épisode de trop, ce film fait rentrer la saga dans le rang et une quatrième volet pourrait facilement la faire basculer du côté obscur du navet.

La bande d’acteurs est toujours la même, à part Vincent Elbaz qui reprend son rôle du premier volet, abandonné à Gad Elmaleh dans le deuxième. La Vérité Si Je Mens repose quand même largement sur le duo Gilbert Melki et José Garcia qui apporte le plus d’impact comique. Les autres s’acquittent de leur rôle avec talent, à défaut de génie.

La Vérité Si Je Mens 3 est donc très loin de constituer une totale réussite. Il ne fait pas passer un moment désagréable, mais un manque de rythme en fait une comédie de seconde zone.

Fiche technique :
Production : Les films Manuel Munz, Vertigo productions, La vérité productions, Télégraphe
Distribution : Mars distribution
Réalisation : Thomas Gilou
Scénario : Michel Munz, Gérard Bitton
Montage : Catherine Renault
Photo : Robert Alazraki
Décors : Jacques Rouxel
Musique : Hervé Rakotofiringa
Costumes : Catherine Bouchard
Durée : 119 mn

Casting :
Richard Anconina : Eddie
José Garcia : Serge
Bruno Solo : Yvan
Vincent Elbaz : Dov
Gilbert Melki : Patrick
Aure Atika : Karine
Amira Casar : Sandra
Léa Drucker : Muriel Salomon
Elisa Tovati : Chochona