La violence des rapports dans le milieu professionnel a déjà fait l’objet de plusieurs excellent films français. Il est vrai que notre pays a connu une prise de conscience de la souffrance au travail, même chez les cadres, ces dernières années, avec notamment de nombreux suicides. On avait notamment pu apprécier le magnifique Le Couperet de Costa-Gavras et Violence des Echanges en Milieu Tempéré de Jean-Marc Moutot. Ce dernier nous revient avec De Bon Matin, mais qui malheureusement n’est pas à la hauteur de ses prédécesseurs.

Un beau matin, Paul Wertet se rend à son travail dans une grande banque. Il se rend dans le bureau de son supérieur et l’abat avec un revolver. Il tuera également son bras droit. Comment en est-on arrivé là ?

De Bon Matin souffre d’un cruel défaut : sa linéarité. Déjà, on connaît le dénouement dès les premières secondes. Le sujet du film est donc le processus qui amène un homme à agir ainsi. Sauf que lui aussi est connu très rapidement. Bien sûr les choses iront en empirant, les humiliations vous s’accumuler, mais de manière très régulière et sans jamais vraiment changer de nature. On cerne très vite les relations entre les personnages et elles n’évolueront jamais.

Un bon exemple réside dans son collègue dont il est le plus proche, Monsieur « de toute façon, on ne peut rien faire ». Il symbolise la passivité des autres face à l’inacceptable, la détérioration des conditions de travail et la souffrance d’un salarié. Sauf qu’il répétera toujours la même maxime, ne variant jamais de son attitude initiale, quels que soient les évènements. On est donc loin de l’intelligence du scénario de Violence des Echanges en Milieu Tempéré qui prenait tout son intérêt dans l’évolution, parfois surprenante, des personnages.

Du coup, on finit par trouver le temps long devant De Bon Matin. Aussi intéressant soit-il, le propos est loin d’être assez étoffé pour en faire un film. De nombreux aspects du scénario manquent par trop de développement pour que l’on en saisisse clairement l’intérêt, comme si Jean-Marc Mouton avait eu peur d’exploiter la moindre idée qui l’éloignerait du propos principal. On pourra saluer la démarche, mais on préfèrera relire L’Open-space m’a Tuer pour mieux comprendre ce à quoi ressemble les conditions de travail dans certains milieux professionnels. On est là typiquement devant un film qu’on aimerait aimer, mais qui se révèle être au final trop médiocre cinématographiquement pour s’enthousiasmer ne serait-ce qu’une seule seconde. On ressort de ce film le cœur gros, on a bien versé une larme ou deux, mais on sait au fond de soi qu’on aurait du être beaucoup bouleversé que cela.

Il faut ajouter à tout cela une réalisation que l’on qualifiera de sobre si on décide d’être gentil et de minimaliste si on est dans un plus mauvais jour. Bien sûr, Jean-Marc Moutot ne fait pas dans l’esbroufe, ce qui compte c’est le propos, le propos et le propos. Mais dans De Bon Matin, seul le montage en flashbacks permanents est un minimum recherché. Une descente en enfer est un thème classique du cinéma et bien des réalisateurs ont su mettre une mise en images imaginative au service d’un sujet profond ou bouleversant. Ce n’est pas le cas ici. Cependant, pas sûr que cela aurait changé grand chose au destin de ce film qui ne restera certainement pas dans les mémoires.

S’il faut retentir une seule chose de De Bon Matin, c’est la performance de Jean-Pierre Daroussin. Il est tout simplement parfait. Mais le rôle était taillé pour lui. Peut-être trop d’ailleurs puisque, paradoxalement, cela contribue également à faire de ce film un film sans surprises. Un rôle moins marquant donc que le contre-emploi de José Garcia dans Le Couperet.

De Bon Matin est donc un film pas vraiment raté, mais trop faible dans bien des aspects pour vraiment être marquant.

Fiche technique :
Réalisation : Jean-Marc Moutout
Productrices : Margaret Ménégoz et Régine Vial
Scénario : Jean-Marc Moutout, Olivier Gorce et Sophie Fillières

Casting :
Jean-Pierre Darroussin : Paul
Valérie Dréville : Françoise, la femme de Paul
Xavier Beauvois : Alain Fisher, le patron
Yannick Renier : Fabrice Van Listeich, le jeune talentueux
Laurent Delbecque : Benoît, le fils de Paul et Françoise
Aladin Reibel : Antoine, le collègue le plus proche de Paul
François Chattot : Lancelin, le collègue accusé
Nelly Antignac : Clarisse, la collègue licenciée
Pierre Aussedat : Foucade, le grand patron
Ralph Amoussou : Youssef, le jeune malien
Frédéric Leidgens : le docteur Hogard, psychiatre du travail

Dans la série des introductions que j’ai déjà faite mille fois, voici le retour de « on m’avait dit tellement bien d’un film qu’au final, j’ai été déçu ». Cette fois-ci, c’est pour le film Drive, prix de la mise en scène au dernier Festival de Cannes. Des critiques dithyrambiques, des avis d’amis enthousiastes, je me suis rendu dans mon cinéma plein d’espoir. Mais au final, j’ai surtout pu me rendre compte à quel point une critique repose aussi en grande partie sur des éléments subjectifs.

Cascadeur le jour, chauffeur pour des braquages la nuit, il mène une vie solitaire et se montre rarement bavard. Mais un jour, il croise sur son palier, Irène, et son petit garçon. Le début d’une série d’évènements qui vont tout faire basculer.

Pour cette critique, je vais donc procéder en deux parties, l’une objective, l’autre beaucoup plus subjective. Je commencerai donc par dire qu’il est incontestable que le prix reçu à Cannes par Drive est amplement mérité. En effet, la réalisation et la photographie sont tout simplement extraordinaires et ce, dès la première scène qui nous met tout de suite dans l’ambiance. Il n’y a pas un seul plan qui ne soit parfaitement à sa place, dans le bon cadrage, dans le bon timing, avec la bonne lumière, avec, en fond, la musique idéale. Le travail de Nicolas Winding Refn est en tout point remarquable, surtout qu’il arrive en même temps à créer une ambiance visuelle un rien rétro, hommage au cinéma des années 80, sans pour autant tomber dans la caricature.

Drive se démarque aussi par un scénario particulièrement intéressant, bien plus en tout cas que ne peut le laisser penser le pitch. Un film noir à la tension constante, aux rebondissements inattendus et surtout aux personnages particulièrement fouillés. Une histoire solide, à tel point que le film se déroule sur un rythme constant, mais jamais frénétique, sans pour autant provoquer ne serait-ce qu’une seule seconde d’ennui chez le spectateur. On est là face à l’antithèse des films d’action façon clip vidéo. Un film que n’aurait donc jamais produit Luc Besson…

Drive est aussi porté par la magistrale interprétation de Ryan Gosling qui devient peu à peu les nouvelle coqueluche de Hollywood. C’est un vrai bonheur de le voir interpréter un rôle aussi diamétralement opposé à celui qu’il occupait dans Crazy, Stupid, Love, mais avec le même charisme, la même présence, la même justesse, bref le même talent. Mais à ces côtés, la jeune Carey Mullingan, étoile montante elle-aussi, n’est pas en reste dans un casting globalement brillant. On se réjouira notamment d’y voir le beaucoup trop rare Ron Perlman… et la sublime Christina Hendricks.

Bon voilà, j’en ai fini avec l’objectif. Place au subjectif. Si Drive possède d’immenses qualités, il ne m’a inspiré qu’une admiration distante. Tout y est presque parfait, mais aussi parfait qu’une toile de maître accrochée au mur d’un musée. J’étais là devant l’écran, ébloui par tant de talent, mais jamais je n’ai eu l’impression de rentrer dans ce film. Nicolas Winding Refn possède une virtuosité cinématographique à laquelle peu de réalisateurs peuvent prétendre. Il y a un peu de Tarantino là-dedans, avec ces références et cette réinvention permanentes, mais ce dernier sait toujours jouer avec le spectateur pour en faire un complice. Rien qui ne ressemble à cela ici.

Tout cela contribue à une sorte de décalage avec ce récit très noir et une forme plus proche des beaux-arts. Je pense ne pas avoir été le seul dans la salle à être quelque peu décontenancé. Pour preuve, des éclats de rire de certains spectateurs à des moments où cela ne s’y prêtait pas forcément. On peut considérer que cela contribue à faire de Drive un film au ton résolument surprenant, mais aussi qu’à force de ne pas savoir où se situer, on en oublie de se laisser porter par le film jusqu’à l’enthousiasme.

Vous l’aurez compris, Drive m’a inspiré des sentiments quelque peu mêlés. Mais il est certain que pour ceux qui sont vraiment parvenus à entre dans ce film, le voyage a du être magnifique, tant les qualités artistiques de ce film sont hors du commun. Ce ne fut pas mon cas. Dommage pour moi.

Fiche technique :
Production : Filmdistrict pictures, Bold films, Oddlot entertainmen
Réalisation : Nicolas Winding Refn
Scénario : Hossein Amini, d’après le livre de James Sallis
Montage : Matt Newman
Photo : Newton Thomas Sigel
Décors : Beth Mickle
Distribution : Wild side films, le pacte
Musique : Cliff Martinez
Durée : 100 mn

Casting :
Ryan Gosling : The Driver
Carey Mulligan : Irene
Ron Perlman : Nino
Albert Brooks : Bernie Rose
Christina Hendricks : Blanche
Oscar Isaac : Standard Guzman

Le cinéma d’animation français confirme sa bonne santé et son dynamisme avec Un Monstre à Paris. Une campagne marketing efficace, un casting voix de très haut niveau, tout est réuni pour que le succès soit au rendez-vous. Mais depuis des décennies, l’animation hexagonale s’est caractérisée par son audace et son originalité. Malheureusement, ce n’est pas vraiment le cas ici.

Dans le Paris de 1910, Emile et Raoul s’aventurent imprudemment dans un laboratoire du Jardin des Plantes. Faisant preuve d’autant de curiosité que de maladresse, ils vont finir par provoquer une petite catastrophe. De celle-ci, surgira un monstre, une puce de deux mètres de haut. Une puce à la voix sublime.

Un Monstre à Paris est un film qui compte bien des qualités et bien des défauts. Commençons par ce qui fâche, le scénario. Ce dernier est linéaire et d’une grande platitude. Pas de second degré, un rythme moyen, avec notamment une mise en place beaucoup trop longue, pas de vraies surprises, des rebondissements qui n’en sont pas vraiment et des personnages sympathiques mais sans grande envergure. N’attendez pas de ce film une double lecture, une pour les petites têtes blondes et une pour les adultes. Aucun risque, aucune audace. Bref, le strict minimum. On est loin d’une revisite du mythe du Fantôme de l’Opéra, comme aurait pu le faire penser la bande-annonce.

Un Monstre à Paris est un film qui laisse une grande place à la musique. Or, ce genre de film peut souvent se passer d’un récit trop complexe ou subtil sans en souffrir de trop. Le problème réside ici dans le fait que les chansons du film sont sympathiques, mais sans plus. Un peu à l’image de la carrière de M depuis quelques temps… Les airs ne donnent pas spécialement envie de danser et on sort de ce film sans les avoir dans la tête. Ils passent et on les oublie aussi vite qu’ils sont venus.

Après, affirmer que l’on s’ennuie devant un Monstre à Paris serait bien sévère. Il constitue tout de même un divertissement sympathique. Simplement, l’enthousiasme sera sûrement réservé aux plus jeunes. Dans le cadre d’une sortie familiale, ce film peut être synonyme d’une sortie réussie, car, même si l’humour reste désespérément au ras de pâquerettes, il fonctionne souvent très bien. On retiendra notamment un singe majordome qui constitue l’élément à l’esprit « cartoon » de ce film.

Mais Un Monstre à Paris reste surtout une grande réussite technique. Déjà, il confirme que c’est surtout pour le cinéma d’animation que la 3D présente un quelconque intérêt. Elle donne ici une vraie profondeur aux personnages et les rend plus expressifs. Mais plus globalement, il y a une remarquable élégance dans les graphismes, qui créent une charmante ambiance rétro. On pourra leur reprocher également un manque d’audace, mais à défaut de génie, il faut savoir saluer la maîtrise.

Un Monstre à Paris se distingue enfin par un casting voix plutôt soigné. Il ne nous permet pas par contre de savoir si M possède un potentiel de comédien, puisqu’il n’y fait que chanter. Vanessa Paradis quant à elle alterne les scènes de comédies et de chant avec le même bonheur. Mais c’est avant François Cluzet qui met un maximum de conviction et de talent dans sa prestation. Enfin, globalement, tous les acteurs jouent leur rôle avec le plus grand sérieux.

Au final, Un Monstre à Paris est un peu décevant, car avec un peu plus d’audace, il aurait été facilement possible de faire beaucoup mieux. Mais, il restera un film plutôt sympathique qui ravira surtout les petits, mais aussi un peu les grands.

Fiche technique :
Production : EuropaCorp, Walking the Dog, Bibo Studio
Distribution : EuropaCorp distribution
Réalisation : Eric Bergeron
Scénario : Eric Bergeron, Stéphane Kazandjian
Montage : Pascal Chevet
Décors : François Moret
Musique : Mathieu Chédid
Directeur artistique : François Moret
Durée : 82 mn

Casting :
Vanessa Paradis : Lucille
Mathieu Chédid : Francoeur
Gad Elmaleh : Raoul
François Cluzet : Le préfet Maynott
Ludivine Sagnier : Maud
Julie Ferrier : Madame Carlotta
Bruno Salomone : Albert

Visiblement, niveau consommation de biens culturels, la pouffe qui est en moi s’en donne à cœur joie ces derniers temps. Car après plusieurs albums de musique qui sentaient bon le string à paillettes, voici la littérature. Et qui de mieux que l’auteur de l’Accro du Shopping pour vous livrer un bon vrai roman 100% pour les filles… donc que les mecs se feront un malin plaisir de lire vaguement en cachette. Pas de Becky Bloomwood cette fois-ci, mais une certaine Emma Corringan, qui nous livre ici tous ses petits secrets.

Emma est comme tout le monde. Elle a quelques secrets. Elle ment de temps en temps pour se mettre en valeur, pour cacher ses faiblesses ou pour ne pas blesser son petit ami. Mais un jour, alors que son avion est pris dans de violentes turbulences, elle ne peut s’empêcher de dire toute la vérité à à l’homme assis sur le siège d’à côté, qu’elle ne connaît ni d’Eve, ni d’Adam. Une confession à un inconnu, un acte sans conséquences… sauf quand ce dernier se révèle être en fait le fondateur de l’agence de marketing pour laquelle elle travaille et qui vient visiter le bureau londonien.

Sophie Kinsella n’a pas son pareil pour saisir les petits tracas quotidiens et futiles pour en tirer un récit formidablement drôle et pertinent. Les fans de l’Accro du Shopping ne seront pas déçu par les Petits Secrets d’Emma. Ils retrouveront cet humour omniprésent dans une écriture incroyablement vivante et rythmée. Des personnages attachants, des situations loufoques et des retournement de situation qui ne laissent jamais l’histoire tourner en rond. Bref, un fond très léger, mais percutant et une forme soignée.

Les Petits Secrets d’Emma nous parle donc de tous ces petits mensonges, ou tout du moins déformation de la vérité, qui nous servent à dissimuler tout ce que nous refusons d’assumer. Bien sûr, pour les besoins du récit, ils se concentrent ici particulièrement sur un seul personnage. Mais il y a forcément dans ce livre une situation où vous vous reconnaîtrez et où vous ne pourrez qu’admettre que vous aussi, vous avez vos petits secrets inavouables. Le tout est traité ici avec beaucoup d’intelligence. Sophie Kinsella ne cherche pas une seule seconde à donner de leçons. Elle met simplement en lumière quelque chose qui fait partie de l’existence de chacun et porte dessus un regard ironique, mais plein de tendresse.

L’écriture de Sophie Kinsella est incroyablement légère. Les Petits Secrets d’Emma, comme ses autres œuvres, se lit avec une facilité déconcertante. Certains pourront trouver qu’à force de légèreté, son style frôle parfois l’inconsistance. Mais le résultat est là, on dévore ce roman et on le finit alors qu’on a l’impression de l’avoir tout juste entamé.

En fait, le seul reproche que l’on pourrait faire à Les Petits Secrets d’Emma est de ne pas être l’Accro du Shopping. Je veux dire par là que cette Emma Corringan est fort sympathique et tout à fait attachante, mais elle n’est pas le personnage le plus original du siècle. Du coup, on peut facilement s’y identifier, mais on ne brûle pas forcément d’envie de la retrouver pour d’autres romans. Mais surtout, cela bride quelque peu l’humour, même si ce roman reste très drôle. Becky Bloomwood est peut-être moins crédible qu’Emma Corringan, mais nous livre par contre des moments de bravoure inoubliables.

Evidemment, il serait dommage de passer à côté des Petits Secrets d’Emma au simple prétexte qu’il est moins génial et original que d’autres œuvres de la même auteur. Car il reste avant tout un roman très drôle, au propos très bien senti et qui constitue un pur divertissement littéraire de premier choix.

Le cinéma souffre parfois d’un fléau terrible : la mauvaise bande-annonce. Vous me direz un bon film reste un bon film et inversement. Seulement, le plaisir de voir une œuvre pour la première fois n’est pas le même que celui de le revoir. Alors une bande-annonce qui en dit trop, qui nous livre tous les rebondissements, qui nous montre les moments les plus drôles, qui désamorce tous les moments de tension narrative peut largement gâcher le plaisir. C’est pourquoi ceux qui ont réalisé celle de Le Skylab mériterait d’être lapidés à coups de figues molles !

1979, grande année puisque j’y suis né. Mais c’est aussi à ce moment qu’un beau jour de juillet, toute la famille se retrouve autour de la grand-mère en Bretagne. Oncles, tantes, cousines et cousins vont participer à ce grand raout familial, où se mêlera embrassades et engueulades.

Bon, j’ai rédigé mon introduction contre les auteurs de la bande-annonce de Le Skylab, mais avouons-le tout net, ce film n’avait pas besoin de cela pour être extrêmement décevant, pour ne pas dire totalement dénué d’intérêt. Simplement, les rares moments où le film éveille un minimum d’intérêt et les idées les plus originales figurent tous dans la bande-annonce. Du coup, si, comme moi, vous l’avez vu, revu, et rerevu, il ne vous restera plus rien. A chaque début de scène, vous saurez où cela aboutira, rendant ainsi encore plus interminable un film qui s’étire déjà désespérément en longueur.

Réaliser un film sans intrigue, sous la forme d’une chronique familiale est un exercice périlleux. Sans fil rouge, l’ennuie guette vite et il faut multiplier les trouvailles, les moments drôles, émouvants ou magiques et surtout rendre les personnages attachant dès les premiers instants. Or, Julie Delpy ne multiplie rien et nous décrit une famille à laquelle on n’a pas une seule seconde envie d’appartenir. J’avais déjà détesté, mais alors vraiment détesté, son premier film, 2 Days in Paris. La Comtesse m’avait par contre beaucoup plu, mais ce Le Skylab me fait à nouveau fortement douter sur son potentiel de réalisatrice.

Le Skylab joue à fond la carte de la nostalgie. Il est évident que dans ce film Julie Delpy nous raconte une partie de sa propre enfance. Mais je ne sais pas si les gens qui ont vraiment connu cette époque trouveront vraiment une quelconque raison de s’enthousiasmer. Car la réalisatrice ne nous raconte en fait rien. Limiter son scénario au récit d’une seule et même journée ne permet pas de développer de vraies intrigues parallèles, de voir une quelconque évolution dans les rapports entre personnages, bref de donner un tantinet d’épaisseur narrative à un film qui reste dramatiquement purement descriptif, aux scènes interminables dénuées de rythme.

Le Skylab nous présente un grand nombre de personnages, plus ou moins réussis, plus ou moins sympathiques. Mais le moins domine largement le plus. Caricaturaux et sans relief, ils ne permettent ni l’attachement, ni l’identification. Entre le para traumatisé et l’Espagnol obsédé sexuel, difficile de choisir celui qui nous laisse le plus dubitatif. Je ne sais pas s’ils sont tous inspirés de personnages que Julie Delpy a pu croiser au cours de son existence, mais une choses est sûre, je n’ai aucune envie de connaître les originaux.

Qui dit galerie de personnages dit galerie d’acteurs. Le Skylab ne représentera pour aucun des comédiens le rôle de leur vie. Pour la plupart, ils baignent dans la médiocrité du film et n’arrivent pas à donner une âme aux protagonistes. Mais encore une fois, c’est le scénario qui est avant tout à blâmer. Le seul à surnager quelque peu est le jeune Vincent Lacoste qui ne sombre pas avec le film, comme cela avait pu être le cas pour Les Beaux Gosses.

Au final, Le Skylab se révèle raté et sans intérêt. Ca fait beaucoup pour un seul film…

Fiche technique :
Production : The Film, France 2 Cinéma, Mars Film, Tempête sous un crâne production
Distribution : Mars distribution
Réalisation : Julie Delpy
Scénario : Julie Delpy
Montage : Isabelle Devinck
Photo : Lubomir Bakchev
Décors : Yves Fournier
Musique : Matthieu Sibony
Costumes : Cristina Mirete
Durée : 113 mn

Casting :
Lou Alvarez : Albertine
Julie Delpy : Anna
Eric Elmosnino : Jean
Aure Atika : Tante Linette
Noémie Lvovsky : Tante Monique
Bernadette Laffont : Mamie
Vincent Lacoste : Christian
Valérie Bonneton : Tante Micheline
Albert Delpy : Tonton Hubert