Michel Ocelot perpétue aujourd’hui une longue tradition d’un cinéma d’animation hexagonal particulièrement créatif et original. Il est pour ainsi dire le successeur de Paul Grimault, le créateur du Roi et l’Oiseau. Tous deux ont su puiser dans les contes et légendes traditionnels pour en tirer des histoires modernes et surprenantes. S’inspirer ne veut pas forcément dire imiter ou répéter. Les Contes de la Nuit sont là pour le prouver.

Une fois la nuit tombée, un homme, un jeune garçon et une jeune fille s’amusent à revisiter les contes du monde entier et s’en inspirent pour interpréter des petites scénettes, réinventant des histoires à la fois typiques et universelles.

Les Contes de la Nuit ne constituent pas l’œuvre la plus marquante de Michel Ocelot. Cependant, elle saura charmer un public large, de 7 à 77 ans comme l’on dit. Comme pour beaucoup de contes traditionnels, il y a toujours plusieurs niveaux d’interprétation à chacune des courtes histoires racontées dans ce film. Les plus jeunes prendront tout au premier degré et y verront un livre de contes animés, comme ceux qui ont bercé notre jeunesse sur papier glacé. Personnellement, j’y ai retrouvé le plaisir que j’éprouvais petit en feuilletant une collection de beaux livres de contes du monde entier qui ornait notre bibliothèque.

Les adultes prendront la mesure de l’ironie et du second degré qui habitent ces contes… mais en mesureront aussi paradoxalement les limites. Par rapport aux œuvres précédentes de Michel Ocelot, notamment Kirikou, ces Contes de la Nuit n’ont pas la même portée et reste tout de même plus basiques, même si ce terme n’a pas forcément ici une valeur péjorative. Simplement, cela ne permet pas de dépasser le stade de la simple sympathie nostalgique pour ce film qui constitue un divertissement intelligent, mais essentiellement à l’adresse des plus petits.

On appréciera tout de même la volonté de nous faire découvrir différents folklores. En effet, on voyagera des Antilles au Tibet, en passant par l’Afrique et l’Amérique du Sud. A chaque fois, Michel Ocelot nous livre décors et costumes en rapport avec le contexte. Cependant, cela reste toujours épuré. Nous sommes censés assister à des pièces de théâtre, les éléments graphiques gardent donc toujours une certaine sobriété. Les personnages sont le plus souvent représentés en ombre chinoise, ce qui rappellera Princes et Princesses, mais aussi , aux gens de ma génération, la Princesse Insensible, qui agrémentait nos après-midi devant Récréa 2. Cela tranche vraiment avec l’exubérance technique des films d’animation actuelle et cela est sûrement volontaire. Cela déplaira sûrement à certains enfants, qui vous réclameront très vite un Cars 2, mais cela peut permettre aussi de vraiment se concentrer sur les différentes histoires.

Comme tous films à sketchs, les Contes de la Nuit est quelque peu inégal. La scénette la plus intéressante est à mes yeux celle qui se déroule au Tibet. C’est de loin la plus riche et la plus complexe et elle laissera peut-être assez dubitatif les plus petits. Après, chacun aura ses préférences selon la sensibilité qu’il porte aux différentes cultures qui habitent chacune de ces histoires. On a chacun son conte préféré dans un livre d’histoire et ce film n’échappe pas à la règle. Evidemment, il faudrait savoir conserver au moins une partie de son âme d’enfant pour les apprécier pleinement et ne pas en rire bêtement.

Au final les Contes de la Nuit laisse sur une impression moyenne si on se réfère au reste de l’œuvre de Michel Ocelot. Mais cela n’est pas faire justice à un film familial riche, original et intelligent.

Fiche technique :
Production : Nord-Ouest Films, Studio O, Studio Canal
Distribution : Studio Canal
Réalisation : Michel Ocelot
Scénario : Michel Ocelot
Montage : Patrick Ducruet
Décors : Anne Lise Koehler, Christel Boyer, Simon Lacalmontie
Son : Séverin Favriau
Musique : Christian Maire
Effets spéciaux : Rodolphe Chabrier
Durée : 84 mn

Casting :
Julien Beramis : voix
Marine Griset : voix
Michel Elias : voix
Olivier Claverie : voix

L’histoire du cinéma est jalonnée d’acteurs qui se sont investis au-delà du raisonnable dans certains rôles. On peut notamment citer les kilos pris par Robert De Niro pour Raging Bull ou au contraire ceux perdus par Michael Fassbender pour Hunger. Joaquin Phoenix a écrit une nouvelle page avec l’incroyable canular à l’origine du faux documentaire I’m Still Here.

En 2008, Joaquin Phoenix, alors que le film Two Lovers s’apprête à sortir sur tous les écrans, annonce qu’il met fin à sa carrière d’acteur pour se lancer dans le hip-hop. Ce changement brutal de vie doit faire l’objet d’un documentaire réalisé par son beau-frère, Casey Affleck. D’abord incrédule, le monde le voit sombrer chaque jour un peu plus, alors que son absence total de talent est de plus en plus criante.

Aussi incroyable que cela puisse paraître, Joaquin Phoenix a joué un rôle pendant deux années entière de sa vie. Pas à l’écran, mais dans son quotidien, où chacune de ses apparitions devaient confirmer ce que chacun avait pris au début pour une simple blague. Il ne s’agissait pas de simplement jouer les rappeurs amateurs, mais bien de se transformer peu à peu en déchet, négligeant chaque jour un peu plus son aspect physique extérieur. Et si vous le trouviez charmant dans Walk the Line ou La Nuit Nous Appatient, attendez-vous à le trouver nettement moins sexy hirsute et barbu.

I’m Still Here est donc un faux documentaire, à l’image de ce que fait Sacha Baron Cohen avec Borat ou Bruno. Un mélange de scènes purement fictives avec des passages où le personnage est confronté avec le « monde réel ». Le moment le plus célèbre repris dans ce film est une interview de Joaquin Phoenix au Late Show with Davin Letterman (genre de Nulle Part Ailleurs de la grande époque américain), où il se montre incapable de formuler des propos cohérents de plus dix mots. Un célèbre moment de télévision qui avait plongé les médias dans la stupéfaction et la consternation.

Evidemment, à chaque scène, on se demande bien qui est complice et qui ne l’est pas. Notamment pour un des moments de bravoure de I’m Still Here, quand Ben Stiller vient lui proposer un scénario et qu’il se voit répondre en gros que son humour, c’est de la mer… Mais au final, cette ambiguïté n’est guère gênante car c’est justement là la force de ce genre de film de démontrer par les faits à quel point chacun est plus ou moins en train de jouer un rôle.

Une grande différence entre I’m Still Here et les films de Sacha Baron Cohen réside dans l’ampleur de l’investissement réalisé par Joaquin Phoenix qui a vraiment changé sa vie pendant deux ans. Cela donne une dimension « historique » à ce film, qui est au final la plus grande blague de potache jamais réalisée. Mais à l’inverse, pour tenir aussi longtemps, il a fallu que tout cela reste très réaliste… Il n’y a donc pas de moments totalement surréalistes comme ceux que l’on peut voir dans Borat. On est donc là face à ce qui est à la fois la grande force, mais aussi la plus grande limite de ce film.

I’m Stil Here s’amuse quand même à égratigner largement le show-bizz et la jet-set. Un milieu très superficiel où Joaquin apparaît comme un grain de sable, car tout doit y rester glamour et respirer l’argent et le succès. Tout cela a d’autant plus de portée que l’acteur a perdu son frère, River Phoenix, star à Hollywood avant lui, d’une overdose. Un drame qui lui a sûrement permis d’acquérir ce recul et ce regard plein de dérision qui lui ont permis de s’engager dans un projet aussi fou.

I’m Still Here reste avant tout une curiosité cinématographique, plutôt qu’un vrai grand moment du 7ème art. Mais on ne pourra que saluer un tel investissement, peut-être un peu vain, mais certainement moins que tout ce à quoi le show-bizz accorde de l’importance.

Fiche technique :
Réalisation : Casey Affleck
Scénario : Joaquin Phoenix et Casey Affleck
Photographie : Magdalena Górka et Casey Affleck
Montage : Dody Dorn
Musique : Marty Fogg
Production : Joaquin Phoenix, Amanda White et Casey Affleck

Casting :
Joaquin Phoenix : lui-même
Antony Langdon : Anton
Carey Perloff : le réalisateur
Larry McHale : lui-même
Casey Affleck : lui-même
Jack Nicholson : lui-même
Billy Crystal : lui-même
Danny Glover : lui-même
Bruce Willis : lui-même
Robin Wright : elle-même
Danny DeVito : lui-même

La tradition du film noir de notre pays est profonde et se perpétue aujourd’hui encore, avec plus ou moins de bonheur. Elle doit son essor en particulier à un homme, Jean-Pierre Melville. De 1945 à 1972, il a fait tourner les plus grands dans des rôles inoubliables : Lino Ventura dans l’Armée des Ombres, Bourvil dans le Cercle Rouge, Alain Delon dans le Samouraï. Et puis, Jean-Paul Belmondo dans le Doulos.

Maurice Faugel sort de prison et pour se venger de l’assassinat de sa femme, il abat le recéleur Gilbert Varnove en lui volant argent et bijou. Le lendemain, il prépare un casse avec son ami Silien qui lui apporte du matériel pour ouvrir un coffre dans un hôtel particulier. Pourtant, on lui a dit de se méfier de lui car il a la réputation d’être un doulos, c’est à dire un informateur de la police.

Le Doulos est un film noir étonnamment moderne par bien des aspects. Il confirme tout le génie de Jean-Pierre Melville, un des réalisateurs en avance sur son temps et qui a vraiment inventé le cinéma. Le scénario déjà est complexe, avec des personnages dont on ignore les réels intentions, des rebondissements et un retournement de situation final. Les truands sont à la fois les méchants et les gentils de cette histoire où rien n’est blanc, ni noir. Si l’ambiguïté est une qualité encore aujourd’hui remarquable, elle l’était d’autant plus en 1963, où le spectateur n’avait pas forcément l’habitude d’être pris ainsi à contre-pied.

Le Doulos est aussi visuellement audacieux. Bien sûr, cela se joue dans quelques détails qui font sourire aujourd’hui, mais dans le contexte, il fallait oser. Déjà, on peut apercevoir la poitrine d’une femme nue allongée dans lit après une nuit d’amour. Bon désormais, c’est le coït que l’on nous montre, parfois en détail, mais à l’époque, on en était très loin. Autre détail, au cours du film, on assiste à beaucoup de morts par balles et comme à l’habitude à cette époque, aucune goutte de sang ne coule. Mais lors des dernières minutes, lors de l’ultime rebondissement, un filet d’hémoglobine sera visible, pour souligner le caractère dramatique de la scène. C’est presque anodin, mais cela représentait une vraie transgression des codes alors en vigueur.

Le Doulos reste tout de même un film de son temps. Un film d’hommes, un film d’acteurs, mais manque parfois un peu de rythme et d’intensité par rapport aux productions actuelles. Mais on peut simplement y voir le témoignage d’un 7ème art qui se concentrait à l’époque sur l’essentiel, sur le cœur de l’histoire et non sur des scènes purement spectaculaires. Cela donne une légère impression de naïveté à ce film, même si, on vient le voir, Jean-Pierre Melville avait alors fait son maximum pour conserver un certain réalisme.

Le Doulos est enfin l’occasion d’admirer deux formidables acteurs au sommet de leur carrière. Jean-Paul Belmondo bien sûr, des décennies avant de briller avant tout par son yorkshire. On retrouve dans ce film tout le charisme qui a fait de lui un des plus grandes stars de l’histoire du cinéma hexagonal. A ses côtés, Serge Reggiani nous rappelle quel comédien il fut, même si sa carrière a connu beaucoup de seconds rôles. Là encore, beaucoup de sobriété dans le jeu, mais une présence à l’écran réellement impressionnante.

Le Doulos constitue donc un grand classique du cinéma français. Un des grands films de Jean-Pierre Melville, même si l’histoire en a surtout retenu d’autres. Mais la carrière de ce réalisateur fut si riche, qu’elle ne compte que des films d’exception.

Fiche technique :
Réalisation : Jean-Pierre Melville
1er Assistant réalisateur : Volker Schloendorff
Scénario, adaptation et dialogues : J.-P. Melville, d’après le roman de Pierre Lesou
Production : Carlo Ponti et Georges de Beauregard pour Rome-Paris Films
Publicité de la production : Bertrand Tavernier
Décors : Daniel Guéret
Photographie : Nicolas Hayer
Musique : Paul Misraki, en collaboration avec Jacques Loussier (piano-bar)
Direction d’orchestre : Jacques Metehon
Montage : Monique Bonnot
Genre : policier
Noir et blanc
Durée : 110 minutes
Sortie : 13 décembre 1962 (Italie), 8 février 1963 (France).

Casting :
Jean-Paul Belmondo : Silien
Serge Reggiani : Maurice Faugel
Jean Desailly : le commissaire Clain
Fabienne Dali : Fabienne
Michel Piccoli : Nuttheccio
René Lefèvre : Gilbert Varnove
Marcel Cuvelier : le premier inspecteur
Jack Léonard : le deuxième inspecteur
Aimé de March : Jean
Monique Hennessy : Thérèse