La neige est blanche, mais constitue un décor parfait pour les films noirs. Il y a le polar nordique, mais aussi le polar de montagne. Le cinéma français nous a déjà offert cette année, Poupoupidou, mais avec un ton résolument décalé et original. Retour à une ambiance plus classique, mais aussi plus sombre, avec Avant l’Aube. Mais si le premier nous avait très agréablement surpris, le second déçoit, malgré d’incontestables qualités.

Le jeune Frédéric est en stage dans un hôtel des Pyrénées. Il n’est pas très bavard et sort de quelques mois de prison pour coups et blessures. Un soir, il indique son chemin à un client, qui est déclaré disparu quelques jours plus tard. Le même soir, il surprend son patron et son fils rentrant à l’hôtel après ce qui semble être un accident de voiture. Le patron prend alors Jérémy sous son aile, lui témoignant une étonnante affection. Mais à quel point est-elle sincère ? N’est-elle pas juste un moyen de s’assurer que certains secrets restent bien gardés ?

Le fil rouge principal de Avant l’Aube est avant tout la relation entre Frédéric et son patron. Une amitié ambiguë et qui donne un caractère malsain à ce qui pourrait être une sorte de conte de fées social. Le tout est traité avec beaucoup d’intelligence et de subtilité et aurait pu à faire de ce film une vraie réussite. Mais cet aspect est insuffisant pour porter le film à lui tout seul. Il a du être enrobé d’éléments nettement moins intéressants.

L’aspect polar classique déjà. Ce n’est vraiment pas la préoccupation première de Rapahel Jacoulot. Si les évènements déclencheurs ne nous sont pas montrés explicitement, aucun suspense n’est maintenu à propos de ce qui s’est réellement passé. Du coup, on guette quand même du coin de l’œil le retournement de situation qui nous ferait comprendre que l’on a été mené en bateau. Il n’en est rien. Encore une fois, l’intérêt de Avant l’Aube est ailleurs, mais dans ce cas pourquoi abuser ainsi des ellipses qui donnent l’impression qu’on nous cache quelque chose, alors qu’ au final, on ne nous cache strictement rien ? Le film aurait fortement gagné en intérêt si, à l’ambiguïté des rapports entre les personnages, s’ajoutait un vrai suspense.

Avant l’Aube souffre également d’un manque d’intérêt des relations des protagonistes principaux avec les personnages secondaires. Le patron et son fils d’un côté, Jérémy et sa petite amie de l’autre. Certes, ces rapports sont là pour illustrer l’évolution de la relation entre l’employé et son patron et ses conséquences. Mais on ne s’attache pas à ces personnages franchement antipathique pour l’un et relativement transparent pour l’autre, alors qu’ils occupent une place importante dans le scénario.

Par contre, Avant l’Aube compte un protagoniste secondaire fort réussi en la personne de l’inspectrice de police qui vient mettre son nez là où les autres préfèreraient qu’elle s’abstienne. Malheureusement, comme l’aspect « polar » passe quelque peu au second plan, elle ne prend pas toute la place qu’elle aurait mérité. C’est dommage car voir Sylvie Testud à l’écran est toujours un régal.

Jean-Pierre Bacri tient là un rôle quelque peu à contre-emploi, mais s’en sort avec son habituel talent. Bien sûr, il interprète à nouveau un personnage quelque peu bougon et taciturne, mais dans un contexte, assez sombre, dans lequel on n’a nettement moins l’habitude de le voir évoluer. Il n’est pas là pour créer un effet comique, mais au contraire pour inquiéter et entretenir l’ambiguïté qui émane de la sympathie qu’il témoigne au jeune garçon. Ce dernier est interprété par Vincent Rottiers, un solide espoir du cinéma français, qui signe là une prestation correcte, sans être exceptionnelle.

Avant l’Aube est donc un film inégal. Si le corps du film aurait pu lui permettre d’être un excellent film noir, les à côté souffrent d’un manque d’intérêt trop flagrant pour que le tout soit réellement enthousiasmant.

Fiche technique :
Réalisation : Raphaël Jacoulot
Scénario : Lise Macheboeuf et Raphaël Jacoulot
Production : Dominique Besnehard, Michel Feller
Coproducteur : Nicolas Steil
Image : Benoit Chamaillard (AFC)
Décors : Denis Renault (ADC)
Costumes : Judy Shrewsbury
Maquillage : Fabienne Adam
Coiffure : Céline Van Heddegem
Montage : Mirjam Strugalla
Son : Carlo Thoss, Pia Dumont, Michel Schillings
Musique originale : André Dziezuk
Casting : Christel Baras (ARDA)
1ère assistante réalisateur : Delphine Daull

Casting :
Jean-Pierre Bacri :Jacques Couvreur
Vincent Rottiers :Frédéric Boissier
Ludmila Mikaël : Michèle Couvreur
Sylvie Testud: Sylvie Poncet
Céline Sallette: Julie
Xavier Robic : Paul Couvreur
India Hair : Maud
Pierre-Felix Gravière : Olivier
Marc Brunet: Barthod

Ah, revoir les films cultes de son enfance-adolescence, après une abstinence d’une quinzaine d’années d’abstinence est toujours un plaisir. Madeleine de Proust quand tu nous tiens ! Après avoir fait l’acquisition du DVD de Ghostbusters il y a un an et demi, je viens tout juste d’acheter celui de Gremlins. On a toujours une petite appréhension, comme le jour où l’on revoit son amoureuse de primaires après l’avoir retrouvé sur Facebook. Mais comme les belles histoires ne peuvent jamais se terminer mal, généralement tout se passe bien.

Randall Peltzer est un inventeur dont les inventions ne fonctionnement que rarement, ce qui nuit évidemment à son compte en banque. Mais il a quand même décidé d’acheter un beau cadeau de Noël pour son fils. Il erre dans Chinatown et tombe sur une vielle boutique, où il trouve un trésor rare : un mogwai, une adorable petite créature au poil doux. Cependant, le propriétaire de la boutique refuse de le lui vendre. Une fois ressorti, Randall est rattrapé par le petit-fils du vendeur qui lui confie finalement le petit animal. Il lui rappelle surtout les trois règles absolues auxquelles il ne faut jamais déroger avec un mogwai : ne jamais l’exposer à la lumière, ne jamais le mettre en contact de l’eau et surtout ne jamais lui donner à manger après minuit.

Alors commençons par ce qui aurait pu fâcher. Naturellement, les effets-spéciaux de 1984 n’étaient pas tout à fait ce qu’ils sont aujourd’hui. Et je n’ai pas réchappé à la réflexion intérieure en revoyant Gremlins, la même que pour Ghostbusters : « Ah, je ne me rappelais pas que c’était si mal fait… ». Mais voilà, ce ne fut vraiment que l’espace d’un quart de huitième de seconde, avant de goûter à la joie de revoir cette bonne bouille de Gizmo. Evidemment, c’est une marionnette, ça se voit comme le nez au milieu de la figure, mais cela lui donne un charme incomparable. Un peu comme le Yoda de la première trilogie Star Wars, qui aura toujours quelque chose que le Yoda bondissant en image de synthèse n’aura jamais. Enfin l’inverse est vrai aussi, mais là n’est pas le débat…

Gremlins a donc le charme de son âge. Et il est incontestable. Peut-être que c’est une question de génération et que mes enfants trouveront bizarre mon attachement à ce vieux film mal fait. Mais à l’époque c’était le top du top (ou presque) et je suis malheureusement assez âgé pour m’en rappeler. Alors oui, cette madeleine vaut largement autant par les souvenirs qu’elle réveille que par ses qualités cinématographiques intrinsèques, mais il n’est pas question d’oublier ces dernières.

Car Gremlins c’est aussi, et avant tout, quelques moments d’anthologie. Comment oublier cette scène où une brave ménagère américaine défend avec un courage et une violence rares sa cuisine, envahie par ses hargneuses créatures ? Quelle belle allégorie de la défense des valeurs du rêve américain ? Bien sûr, tout cela est à prendre au second degré car Joe Dante prend un malin plaisir dans ce film à détourner les éléments constitutifs de l’American Way of Life. Ces derniers deviennent les instruments avec lesquels les gremlins s’amusent à torturer ces braves Américains moyens.

Enfin, quand je dis torturer, je tiens quand même à rappeler que Gremlins n’a rien d’un film d’horreur gore. S’il n’est pas à montrer au plus jeunes, il constitue tout de même un divertissement somme toute relativement familial. Les moins âgés prendront tout au premier degré, les adultes apprécieront cette version quelque peu dévoyée de l’esprit de Noël à l’américaine. Les plus petits aimeront les chants de Gizmo, les plus grands les rires sadiques des gremlins.

Si Gremlins a connu un tel succès et est devenu un tel film culte, c’est vraiment grâce à cette ironie jubilatoire. On ne peut s’empêcher d’être quand même au moins autant du côté des gremlins que de ces braves humains à qui il font subir les pires misères. Ah ce qu’on aimerait en avoir un ou deux sous la main, pour les envoyer discrètement chez son patron, son banquier ou sa belle-mère (au choix !). Et puis, si on gardé une pure âme d’enfant, on aimerait toujours pour garder un gentil mogwaï pour soi…

Gremlins est donc une délicieuse madeleine, qui flatte nos souvenirs d’enfance… et nos penchants les plus sadiques !

Fiche technique :
Réalisation : Joe Dante
Scénario : Chris Columbus
Production : Michael Finnell
Production exécutive : Steven Spielberg, Kathleen Kennedy et Frank Marshall
Musique : Jerry Goldsmith
Photographie : John Hora
Montage : Tina Hirsch
Décors : James H. Spencer
Format : Couleurs – 1.85:1 – Dolby – 35 mm
Durée : 104 minutes
Dates de sortie : États-Unis : 8 juin 1984
France : 5 décembre 1984

Casting :
Zach Galligan : Billy Peltzer
Phoebe Cates : Kate Beringer
Hoyt Axton : Randall Peltzer
Frances Lee McCain : Lynn Peltzer
Polly Holliday : Ruby Deagle
Glynn Turman : Roy Hanson
Dick Miller : Murray Futterman
Scott Brady : Le shérif Frank

Les frères Coen font partie des réalisateurs que, n’ayons pas peur des mots, j’idolâtre. Je n’ai pas jamais fait le compte, mais ils font partie des cinéastes les plus représentés dans ma liste de films culte que vous pouvez retrouver sur ce site… avec Tim Burton, Stanley Kubrick, Steven Spielberg ou encore Quentin Tarantino. Une de leur grande force réside dans leur capacité à sauter d’un genre cinématographique à l’autre, avec le même bonheur, la même imagination, la même créativité. Il en manquait encore un à leur tableau de chasse, le western. C’est désormais chose faite avec True Grit.

Mattie Ross n’a que quatorze ans, mais sait déjà ce qu’elle veut. Elle est capable de négocier et tenir tête à n’importe quel adulte dans cet Ouest pourtant sauvage. Et ce qu’elle veut vraiment, c’est venger la mort de son père en capturant son meurtrier. Pour cela, elle va embaucher le marshall Rooster Cogburn. L’homme, plus très jeune et plutôt porté sur la boisson, accepte la mission. Lorsqu’elle lui annonce qu’elle va l’accompagner, il refuse. Mais on ne peut rien refuser longtemps à Mattie Ross.

True Grit est sans doute objectivement le meilleur western depuis Impitoyable. Tout y est parfait, à la hauteur du talent des frères Coen. Photographie sublime, personnages originaux et séduisants, sans être une seule seconde lisses, pointe d’ironie très appréciable et un vrai souffle d’aventures. Bref, un film qui refait vivre la légende de l’Ouest, comme à ses plus beaux jours.

Ce film est tellement parfait dans sa forme qu’il est même difficile d’en parler longuement. Mais justement, le seul défaut de True Grit est sans doute sa perfection. On peut trouver que je coupe les cheveux en quatre, mais ce film ne m’a pas enthousiasmé. Rien à voir avec l’état dans lequel je me trouvais à la sortie de The Big Lebowski, Fargo, Intolérable Cruauté ou No Country for Old Men. J’aurais bien du mal à dire clairement pourquoi. Simplement, j’ai parfois eu la sensation d’être devant un impressionnant exercice de style, mais qui ne m’a jamais vraiment surpris ou ému. L’admiration, même la plus profonde, ne suffit pas toujours.

Par contre, avec le recul, je tiens à exprimer mon désaccord avec beaucoup des commentaires que j’ai pu lire avant d’aller voir True Grit, comme quoi les frères Coen réinventait le western. Il ne réinvente rien du tout. Si un film peut se targuer d’une telle performance, c’est Impitoyable. Depuis, le cinéma hollywoodien a repris goût, certes modestement, à ce genre trop longtemps oublié. Open Range, Appaloosa, 3h10 pour Yuma, autant d’excellents films qui n’aurait sûrement pas vu le jour sans le chef d’œuvre de Clint Eastwood. True Grit vient se rajouter à cette liste, sans marquer spécialement un tournant particulier.

Ceci n’est évidemment pas un reproche envers le film en lui-même, qui reste magnifiquement réalisé. True Grit constitue un futur classique à n’en pas douter, même s’il est toujours difficile de savoir ce que le postérité retiendra. Et classique est bien un des mots qui caractérise le plus ce film. La patte des frères Coen est nettement moins présente que dans la plupart de leurs réalisations, si ce n’est cette formidable faculté à diriger les acteurs.

Les retrouvailles entre les frères Coen et Jeff Bridges sont un vrai régal. Ce dernier est juste parfait en vieux baroudeur de l’Ouest. D’ailleurs, il devient l’acteur à embaucher pour jouer les vieux baroudeur, tant il est comme le bon vin et se bonifie avec l’âge. Avec son physique qui sent l’Amérique profond par tous les pores, il incarne son personnage d’une manière remarquable. A ses côtés, Matt Damon est un peu plus pâle. Certes, ce n’a jamais été de toute façon l’acteur le plus expressif d’Hollywood, mais on l’a connu un peu plus charismatique. Mais bon, tout cela reste relatif. Enfin on saluera la performance de la jeune Hailee Steinfeld qui tient tête avec un aplomb incroyable à ses deux aînés. Son personnage a un cran phénoménale (c’est le sens du mot anglais, grit), son interprète en a aussi visiblement à revendre.

J’avais vraiment espérer que True Grit soit le premier film cinq étoiles de l’année, que grâce à lui, enfin en 2011, je sorte du ciné avec l’envie de sauter partout (rassurez-vous, je ne le fais jamais vraiment pour de vrai, même quand j’en ai très envie). Ce ne sera encore pas pour cette fois. Cependant, ce film est certainement le meilleur qui soit sorti cette année (même si l’Académie des Oscars lui a préféré le Discours d’un Roi).

Fiche technique :
Production : Paramount Pictures, Skydance Prods,Scott Rudin Productions, Mike Zoss Productions
Distribution : Paramount Pictures France
Réalisation : Ethan & Joel Coen
Scénario : Ethan & Joel Coen, d’après l’oeuvre de Charles Portis
Montage : Ethan Coen
Photo : Roger Deakins
Décors : Jess Gonchor, Nancy Haigh
Musique : Carter Burwell
Directeur artistique : Stefan Dechant, Christina Ann Wilson
Durée : 125 mn

Casting :
Jeff Bridges : Rooster Cogburn
Matt Damon : Laboeuf
Josh Brolin : Tom Chaney
Barry Pepper : Ned Pepper
Hailee Steinfeld : Mattie Ross
Dakin Matthews : Colonel Stonehill

Le premier volet des aventures de Largo Winch m’avait beaucoup séduit. Non pas que c’était le chef d’œuvre du siècle, mais c’était un film d’aventures et d’action extrêmement divertissant, spectaculaire et bien foutu, à un niveau rarement atteint pour une production hexagonale. De plus, les auteurs avaient eu le bon goût de préserver l’esprit original de la bande-dessinée culte dont il est l’adaptation. Il était évident qu’il engendrerait au moins une suite. Exercice toujours délicat, surtout quand le premier volet est un vrai succès.

Largo Winch est désormais bien installé à la tête de l’empire industriel crée par son père, le groupe W. Mais comme il est un peu rebelle, il se décide à tout vendre pour réutiliser les fonds ainsi obtenus pour des œuvres humanitaires. Il sollicite les conseils d’Alexandre Jung, le plus vieil ami de son père, qui le met en garde contre les dangers d’une telle opération, qui ne manquera pas de bouleverser le monde de la finance et lui créer beaucoup d’ennemis. D’ailleurs, quelques minutes après avoir signé son mandat de vente, il voit débarquer sur son yatch une procureur de la Cour Pénale Internationale, Diane Francken.

Largo Winch II, tout comme le premier volet, est bon comme un James Bond. Intrigues, cascades et personnages sont totalement improbables, mais on s’en tamponne le coquillard. On est là pour le spectacle et le divertissement et tous ces éléments se mettent à leur service pour un résultat aussi réussi qu’efficace. De plus, on retrouve les mêmes touches de voyage et d’exotisme qu’une aventure de l’agent 007. Bref, on y trouve exactement ce qu’on est venu y chercher. Et si certains ont été déçus en espérant plus, c’est qu’ils n’ont pas du beaucoup réfléchir avant d’acheter leur billet.

Techniquement, il n’y a vraiment rien à dire. Il n’y a pas cette impression d’un léger manque de moyens, habituel chez les films d’espionnage français tournés vers l’action, comme Secret Défense par exemple. Et si Gérard Lanvin était plus crédible que Tomer Sisley, on préfèrera tout de même ce personnage de milliardaire philanthrope, n’hésitant jamais à mettre les mains dans le cambouis et asséner quelques baignes au passage. Mais toujours pour la bonne cause of course !

Tomer Sisley confirme ici un vrai talent de comédien. Alors bien sûr, ce n’est pas le rôle de composition du siècle, mais il fait preuve ici d’un charme et d’un charisme incontestables. Et pour un ancien comique, il ne donne jamais l’impression d’en faire trop. Heureusement qu’ils n’ont pas choisi Franck Dubosc à sa place… En face de lui, Sharon Stone ne semble toujours avoir pris une seule ride. Enfin si, peut-être une ou deux, mais ça n’enlève pas grand chose à son sex-appeal. Alors bien sûr, son rôle n’est pas crédible une seule seconde, mais encore une fois, on s’en fout complètement et on se contentera de profiter de son charme et son talent. Saluons également le dernier rôle de Laurent Terzieff, immense acteur, décédé en juillet dernier.

Largo Winch II brille aussi dans un domaine où le cinéma français pêche parfois, surtout quand on quitte le domaine de la comédie pure. En effet, les seconds rôle sont ici tous excellents et apportent une vraie plus-value. On saluera notamment Nicolas Vaudé, en domestique maladroit, obligé de jouer les agents secrets. Cela a des parfum d’Indiana Jones, mais des références de cette qualité, on n’a jamais rien contre.

Largo Winch II propose donc un très bon équilibre entre humour et action. Là encore, le parallèle avec James Bond est évident. Même en pleine poursuite, notre milliardaire n’est jamais avare d’un bon mot ou d’une réplique qui fait mouche. C’est aussi la preuve que ce film ne se prend pas vraiment au sérieux sur le fond. Mais cela n’a pas empêché Jerôme Salle de soigner, avec le plus grand sérieux, la forme.

Largo Winch II n’est pas la copie d’un film américain. C’est juste un bon film d’aventures divertissant. Après, ce n’est pas de leurs faute, s’ils sont les meilleurs pour ça à Hollywood. Mais ce film prouve que l’on peut faire aussi bien qu’eux dans ce domaine. Alors pourquoi se priver ?

Fiche technique :
Production : Pan Européenne, Wild Bunch, TF1 films production, Casa productions, LW production, Climax Films
Distribution : Wild Bunch Distribution
Réalisation : Jérôme Salle
Scénario : Jérôme Salle, Julien Rappeneau
Montage : Stan Collet
Photo : Denis Rouden
Décors : Laurent Ott
Son : Marc Engels, Jean-Paul Hurier
Musique : Alexandre Desplat
Costumes : Gabrielle Binder
Durée : 119 mn

Casting :
Tomer Sisley : Largo Winch
Sharon Stone : Diane Francken
Ulrich Tukur : Dwight Cochrane
Mame Nakprasitte : Malunaï
Olivier Barthélémy : Simon Ovronnaz
Laurent Terzieff : Alexandre Jung
Nicolas Vaudé : Gauthier
Nirut Sirichanya : Général Kyaw Min
Clemens Schick : Dragan Lazarevic