Voilà huit ans qu’on attendait le nouveau film de Peter Weir, le réalisateur de Witness, Le Cercle des Poètes Disparus, The Truman Show ou encore Master and Commander (entre autres). Un cinéaste assez peu prolifique, mais qui signe généralement des films qui font date. Sa dernière production, les Chemins de la Liberté est sorti dans un anonymat relatif (il y a quand même eu un peu de promotion), indigne d’un metteur en scène de ce calibre. Comme quoi à force d’être trop longtemps absent, on se fait quelque peu oublier.

1940, un camp de prisonniers en Sibérie regroupe des détenus de différents horizons. Il semble impossible de s’évader de cet endroit entouré par une immensité vide et glaciale. Impossible sauf pour des hommes prêts à parcourir 10 000 km à pied…

Master and Commander, le précédent film de Peter Weir, m’avait laissé quelque peu sur ma faim. Magnifiquement réalisé, avec des acteurs superbement dirigés, mais malgré tout, un résultat pas totalement passionnant. Il s’agissait là d’un avis très personnel vu l’enthousiasme de la critique d’alors et celui de tous les cinéphiles que je connais. Les Chemins de la Liberté m’a fait exactement la même impression. Sauf que cette fois, si j’en crois la critique relativement tiède vis-à-vis de ce film, l’impression est nettement plus partagée.

Surtout que les Chemins de la Liberté ne brille pas par son suspense. On sait dès la première seconde qu’ils seront trois à arriver jusqu’en Inde. Reste à savoir qui, mais tout au long du film, on n’a jamais trop de doute sur l’identité du prochain qui va succomber. L’intérêt est donc ailleurs. Il est dans le sentiment d’évasion, dans l’admiration que l’on peut avoir pour l’abnégation de ces personnages. Mais encore un fois, il manque un grand souffle épique pour ce film soit totalement passionnant, pour que le spectateur rentre vraiment dans cette histoire incroyable, mais pourtant vraie. On y trouve tout ce à quoi on pouvait s’attendre, mais absolument rien de plus. Il n’y a aucune prise de risque, ni artistique, ni narrative. Alors même si ce qui nous ait proposé est plutôt réussi, on reste un peu sur notre faim.

Les Chemins de la Liberté n’est donc pas le grand film qu’il aurait pu être. C’est propre, c’est beau, mais ce n’est jamais vraiment passionnant. On ne s’y ennuie pas, mais on ne s’y enthousiasme pas non plus.

Casting :
Jim Strugess : Janusz
Ed Harris : M. Smith
Saoirse Ronan : Irena
Colin Farrell : Valka
Mark Strong : Khabarov
Gustaf Skarsgard : Voss
 

A la base, je n’aime pas trop Benoît Magimel, alors je n’ai pas vraiment très chaud pour aller voir l’Avocat. Et puis, on m’en a dit du bien et comme j’ai plutôt confiance dans les avis familiaux, je m’y suis rendu tout de même. Et bien, je n’aurais pas du !

Léo est un jeune avocat débordant d’ambition. Il vient d’être embauché dans un grand cabinet, lorsqu’il est approché par un proche de Paul Vanoni. Ce dernier règne sur la collecte et le retraitement des ordures dans la région par des méthodes quelque peu controversées. Il hésite à accepter cette mission, mais son patron lui indique que les avocats sont là pour défendre leurs clients, non les juger. Mais quand est-il quand on découvre que tout cela cache une organisation mafieuse et criminelle ?

Ceux qui parmi vous suivent la série Damages peuvent immédiatement passer leur chemin. Les similitudes sont assez nombreuses… enfin aussi similaire que peut l’être le meilleur foie gras et le pire pâté premier prix. Si l’Avocat avait l’ambition de rivaliser avec les meilleurs films du genre américains, c’est raté car le résultat est juste plat et sans intérêt. Les gangsters sont censés faire peur, pas donner envie de rire, tant ils sont caricaturaux.

Donc premier point qui ne va pas, le scénario. Ce n’est même pas qu’il soit vraiment mauvais. Mais c’est tellement prévisible et cousu de fil blanc qu’on se demande si son écriture a demandé plus de cinq minutes. Ca a été fait mille fois déjà et la plupart du temps en beaucoup mieux. Aussi bien les rebondissements que l’évolution des personnages ne nous surprennent pas une seconde. Allez, si on est vraiment généreux, il y a bien un élément quelque peu inattendu. Mais comme cela reste relativement anecdotique, cela n’a aucune chance de sauver une intrigue globalement sans intérêt.

Deuxième point qui fâche, la réalisation. Cédric Anger est à la fois le metteur en scène et le scénariste de l’Avocat. Au moins, on ne pourra pas lui reprocher un manque de constance dans la performance. Le moindre épisode de série américaine est désormais réalisée avec plus d’imagination, de punch et d’originalité que ce film. La caméra est plantée là à filmer ce qui se passe, sans jamais contribuer à créer une ambiance oppressante, propice à l’angoisse et au suspense. Quant au fait que le film commence par la fin, il s’agit d’une technique tellement sur-utilisée que l’on n’y prête plus aucune attention. De plus, ce coup-ci, cela n’apporte strictement rien à la narration, qui, de toute façon, est cousue de fil blanc à grosses mailles.

Enfin, terminons par ce qui est vraiment confondant de médiocrité. L’interprétation ! A la limite Benoît Magimel ne s’en sortirait pas trop mal par rapport à ses compagnons. Certes, il a l’air d’y croire comme le candidat socialiste à l’élection municipale de Neuilly-sur-Seine, mais au moins, il nous sert le minimum syndical. Par contre, en face de lui, Gilbert Melki nous livre peut-être son plus mauvais rôle. On se pince pour y croire tellement son jeu tire sur la caricature. On serait dans une parodie, on pourrait presque le trouver excellent. Le problème, c’est qu’on est dans un film qui se veut on ne peut plus sérieux, pour ne pas dire qui se prend au sérieux, et du coup, ça finit de couler l’Avocat, qui prenait déjà pas mal l’eau par ailleurs.

L’Avocat est donc un film qui se voulait l’égal des meilleures productions du genre, essentiellement hollywoodienne. Au final, cela donne un mauvais téléfilm bien de de chez nous.

Fiche technique :
Production : Sunrise film
Distribution : SND distribution
Réalisation : Cédric Anger
Scénario : Cédric Anger, Jean-François Leforsonney
Montage : Simon Jacquet
Photo : Guillaume Schiffman
Décors : Antoine Platteau
Musique : Grégoire Hetzel

Casting :
Benoît Magimel : Léo Demarsan
Gilbert Melki : Paul Vanoni
Aïssa Maïga : Eve
Eric Caravaca : Le flic
Vincent Demoury : Eric Boyer
Samir Guesmi : Ben Corey

Durée : 102 mn

Angèle et Tony, voilà bien un film à côté duquel j’ai failli passer. Pas de bande-annonce, pas de campagne marketing, pas de stars au générique, juste un affiche qui ne me donnait guère envie. Cette dernière sentait le film ennuyeux au pathos lourdingue à plein nez. Mais heureusement, le bouche à oreille a fonctionné et c’est avec plaisir que j’ai pu voir ce film, bourré d’optimisme et d’amour.

Le synopsis et les premières minutes de Angèle et Tony ne font pas vraiment penser que ce film puisse être une comédie romantique… Bon déjà parce que ce n’est pas une comédie romantique, au sens où on l’entend habituellement, mais une belle histoire d’amour qui nous montre que l’on peut trouver le bonheur même si on n’est pas né avec une cuillère d’argent dans la bouche.

Angèle et Tony possède tout de même un vrai fond social, mais on reste quand même loin de Ken Loach. Ou alors le Ken Loach optimiste de Looking for Eric. Il ne s’agit pas vraiment pas ici d’un film sur les difficultés économiques que connaissent les marins-pêcheurs, sur la réinsertions des anciens détenus ou sur le combat d’une mère pour récupérer la garde de son enfant. Ce sont bien des éléments de l’intrigue, mais jamais Alix Delaporte ne s’y appesantit. Le film nous parle de gens « modestes » sans insister sur ce point. Bref, il faut bien qu’une histoire de se situe dans un milieu social, alors pourquoi pas celui-là plutôt qu’un autre.

Il faut cependant bien le reconnaître, tout cela contribue à notre attachement aux personnages et à notre envie de les voir accéder au bonheur. A la fois, si tout était facile pour eux, il n’y aurait même pas de film. Mais comme pour le scénario, les protagonistes ne restent pas focalisés sur leurs problèmes et décident d’avancer et de vivre leur vie. Pas d’optimisme béât non plus, juste des gens de la vraie vie vraie, qui n’ont rien de winners implacables ou de losers pathétiques.

Ces deux personnages principaux d’Angèle et Tony sont magnifiquement interprétés par le duo Clotilde Hesme, une valeur montante du cinéma français, et Grégory Gadebois, une valeur sûre, qui quitte là son statut d’éternel second rôle pour tenir avec brio le haut de l’affiche. Deux révélations parfaitement dirigées par Alix Delaporte qui signe là un premier film remarquablement réussi.

Fiche technique :
Production : Lionceau films, Cinécinéma
Distribution : Pyramide distribution
Réalisation : Alix Delaporte
Scénario : Alix Delaporte
Montage : Louise Decelle
Photo : Claire Mathon
Décors : Hélène Ustaze
Musique : Mathieu Maestracci
Durée : 87 mn

Aller voir un film de Clint Eastwood, c’est forcément s’attendre à voir un chef d’œuvre, vu la qualité et la densité de sa filmographie. Mais bon, même les meilleurs ont droit à de petits moments de faiblesse. Au-Delà ne sera certainement pas le film que l’on retiendra quand on examinera la carrière de réalisateur de celui qui sera à jamais le Bon.

Trois destins marqués par la mort. Celui de Marie, journaliste vedette de France Télévision, qui y a réchappé de peu pendant ses vacances dans le Sud-Est asiatique lors d’un tsunami. De tellement peu, qu’elle est désormais hantée par la vision qu’elle a eu lorsque les sauveteur la considérait comme cliniquement morte. Celui de George, ancien médium, qui a le don de parler au personnes décédées. Un pouvoir auquel il essaye désespérément d’échapper. Celui de Marcus, jeune garçon qui vient de perdre son frère jumeau et essaye de trouver un moyen de communiquer avec lui.

Au-Delà est donc un film aux trois parties distinctes, même si elles finissent par se rejoindre. Trois histoires ayant le même thème central mais très différentes. Trois histoires surtout diversement réussies. Celle des deux jumeaux est de loin la plus intéressante, la mieux construite et surtout la plus émouvante. Cet intérêt vient très certainement du fait qu’elle est la plus ancrée dans le réel. Elle nous parle de la difficulté du deuil, ce qui peut évidemment concerner n’importe lequel d’entre nous.

L’histoire de George est également une réussite, mais est un peu frustrante. Ce pouvoir que tout le monde prend pour un don, alors que, pour son possesseur, il se révèle être une malédiction constitue une base solide et intéressante pour un propos que l’on aimerait voir développé. Mais Clint Eastwood ne se donne pas le temps de creuser. On retiendra cependant que cette partie du film nous offre une scène réellement extraordinaire, qui nous rappelle d’un coup qui est derrière la caméra. Une scène d’une sensualité ébouriffante autour de l’art culinaire, qui vous donnera faim… et pas que de nourriture.

Et puis, il y a l’histoire de Marie. Bien sûr, on peut trouver agréable qu’un tiers d’un film réalisé par une légende de Hollywood soit interprété par des acteurs francophones s’exprimant dans leur langue maternelle. Mais cela reste malheureusement anecdotique devant le manque d’intérêt de cette partie de l’intrigue. A cela s’ajoute parfois un peu de ridicule, quand Clint nous fait partager la vision de Marie. Représenter l’Au-Delà n’est pas chose aisée, mais s’il existe réellement, j’espère bien qu’il ressemble à autre chose que ce mauvais décor de téléfilm des années 80.

Ces trois morceaux convergent vers une fin pas vraiment convaincante. Du coup, on ressort avec un sentiment de déception. On aimerait voir le verre au deux tiers plein, mais malheureusement le gros tiers de vide marque fortement l’esprit du spectateur. Et ce n’est pas les prestations pâlottes de Matt Damon, dont on peut admirer les yeux de chien battu pendant deux heures, et Cécile de France dont le personnage était de toute façon trop inintéressant pour être sauvé, qui arrivent à inverser la tendance. Seuls les deux jumeaux, interprétés par les jeunes Frankie et George McLaren, viennent quelque peu éclairer cette grissaille.

Au-Delà est une œuvre sur un sujet difficile qu’il essaye de traiter par différentes perspectives. L’intention était louable, mais Clint Eastwood n’est pas arrivé à créer une synergie entre elles. Il nous livre donc un film bancal, auquel il n’a pas manqué tant que ça pour être franchement réussi mais qui constitue au final une petite déception.

Fiche technique :
Production : Warner Bros Entertainment, The Kennedy / Marshall company, Malpaso productions, Amblin Entertainment
Distribution : Warner Bros France
Réalisation : Clint Eastwood
Scénario : Peter Morgan
Montage : Joel Cox, Gary D. Roach
Photo : Tom Stern
Décors : James J. Murakami
Musique : Clint Eastwood
Durée : 128 mn

Casting :
Matt Damon : George Lonegan
Cécile de France : Marie Lelay
Frankie McLaren, George McLaren : Marcus et Jason
Bryce Dallas Howard : Melanie
Jay Mohr : Billy
Thierry Neuvic : Didier
Lyndsey Marshal : Jackie

Le studio Ghibli est avant tout connu pour être le lieu de création du maitre Hayao Miyazaki. Mais il abrite bien d’autres artistes, dont les œuvres sont parfois distribués en France. C’est le cas d’Arrietty, le Petit Monde des Chapardeurs. Un film peut-être moins magique que ceux du maître, même si ce dernier est au scénario, mais qui nous offre un bien beau conte, plein de poésie.

Sho est un jeune garçon de 12 ans qui part se reposer chez sa grand-mère avant une délicate opération au cœur. Des ses premiers pas dans le jardin, il croit remarquer une jeune fille pas plus haute que quelques centimètres. Elle s’appelle Arrietty et vit avec son père et sa mère, à l’abri du regard des humains, qu’ils considèrent comme particulièrement dangereux. Mais elle est irrésistiblement attirée par Sho qui fait tout pour nouer le contact.

Arrietty, le Petit Monde des Chapardeurs est très classique sur bien des points. Visuellement, déjà, on est dans le pur style studio Ghibli, qui se situe entre un graphisme européen et celui habituel des mangas. Pas de grands yeux et de nez à peine esquissé, mais demeure tout de même un trait typiquement japonais… Notamment du fait que les personnages sont dessinés avec un physique qui n’a rien d’asiatique…

Comme souvent également dans ce genre de production, Arrietty, le Petit Monde des Chapardeurs met en scène des protagonistes principaux se situant entre l’enfance et l’adolescence. On peut se demander d’où vient cette fixation nippone. Peut-être est-ce une façon de pouvoir rendre asexué et innocent des rapports entre personnages du sexe opposé. Bon, le but de ma critique n’est pas d’explorer la sociologie du Pays du Soleil Levant, mais tout ça pour dire que l’on est dans un cadre plutôt familier.

Par contre, puisque la comparaison est inévitable, on ne retrouve pas le foisonnement visuel et l’imagination débordante auquel nous habituent les films de Miyazaki, même si ce dernier a signé ici le scénario. Arrietty, le Petit Monde des Chapardeurs est une histoire plutôt simple et son aspect imaginaire ne donne pas pour autant dans le fantastique… Plus clairement, une fois accepté le fait qu’il existe des êtres semblables à nous à part qu’ils ne mesurent que quelques centimètres de haut, le film reste relativement réaliste.

En fait, une grande partie du charme d’Arrietty, le Petit Monde des Chapardeurs, repose sur ce jeu incessant entre les échelles. Les objets changent de fonction selon par qui ils sont utilisés, une simple épingle devenant une véritable épée par exemple. Alors bien sûr, tous ceux qui regardaient les Minipouss à la télé dans les années 80 ou qui ont succombé (ou subi) la mode des Minimoys connaissent bien ce principe. Mais il est utilisé ici avec beaucoup plus de finesse et de poésie, et surtout dans un univers visuel beaucoup plus fouillé et tout simplement joli.

Arrietty, le Petit Monde des Chapardeurs est dénué de toute violence ou de tension sexuelle. Pourtant, l’histoire n’est en rien simplette ou gnangnan. On peut lui reprocher éventuellement un aspect un peu enfantin. Mais c’est avant tout une histoire simple, encore une fois très poétique. Un vrai conte qui s’adresse à un public large, que les enfants et les parents apprécieront, pas forcément pour les mêmes raisons.

Le plus difficiles reprocheront à Arrietty, le Petit Monde des Chapardeurs de ne pas être un Miyazaki. Mais il reste une très beau film d’animation, preuve que le Japon possède une richesse artistique incomparable dans ce domaine.

Fiche technique :
Shinobu Ôtake : Homily
Tomokazu Miura : Pod
Kirin Kiki : Haru
Ryunosuke Kamiki : Sho
Mirai Shida : Arrietty
Keiko Takeshita : Sadoko
Production : Studio Ghibli, Toho Company
Distribution : Walt Disney Company France
Réalisation : Hiromasa Yonebayashi
Scénario : Hayao Miyazaki, d’après les romans de Mary Norton
Photo : Atsushi Okui
Musique : Cécile Corbel
Durée : 94 mn

Casting :
Shinobu Ôtake : Homily
Tomokazu Miura : Pod
Kirin Kiki : Haru
Ryunosuke Kamiki : Sho
Mirai Shida : Arrietty
Keiko Takeshita : Sadoko

The Green Hornet était fort attendu pour plusieurs raisons. Premièrement, l’année dernière, Kick-Ass nous avait montré que les films de super-héros au second degré pouvaient donner de purs moments de bonheur cinématographique. Et puis, avec Michel Gondry aux commandes, on pouvait s’attendre à une imagination visuelle débordante et un humour décalé savoureux. Malheureusement, le résultat n’est pas tout à fait à la hauteur des espérances.

Britt Reid est loin de ressembler à son père. Quand ce dernier dirige un journal d’investigation respecté, lui préfère la fête, l’alcool et les jolies filles. Mais au décès de son géniteur, il va devoir prendre sa succession. Un bien lourde responsabilité pour quelqu’un qui n’en a jamais assumées. Heureusement, il est épaulé par Kato, l’homme qui réparait les voitures et préparait le café de son père. Les deux compères décident alors de faire quelque chose de grand de leur vie et de combattre le crime.

The Green Hornet est une nouvelle version d’une histoire, née dans les années 30 à la radio, et qui a été adaptée plusieurs fois au cinéma et surtout dans une série télévisée qui a vu, dans les années 60, les débuts de Bruce Lee à l’écran. La version 2010 aurait pu revisiter le mythe, mais elle se contente malheureusement de l’effleurer. Car si ce film est au final plutôt sympathique, il est tout à fait oubliable et on n’attend pas avec une impatience spéciale la suite qui ne manquera pas de voir le jour.

Michel Gondry a été frappé du syndrome « mon gros budget nuit à mon originalité ». Il n’est pas le premier à y succomber, mais c’est bien dommage. Pourtant, The Green Hornet aurait pu lui donner l’occasion d’y exprimer tous ses talents. Dans la première partie du film, l’humour est bien plus présent que l’action, le temps que les héros naissent avant de combattre le crime. Mais au lieu de cet humour décalé auquel il nous avait habitué, on a droit à un humour un rien lourdingue et pas toujours très drôle. Là, on se dit que le film est plutôt mal parti.

Puis les scènes d’action prennent la relève. Et là aussi, ça commence doucement, avec des scènes divertissantes mais sans plus, avant un final heureusement plutôt réussi. Enfin, on se situe quand même à des années lumières du moment de jouissance cinématographique pure offert il y a un an par le dernier quart d’heure de Kick-Ass, auquel The Green Hornet fait quand même souvent penser. Enfin, la dernière demi-heure arrive tout de même à nous faire oublier la poussivité du début. Au final, on aura quand même passé un bon moment. Mais c’est vrai qu’on s’attendait à passer un très bon moment.

Ce qui manque vraiment à The Green Hornet, c’est un début de commencement de politiquement incorrect, de provocation ou d’anticonformisme. On l’espère, on l’attend, mais jamais il ne vient, ce qui nous laisse considérablement sur notre faim. Et on se demande comment le réalisateur d’OVNI cinématographique comme Eternel Sunshine of the Spotless Mind ou Soyez Sympas, rembobinez a pu signer un film si conventionnel.

Il faut dire que le duo d’acteurs occupant le haut de l’affiche est plutôt pâlot. Seth Rogen, pourtant très impliqué dans un projet dont il est aussi scénariste, manque passablement de charisme et fait beaucoup trop transparaître son passé d’acteur de grosses comédies qui tâchent. Son comparse, Jay Chou, fait guère mieux et ne fera certainement pas oublié Bruce Lee.

Heureusement, ils font face à Christoph Waltz, l’acteur génial révélé par Inglorious Bastard. Il est peut-être ici moins inspiré que sous la caméra de Quentin Tarantino, mais il se démarque largement du reste du casting. On pourra toujours objecter que Cameron Diaz fait preuve elle-aussi de son charisme habituelle, mais son rôle ne lui permet pas de briller spécialement.

Au final, si The Green Hornet avait été réalisé par n’importe quel réalisateur débutant, on aurait pu apprécier pleinement ce divertissement agréable. Mais il est difficile d’oublier ce qu’il aurait pu être si Michel Gondry avait fait preuve de la même créativité qu’à son habitude.

Fiche technique :
Production : Original Films, Columbia Pictures
Distribution : Sony Pictures
Réalisation : Michel Gondry
Scénario : Seth Rogen, Evan Goldberg
Montage : Michael Tronick
Photo : John Schwartzman
Décors : Owen Paterson
Musique : James Newton Howard
Durée : 117 mn

Casting :
Seth Rogen : Britt Reid, Le frelon vert
Tom Wilkinson : Jaùes Reid
Christoph Waltz : CHudnofsky
Cameron Diaz : Lenore
Jay Chou : Kato
Edward James Olmos : Axford
Edward Furlong : Tupper
David Harbour : Scanlon